10 films essentiels de Jean Renoir pour vous emmener à «The River»

Cette semaine voit la Critère Blu Ray libération de Jean Renoir«Merveille Technicolor de 1951»La rivière. »Le narrateur du film raconte des souvenirs de son enfance en Inde, comment« le temps a passé, inaperçu ». C'est un sentiment qui imprègne tous les grands films de Renoir, et sur la quarantaine qu'il a réalisé, aucun n'est mauvais, la plupart sont grands, et plus encore que quelques-uns sont essentiels. En tant que fils de l'impressionniste français Pierre-Auguste, L'implication de Jean Renoir tout au long de sa vie dans la créativité était une fatalité.



Un vrai réalisateur, aimé et admiré par des gens comme Orson Welles, Peter Bogdanovich, Martin Scorsese, Wes Anderson et tous les canons alors jeunes de la nouvelle vague française émergente, le romantisme infaillible et l’humanité de Renoir ont coulé dans tous ses films. Ses motifs incluent la théâtralité, une idéalisation de la vie à la campagne et le concept d'un fleuve, souvent représenté comme l'ultime évasion et toujours en mouvement. Dans son article d'Observateur sur Renoir, (avec le titre sans fioritures, “; Le meilleur réalisateur, jamais ”;), Bogdanovich écrit “; ses films semblent sortir du moment que vous regardez plutôt que d'être figés dans le temps, ”; et les compare au mouvement d'une rivière. C'est une description parfaite de cela je ne sais quoi élément des films de Renoir; jamais flashy, comique avec un but, une compréhension profonde sans fond de la narration cinématographique et une intemporalité inquiétante.

À bien des égards, Renoir est l'ancêtre de diverses techniques et mouvements qui changeront le cinéma pour toujours. Il est également célèbre pour avoir remarqué “; la chose horrible à propos de la vie est la suivante: tout le monde a ses raisons, ”; dans son œuvre la plus louée, “;Les règles du jeu. ”; Ci-joint, le récapitulatif de la Playlist de 10 films essentiels de Jean Renoir menant à et incluant “; The River. ”;



Vous savez où aller pour nous parler de votre film préféré de Jean Renoir. «Alors, bon appétit!



“; Boudu sauvé de la noyade ”; (1932)
Renoir et acteur Michel Simon passé de films muets à des talkies-walkies main dans la main, travaillant deux fois ensemble avant de s'associer pour une troisième et dernière fois pour “; Boudu sauvé de la noyade. ”; Cette familiarité, combinée à la compréhension intime de Simon du “; le clochard parfait, ”; (l'acteur a joué le rôle sur scène avant de l'immortaliser à l'écran) et la solide compréhension de Renoir sur les aspects techniques émergents font de «Boudu» un trifecta gagnant du réalisateur, acteur et personnage. L'histoire désormais classique suit Monsieur Lestingois (Charles Granval), une masse bourgeoise uppity d'un homme, alors qu'il sauve la vie de Boudu (Simon) et décide de domestiquer le clochard sans vergogne et de le transformer en gentleman. L'hilarité s'ensuit alors que Boudu bouleverse tous les codes moraux et éthiques de la maison Lestingois. Renoir investit René Fauchois'jouer avec un talent inné pour la narration cinématographique et des éléments modifiés de l'histoire (surtout la fin) afin de refléter ses propres sensibilités sur la disparité des classes, le libre arbitre et le tissu sociétal complexe cousu par les relations humaines - des thèmes qui traversent Toute la filmographie de Renoir. Les premiers signes de son contrôle directeur sans faille sont partout; un favori personnel voit Boudu chercher son chien et chercher l'aide d'un policier. En une seule prise, le flic l'ignore, uniquement pour aider une femme aisée dans une situation similaire (son chien vaut 10 000 francs, vous voyez). Boudu est une force de la nature libre d'esprit, se rebellant contre la haute culture, et l'un des personnages les plus divertissants de Renoir. Une reconnaissance spéciale devrait être accordée à la performance incroyablement brillante de Simon - il se soucie de la folie angulaire et rit de respectabilité partout où le courant l'emmène.


“; Toni ”; (1935)

Au milieu des années 1930, Renoir atteignait déjà une position enviable dans l'industrie cinématographique française, mais avant de travailler sur des décors grandioses et de transformer des acteurs en stars, il a filmé une histoire intime centrée sur les immigrés du sud de la France, filmant sur place et utilisant acteurs non professionnels. “; Toni ”; est un film qui est généralement enfoui sous le poids cinématographique des derniers chefs-d'œuvre de Renoir, mais il mérite cette place pour inspirer un mouvement cinématographique majeur dans un autre pays (plus de détails ci-dessous) et est un film phénoménalement bien réalisé à part entière. Il dépeint un triangle amoureux tragique en tant qu'immigrant italien Toni (Charles Blavette) est malheureusement mariée à l'hôtesse locale Marie (une monumentale Jenny Helia) et amoureux de son compatriote immigré Josefa (Celia Montalvan), le tout sur fond de Provence aux cols bleus. Avec ce film, Renoir a présenté une autre raison de son héritage éternel: voici un réalisateur qui n'a pas eu à compter sur des acteurs expérimentés pour créer quelque chose d'éternellement affectif. Pensez au cadrage et au mouvement de la caméra lorsqu'un chanteur local fait irruption dans une sérénade éloquente, ou à la transition des scènes entourant la tentative de suicide de Marie. La prise unique de Marie ramant loin de la terre et vers l'immensité illimitée contient une force visuelle indescriptible, et se présente comme mon préféré parmi la pléthore de longues prises glorieuses trouvées dans la filmographie de Renoir. C’est une histoire simple, rehaussée par l’habileté de son directeur, et Luchino Visconti, qui a aidé Renoir sur la photo, a clairement compris le message. Il a pris le plan d'un des plus grands films néoréalistes italiens non réalisé par un Italien chez lui, et le reste est l'histoire du cinéma.

vue et son 250


“; Le Crime de Monsieur Lange ”; (1936)

Un autre titre qui est trop facilement oublié quand on parle des plus grandes réalisations de Renoir, “; The Crime of Monsieur Lange ”; est un visionnement essentiel pour tout fan de Renoir qui souhaite comprendre ses convictions politiques - c’est un film «touché par la grâce»; selon François Truffaut. Le cinéma européen a été perforé par le mouvement nazi croissant dans les années 1930, et Renoir, avec Jean Castanyer et Jacques Prevert, développé un scénario politiquement mordant qui remet directement en question l'autorité et les limites éthiques qu'il faut et ne doit pas franchir. Douce et douce Amedee Lange (René Lefevre) a commis un crime et est en fuite avec sa petite amie Valentine (un magnifique Florelle). Lorsqu'il est reconnu par un groupe de clients de l'auberge, Valentine raconte leur histoire et ce qu'est vraiment le crime de Lange, avant de leur donner la chance de le dénoncer à la police. De cette façon, l'un des paramètres les plus absorbants d'un film Renoir est introduit: le monde de l'édition collective “; Javert, ”; conçu pour rassembler des histoires de détective, d'abord sous la supervision matérialiste de Monsieur Batala (un délicieux méchant Jules Berry) et plus tard, comme une véritable coopérative portée par le succès du travail de Lange. Renoir a joué avec des dissolutions funky et des indices musicaux explosifs d'un collaborateur de longue date Joseph Kosma, mais ce sont les moments les plus calmes, comme lorsque Valentine chante pour Amédée, et des personnages mineurs comme le vieux soldat qui n'a pas de reçu, qui imprègnent l'image de la tendresse et de l'appréciation extraordinaires de Renoir pour son prochain. Alors que le film a grandi au-delà de ses cadres et agit comme un enregistrement artistique d'une période politique très particulière en France, il est toujours très vivant et est l'une des signatures étranges de Renoir.


“; Les profondeurs inférieures ”; (1936)
À vrai dire, la version de Renoir de Maxim Gorky‘S “; The Lower Depths ”; serré seulement par un cheveu sur cette liste. Mais même si Akira KurosawaLa version de quelques décennies plus tard s'avérerait supérieure (une opinion que Renoir lui-même a également exprimée), il y a quelques raisons très importantes pour lesquelles il est essentiel de regarder pour tout fan de Renoir. C'était la première fois que Renoir travaillait avec Jean Gabin, qui continuerait à faire trois autres films avec Renoir et à solidifier l’une des plus grandes collaborations acteur-réalisateur du cinéma. Il a fourni un rôle pour l'une des performances de soutien les plus mémorables de tout film Renoir, celle du Baron, jouée par l'irrésistiblement magnétique Louis Jouvet. Il est également significatif dans la façon dont Renoir a adapté la pièce - tout comme la façon dont il a peaufiné Fauchois via sa version personnalisée de «Boudu», il remodèle Gorky et élargit les limites du cadre pour montrer plus du monde entourant le flophouse en son centre. La représentation emblématique de Gabin du voleur Pepel, qui rêve d'échapper à la flophouse et de prendre son amoureuse (Junie Astor) avec lui, est contrecarrée par le baron des jeux de Jouvet qui passe de la richesse aux haillons et trouve que la flophouse convient très bien à ses tendances. “; Les profondeurs inférieures ”; est également l'un des plus grands exemples de l'attention que Renoir a accordée aux personnages marginaux, de sorte que le spectateur puisse revivre la vitalité du film à travers l'acteur condamné ou la blonde Nastia (Jany Holt). Et même si Renoir détestait tristement la performance en bois d'Astor (sérieusement, elle est comme une planche à côté de Gabin), le même film nous donne des scènes emblématiques comme celle avec Gabin, Jouvet et un escargot sur la rive. Des scènes comme celle-ci, qui ne se trouvent pas dans la source originale mais concoctées avec imagination par le génie spontané de Renoir, font de cette version de “; The Lower Depths ”; indélébile.


“; Une journée à la campagne ”; (1936)

Le mauvais temps a contrecarré l’achèvement du film suivant de Renoir, A Day In The Country, ”; et ce faisant, arrêta net ce qui aurait pu être son magnum opus. Heureusement, personne n'a osé empiéter sur la vision de Renoir et le film est sorti tel quel une décennie plus tard. Cette featurette témoigne de ce que Renoir peut faire en 40 minutes, capturant un monde bucolique plein d'affections avec une chaleur si immense qui transcende l'écran et plonge directement dans votre cœur. Seule une poignée d'administrateurs ont déjà eu cette capacité, et même alors, ils auraient généralement besoin d'au moins une heure et demie de fonctionnement. Adapté d'une nouvelle écrite par Guy de Maupassant (qui était ami avec Pierre-Augustine Renoir, btw), “; A Day in the Country ”; suit un groupe de Parisiens alors qu'ils passent un dimanche après-midi à la campagne. Fille Henriette (Sylvia Bataille, qui pour mon argent offre la plus grande performance féminine dans un film Renoir) et la mère (Marques Jane) sont par conséquent courtisés et amusés par deux garçons de la campagne. Et dans un moment fatidique, encapsulé par un gros plan envoûtant, la vie d'Henriette a changé pour toujours. Le film est resplendissant de son imagerie bucolique, de ses magnifiques plans du ciel et de la nature environnante dont Henriette est si émue, et d'un plan de suivi final qui glisse de manière inquiétante à la surface d'une rivière perturbée par des gouttes de pluie représentant le temps qui passe et symbolisant la fin de l'innocence d'Henriette. “; Une journée à la campagne ”; est le plus impressionniste de l’œuvre de Renoir: c’est un poème visuel opposant le monde idyllique du pays aux banalités de la société urbaine et, bref, c’est à bien des égards la plus longue bouffée d’air frais de la filmographie de Renoir.


“; La Grande Illusion ”; (1937)
Vient maintenant l'un des films de Renoir les plus reconnus et les plus mémorables, un chef-d'œuvre avec le genre d'ampleur et de dynamisme qui lui a valu son premier goût de renommée internationale. Adoré par Orson Welles, qui l'a choisi comme son film sur une île déserte, et le premier film étranger à être nominé pour un Oscar du meilleur film, “; The Grand Illusion ”; est l'un des plus grands films POW de tous les temps et probablement le plus grand film sur la fraternité internationale et interclasse. Renoir fait équipe avec son plus grand joueur vedette Gabin et dirige des thèmes si proches de son cœur et des persuasions anti-guerre que l'héritage du film n'est guère surprenant. Les aviateurs français Marechal (Gabin) et Boeldieu (un fabuleusement chic Pierre Fresnay) passer d'un camp de prisonniers à un autre, se mêler à d'autres détenus, comploter des évasions et tomber sur le capitaine aristocratique allemand von Rauffenstein (un fantastiquement rigide Erich Von Stroheim). La façon dont Renoir filme ces interactions - que ce soit une discussion sur la préférence des restaurants entre les détenus, ou sur l'honneur derrière le maintien de la noblesse entre deux généraux aristocratiques - est le lieu où la magie réside dans “; The Grand Illusion ” ;. Et chaque fois que l'un des trois acteurs mentionnés est présenté, l'héritage du film est d'autant plus renforcé. Sa structure en trois parties a été analysée à l'infini par les spécialistes du cinéma, son thème dominant de la compassion au milieu de l'insensé de la guerre a influencé d'innombrables films anti-guerre à venir, et son rythme gracieux (pensez au changement de ton dramatique lorsque Gabin interrompt le spectacle de vaudeville ) reste inégalée. Vous pensez qu'un film avec autant de testostérone renforcerait toute performance féminine, mais “;L’Atalante'S Dita je parle fait une apparition tardive, et dans quelques courtes scènes essore tout ce qui reste de votre cœur.


“;La Bête Humaine”; (1938)

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Soucieux de poursuivre leur collaboration fructueuse après «Illusion», Jean Gabin apporté l'idée d'adapter Emile Zola'S célèbre roman “; La Bête Humaine ”; à Renoir. C’est une image unique de Renoir parce que c’est sa plus sombre («Toni» est une seconde proche), avec un scénario macabre impliquant le meurtre, le malheureux mariage entre Séverine (Simone Simon) et Roubaud (Fernand Ledoux), et un anti-héros improbable dans l'ingénieur du train Jacque Lantier (Gabin), un homme en proie à des explosions violentes en raison d'une lignée de sang corrompue. Avec la ruée exaltante évoquée dans les premiers instants qui suivent un train à grande vitesse arrivant à une gare, “; La Bête Humaine ”; jette un pont entre le réalisme poétique austère qui imprègne le milieu cinématographique d'avant la Seconde Guerre mondiale avec la vague entrante d'images de film noir dans les années 40 et 50. Ce film voit Renoir travailler avec une atmosphère d'intensité inhabituelle et irrégulière, toute morosité et pessimisme encore amplifiés par Curt CouranLa cinématographie austère et les fumées de locomotive omniprésentes qui ne semblent jamais se dissiper complètement (le train est souvent une présence sinistre, une machine imparable qui coupe le cadre et envahit la sérénité autrement paisible). Malgré son sujet et le nuage sombre imminent qui couvrira une grande partie de l'Europe qui se rapproche, Renoir parvient toujours à saupoudrer l'image avec son pathos signature, à travers des personnages comme Pecqueux (Julien Carette) qui prend la vie comme elle vient, ou la danse vers la fin sur laquelle aucun autre metteur en scène ne passerait autant de temps. Néanmoins, les trois personnages tragiques au centre de “; La Bête Humaine ”; sont condamnés dès le début, et les trois acteurs (plus particulièrement Gabin, offrant peut-être sa meilleure performance en carrière) font un travail impeccable en évoquant leurs peurs et leurs démons les plus intimes, aidant ainsi Renoir à se tailler un autre joyau celluloïd inoubliable.


“; Les règles du jeu ”; (1939)

En 1939, Renoir avait accumulé suffisamment d'influence pour faire ce qu'il voulait, et avec la frontière de la Seconde Guerre mondiale toujours plus proche, il a choisi de revisiter un territoire familier pour son prochain projet: les relations entre les classes, mais exploré d'une manière radicalement différente et plus légère que la précédente. image. En tenant un miroir des divers délires qui affligent la société de la classe supérieure, Renoir a créé une tapisserie incroyablement énergique d'individus brisés entourés de valeurs sociétales en désintégration. Le film est rapidement devenu la production française la plus chère de tous les temps, et a fait l'objet de critiques acerbes lors de sa sortie, notamment pour ne pas offrir le genre d'évasion que le public français était désespéré (au contraire, le film a directement critiqué leur chemin de la vie). C’est le film qui a chassé Renoir de la France et dans le système hollywoodien, un film qu’il a été contraint de réduire en 85 minutes inconfortablement claustrophobes, invitant un nombre record de critiques négatives. Ce n'est qu'en 1956, lorsque le film est réapparu au Festival du film de Venise dans sa forme prévue, que “; Les Règles du Jeu ”; a commencé à recueillir le genre d'admiration qui finirait par le voir monter en estime, par-dessus tout les autres tableaux de Renoir. Aujourd'hui, il est souvent cité comme l'un des plus grands films de tous les temps (sécurisé dans le top 10 du sondage universel de Sight & Sound pendant des décennies), et reste une pierre angulaire cinématographique de la satire sociale. Comme sa pièce d'ensemble la plus somptueuse, peuplée de personnages inoubliables comme Robert (Marcel Dalio), Christine (Nora Gregor) et Octave (Renoir), et une séquence de chasse au lapin techniquement éblouissante qui a introduit les effets merveilleux de la photographie avec mise au point profonde dans le cinéma occidental, “; The Rules of the Game ”; incarne ce qui rend la perception de Renoir de la condition humaine si éternellement divertissante en 106 minutes.


“; Le Sudiste ”; (1945)

Déçu de la réception de “; The Rules of the Game ”; et chassé de son pays d'origine par des fascistes, Renoir a déménagé en Amérique et est entré dans une période fragile de sa carrière. Des cinq films qu'il a réalisés dans les années 40 (dont une adaptation décente de “;Journal d'une femme de chambre”;), “; Le Sudiste ”; contient la résonance la plus réconfortante et dans l'esprit est le plus étroitement lié à la majesté de sa période généreuse des années 30, peut-être parce que c'est le premier film que Renoir a fait sur le sol américain sans interférence de studio. Il raconte l'histoire de la famille Tucker appauvrie; mari Sam (Zachary Scott), épouse Nona (Betty Field), leurs deux jeunes enfants et Granny Tucker (Beulah Bondi). Sam est un cueilleur de coton déterminé à faire de la vie agricole de sa famille une vie prospère, mais il est constamment confronté à des obstacles causés par une nature impitoyable ou des voisins hostiles, et cela ne compte pas le harcèlement amer de sa mère (les expressions tordues de Bondi sont absolument inestimables ici ). L'image est essentielle dans le canon Renoir pour être à la fois la représentation brutalement honnête d'un maître cinéaste de la vie dure dans The Land of Opportunity et le reflet des propres inclinations artistiques du réalisateur à l'époque. Combien la Seconde Guerre mondiale et le poison du nazisme ont changé l'humeur artistique de Renoir est le plus facilement perceptible dans sa représentation de la nature (on imagine que le baron de “; The Lower Depths ”; n'aimerait pas tellement rester allongé dans cette herbe…). Avec des performances poignantes de Scott and Field et la caméra de Renoir éclairant le paysage américain désolé, “; The Southerner ”; compense ses défauts mineurs avec des tas de cœur.


“; La rivière ”; (1951)

Un voyage de reconnaissance a introduit l'Inde à Renoir, et il a rendu la pareille en introduisant l'enchantement du pays au public occidental. Dans un endroit où “; la rivière apporte tout, ”; une nounou indienne adorablement superstitieuse (Suprova Mukerjee) supervise les enfants des colons anglais et trois jeunes filles arrivent à maturité dans l'image la plus particulière de Renoir, une adaptation de Rumer Godden'S roman. Raconté d'une voix off extrêmement évocatrice par June Hillman, l'histoire tourne autour du narrateur Harriet en tant que jeune fille (Patricia Walters), son amie américaine Valérie (Adrienne Corri) et leur amie indo-britannique Melanie (Radha), alors que leur vie tranquille est doucement remuée par l'arrivée du capitaine John (Thomas E. Breen). Bien sûr, ceci étant une image de Renoir, l'histoire complète implique tous les coins du cadre et une douzaine de personnages secondaires et secondaires de divers horizons. Plus efficacement, le film est une lettre d'amour cinématographique à la riche culture et aux traditions de l'Inde, où des scènes représentant la fête hindoue de la lumière, une rangée de travailleurs portant du jute ou l'agitation d'un bazar indien infusent la production de Renoir avec le seul élément jusqu'ici manquant dans son œuvre; couleur merveilleuse, enrichissante, vivace. La structure étrange, où les divertissements incluent une histoire dans une histoire mettant en vedette l'un des personnages du film et un montage hypnotique de dissous montrant une poignée de personnages reposant paisiblement, rappelle chaque film de Renoir dans lequel l'intrigue et le récit poussent organiquement, créant une expérience entièrement cinématographique et une méditation sereine sur l'amour, la mort et la continuation de toutes choses. Célèbre adoré par Martin Scorsese, “; La rivière ”; a annoncé le dernier chapitre de la carrière de Renoir et reste son œuvre la plus étonnante visuellement.

Renoir continuerait à travailler jusqu'à la fin des années 60, mais on peut affirmer que les deux seuls films après “; The River ”; digne de l '“; essentiel ”; étiquette sont “;L'entraîneur d'or”; (1953) et “;French Cancan”; (1954, qui le réunit avec Jean Gabin pour une dernière fois). En tout cas, il est extrêmement clair (pour reprendre une phrase de «Boudu») que lorsque nous parlons d’une image réalisée par Jean Renoir, nous parlons de l’un des maîtres les plus purs du métier. Un réalisateur d'une telle grandeur que même son film le moins essentiel renferme en lui un monde entier vivant d'une joie de vivre inégalée à ce jour.





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