Les 11 meilleurs clips musicaux du 21e siècle - IndieWire Critics Survey

'C'est l'Amérique'



Chaque semaine, IndieWire pose deux questions à une poignée de critiques de films et publie les résultats lundi. (La réponse à la seconde, “; Quel est le meilleur film en salles actuellement? ” ;, se trouve à la fin de ce post.)

La semaine dernière a vu la surprise (ou du moins court préavis) sortie de 'ANIMA' de Paul Thomas Anderson, un 'one-reeler' de 15 minutes qui sert de clip glorifié et glorieux pour trois des morceaux du nouvel album solo de Thom Yorke.



La question de cette semaine: quel est le meilleur vidéoclip du 21e siècle?



«Mauvaise version de couverture» (pulpe)



Ethan Warren (@EthanRAWarren), Bright Wall / Dark Room

Le clip vidéo de Pulp ’; s 2001 track “; Bad Cover Version ”; est peu orthodoxe à plusieurs égards, mais principalement un aspect assez important: plutôt que d'utiliser les voix d'album fournies par le chanteur Jarvis Cocker pour cette chanson d'imitateurs terne - qu'ils soient de nouveaux partenaires romantiques ou “; un Tom & Jerry plus tard quand les deux pourraient talk ”; - la chanson est ici interprétée par une cavalcade d'imitateurs professionnels dans une sorte de “; We Are the Bizarro World, ”; chacun prenant le feu des projecteurs pour une ligne ou deux de gloire caricaturale. Alors qu'un beuglement Tom Jones se presse autour du micro aux côtés d'un Bjork staccato comique, et d'un Kurt Cobain outrageusement de mauvaise qualité qui chante comme un homme avec une gorge pleine de cigarettes allumées, il est impossible de ne pas être charmé par cette étrange vallée de la ruée vers le sucre capsule de pop du tournant du millénaire. Le résultat est moins une vidéo traditionnelle qu'un court-métrage unique en son genre qui littéralise les thèmes de la chanson aux côtés de séquences interstitielles infiniment charmantes qui montrent les imitateurs affectant la rock star cool tout en grignotant des beignets et posant pour des photos de groupe, essayant et échouant pour minimiser le frisson vertigineux de toute l'opération bizarre.

«Avant d'oublier» (Slipknot)



Joey Keogh @JoeyLDG (rédacteur en chef de Wicked Horror), pigiste pour Birth.Movies.Death, Vague Visages, The List

La première fois que le monde a vu Slipknot sans leurs masques, c'était lors d'une conférence de presse après la mort prématurée du bassiste Paul Gray. Huit grosses têtes métalliques tatouées et poilues se sont assises et ont pleuré devant la presse mondiale tout en essayant d'étouffer les condoléances de leur frère décédé. Avant ce moment, les neuf membres du groupe le plus effrayant dans le métal gardaient leur identité étroitement cachée (euh, à part en jouant dans Stone Sour, qui pour une raison quelconque ne comptait pas). Le clip de la chanson à succès «Before I Forget», sorti en 2004, a taquiné de manière ludique les fans hardcore (appelés avec amour «asticots» parce qu'ils se nourrissent de la musique du groupe) en montrant juste assez de pieds, bras, coudes et cheveux de Slipknot alors qu'ils détruit la piste dans un studio d'enregistrement.

Cela aide à ce que la chanson soit un banger absolu, mais le concept est génial, nous faisant simultanément deviner tout en donnant plus de regard sur des membres moins prestigieux comme Sid ou Craig que nous ne l'avions jamais vu auparavant. La chose est également magnifiquement tournée, ce qui, bien que n'étant pas inhabituel pour une vidéo métal, est surprenant pour Slipknot dont l'esthétique granuleuse, les écrous et les boulons les ont alimentés à travers des goûts de 'Left Behind' ou de la puissante 'Duality', qui a vu un déluge de vertiges des asticots détruisant une propriété tout en regardant le groupe jouer un concert impromptu («Pourquoi voudriez-vous louer une maison pour Nœud coulant'allowfullscreen =' true '>



Les meilleurs vidéoclips sont ceux qui fonctionnent le mieux à la fois comme accompagnement de leur musique et comme œuvres d'art cinématographique en soi. C'est pourquoi la réponse est la vidéo de Michel Gondry à la chanson de Kyle Minogue, 'Come Into My World'. En plus d'être juste assez intéressante visuellement pour la regarder pendant quelques minutes, une excellente vidéo doit incarner à la fois les paroles de la chanson et la palette sonore . Pour une chanson de premier ordre de Kylie Minogue, incarner la palette sonore signifie être extrêmement joyeux mais hautement répétitif, et assez piéton mais tout à fait fascinant. Et avec une chanson intitulée 'Come Into My World', la vidéo ferait mieux de présenter un monde auquel le spectateur veut échapper.

Gondry cloue tous ces objectifs, malgré la nature en duel de certains d'entre eux. Dans un véritable exploit de chorégraphie (humaine et caméra), Gondry présente une vidéo unique de Kylie marchant en boucle au coin d'une rue, rencontrant diverses personnes qui passent leur journée. Il faut à Kylie un peu plus d'une minute pour terminer son chemin, à quel point elle revient à son point de départ, et la vidéo boucle. La caméra et le Kylie initial continuent de fonctionner, tandis que tout depuis le premier voyage est de nouveau là, maintenant doublé. Le timing est parfait, donc à chaque fois que Kylie revient au début, le refrain recommence à peine, et l'invitation lyrique de venir dans son monde accompagne l'entrée d'une autre Kylie. Il y a une fascination facile et endormie à regarder ces dupes augmenter en nombre sur une révolution régulière, car chaque nouveau chœur vous fait avancer. Le monde de Kylie ne cesse de croître, tout comme son attraction sur vous. En tant que travail de technique et d'exécution, la vidéo doit être vue pour être crue.

«Girl Walk // All Day» (Girl Talk)



David Ehrlich (@davidehrich), IndieWire

Appelant «Girl Walk // All Day» de Jacob Krupnick a Clip musical est un peu exagéré (pour plusieurs raisons), mais je profiterai de l'occasion pour exciter les gens à ce chef-d'œuvre de longue durée.

'Hey Ya!' (Outkast)



Luke Hicks (@lou_kicks), Film School Rejects / One Perfect Shot, Birth.Movies.Death.

milliards saison 2 trailer

Avant il y avait 'Spider-Man: Into the Spider-Verse', il y avait 'Hey Ya !,' dans Andre-Verse. Comme nous le savons tous (Outkast inclus), la seule chose meilleure qu'un Andre 3000 est huit Andre 3000. Jouant en tant que bassiste, batteur, claviériste, chanteur, guitariste rythmique et chœur de trois personnes dans le groupe titulaire The Love ci-dessous, le brillant, décalé et défiant les genres Three Stacks interprète 'Hey Ya!' Sur un Ed Sullivan-esque Scène avec une palette de couleurs St. Patty's Day à la fois dans la conception de costumes et de production. Les personnages qu'il incarne sur scène vont du dames à poil long au jockey derby en passant par le beatnik lisse, le faux académique et le roi seins nus.

Le réalisateur de clips musicaux Bryan Barber est fantastique derrière la caméra, même si on a l'impression que presque toutes les idées exprimées dans le clip vidéo sont trop étranges pour être venues de partout sauf de l'esprit d'André Benjamin lui-même. La vidéo capture juste le groupe en train de jouer, épissé avec des images de la foule aux allures de Beatle hurlant du haut de leurs poumons et des plans d'une télévision en noir et blanc avec le concert à l'écran, que nous devons supposer que quelqu'un regarde sur leur canapé. C'est visuellement simple, mais l'énergie, l'éclectisme et l'expression d'Andre 3000 sont si singuliers que cela ressemble à une expérience de vidéo musicale immersive qui ne peut pas être surmontée. Sans oublier, c'est une putain de bonne chanson.

Q.V. Hough (@QVHough), Vague Visages, Screen Rant, RogerEbert.com

Réalisé par Bryan Barber, Outkast ’; s “; Hey Ya ”; canalise la folie de la culture pop de l'invasion britannique des années 60 tout en soulignant une esthétique moderne à faire soi-même. Dans l'ensemble, Andre 3000 dirige la production avec son charisme et son attrait star en tant que chanteur principal “; Ice Cold 3000, ”; stabilisant ainsi la prémisse du script inversé: un américain invasion de Grande Bretagne. Mais l'éclat du vidéoclip émerge à travers les transitions de cadrage et de montage des personnages, ainsi que les personnages des sept autres membres du groupe, tous représentés par Andre 3000.

Les Love Haters me font toujours peur après toutes ces années. Avant que les chanteurs de back-up reçoivent leur premier gros plan, Barber prépare le terrain avec un plan large qui montre chaque membre de The Love Below. Pour le premier “; Hey Ya ”; lyrique, la caméra fait un panoramique de gauche à droite, avec les Love Haters faisant tournoyer leurs doigts avec enthousiasme tout en ceinturant le refrain. À partir de ce moment, au moins l'un des Love Haters garde toujours un œil sur les autres, et toujours avec un sourire OMG; l'une des nombreuses touches humoristiques subtiles, rappelant Harry et Lloyd de “; Dumb and Dumber. ”; On le fait vraiment, mec !!!

Dans “; Hey Ya, ”; le mouvement performatif constant établit un effet hypnotique, et le montage / stimulation met en évidence de petits traits de personnalité pour chaque partenaire. Les clichés de foule sont peut-être l'aspect le plus faible de “; Hey Ya, ”; mais les visuels collectifs complètent le surréalisme inhérent. Et la dernière minute “; Shake It Like a Polaroid Picture ”; la séquence est tout simplement transcendante, avec The Love Haters volant à nouveau le spectacle. “; Hey Ya ”; est la poésie en mouvement; un concept qui émerge d'un rêve lucide à 3 heures du matin, ou d'une session de brainstorming en profondeur. Le vert est un fort motif visuel.

«Dimanche paresseux» (The Lonely Island)



Courtney Howard (@Lulamaybelle) Freelance pour Variety, SheKnows, FreshFiction.tv

The Lonely Island ’; s “; Lazy Sunday ”; a changé le visage des deux Saturday Night Live, qui, fin 2005, avaient désespérément besoin d'un renouveau, avec YouTube, qui était à ses débuts. La chanson mettait en vedette les acteurs Andy Samberg et Chris Parnell faisant un rap de style hardcore sur un après-midi de week-end très sain, mangeant des cupcakes Magnolia Bakery, dépensant des billets de 10 $ et attrapant une matinée de “; The Chronicles of Narnia. ”; Frais, féroce et drôle, il a immédiatement mérité l'attention nationale. Le vidéoclip historique, tourné et assemblé rapidement, était le début de l'émission `` Digital Shorts '' ”; série et était une sensation du jour au lendemain. Non seulement cela a changé la façon dont nous consommons le contenu, mais cela a également changé la façon dont SNL l'a créé et empaqueté, élargissant la portée de l'accessibilité de l'émission.

'L'Odyssée' (Florence + la machine)



Carlos Aguilar (@Carlos_Film), The Wrap, MovieMaker, Remix

Alliant musique, cinéma et danse dans un ensemble incroyablement ambitieux, Florence + The Machine ’; s long-form music video “; The Odyssey ”; est autant un long métrage (48 minutes) racontant une histoire de chagrin, qu'une représentation visuelle de neuf chansons de l'album “; How Big, How Blue, How Beautiful ”; rejoint par des scènes connectées qui étoffent une expérience presque transcendantale.

Réalisé par Vincent Haycock à travers le Royaume-Uni, les États-Unis et le Mexique, le projet voit Florence Welch donner une performance passionnée et émotionnellement brute intégrant chaque séquence intensément chorégraphiée (gracieuseté de Ryan Heffington et Holly Blakey) avec une force explosive. Manipulant la lumière naturelle éblouissante de la campagne écossaise et de Merida, Yucatan, ainsi que l'éclat urbain de Los Angeles et de Londres, Steve Annis ’; la cinématographie ajoute une qualité onirique à un morceau déjà inspiré par “; Inferno de Dante Alighieri. ”;

Il y a quelque chose d'éthéré et de quasi divin dans les chapitres comme “; St. Jude ”; et “; Reine de la paix, ”; qui contraste avec le pouvoir ravissant de “; Quel genre d'homme ”; et “; Ship to Wreck, ”; les singles principaux de l'album. En tant qu’œuvre unifiée, “; The Odyssey ”; agit comme une montagne russe musicale qui voyage à travers la douleur, le désir et le chagrin, pour atterrir dans le rachat curatif de son dernier segment, “; Third Eye, ”; une piste qui sert de lettre personnelle à travers laquelle Welch se dit qu'à la fin du voyage perfide, elle sera toujours en vie, une belle imparfaite, chair et sang ”; étant.

«Emmène-moi à l'église» (Hozier)



Anne McCarthy (@annemitchmcc), Teen Vogue, Ms. Magazine, Bonjour Paris

La confluence efficace est un exploit impressionnant, et c'est ce qui s'est produit lors de la fusion de la performance du danseur de ballet Sergei Polunin avec le puissant et émouvant 'Take Me to Church' du chanteur irlandais Hozier dans le clip de la chanson. Polunin, un phénomène de ballet d'origine ukrainienne qui a fait sa marque au Royal Ballet de Londres, danse dans le clip avec la technique élégante et précise typique d'un danseur formé en Europe de l'Est. Torse nu et vêtu uniquement de collants de danse nus avec des chaussons de ballet et ses tatouages ​​de marque, il vole dans les airs avec allégro 'choreo' du chorégraphe Jade Hale-Christofi en synchronisation avec les paroles de Hozier, en phase avec les crescendos de la chanson.

La précision et la passion de ses pirouettes et virages fouettés sont légendaires. Réalisé par David LaChapelle, le mariage du vidéoclip de 2015 d'une chanson très appréciée et d'une danseuse de ballet de renommée mondiale a non seulement attiré plus d'attention pour Hozier, mais ce faisant, il a éveillé les téléspectateurs de la vidéo à la pertinence et à la puissance du ballet. Cette forme d'art vieille de plusieurs siècles est parfois considérée comme lourde, rigide et datée - alors qu'en réalité, elle est tout sauf; “; Emmenez-moi à l'église ”; est un rappel bienvenu de sa pertinence.

«This is America» (Childish Gambino)



Ken Bakely (@ kbake_99), Freelance pour Film Pulse

Il y a beaucoup de clips qui sont assez célèbres pour se tenir aux côtés de leurs chansons en termes de notabilité, mais moins qui semblent faire partie de l'identité de la chanson d'une manière plus fondamentale - c'est-à-dire que vous ne pouvez pas penser à la chanson sans la vidéo et la vidéo ressemble à une extension inhérente de la musique. Cependant, je dirais qu'un exemple récent de cet accomplissement est la vidéo pour 'This Is America' ​​de Childish Gambino, un court-métrage indélébile qui souligne et met l'accent sur les puissants messages de la chanson sur le racisme et la violence aux États-Unis, depuis le début de l'histoire de la nation à nos jours.

À cette fin, de nombreux longs articles ont été écrits sur la vidéo, analysant les nombreuses références culturelles et sociopolitiques qui accèdent simultanément aux événements contemporains et remontent à des siècles. L'effet est un travail tentaculaire en seulement quatre minutes; bien qu'il ait tant de composants individuels et d'éléments qui ont été largement discutés, il se déplace comme une expérience fluide prise ensemble, démontrant son grand talent artistique.

«Arme de choix» (Fatboy Slim)



Joel Mayward (@joelmayward) Cinemayward.com

Je vais avec Fatboy Slim, 'Weapon of Choice', réalisé par Spike Jonze. Absolument transcendant. Bien qu'il aurait pu utiliser plus de cloche de vache.

Mark Hamill à Knightfall

Clint Worthington (@clintworthing), Conséquence du son, La bobine

Il y a beaucoup de bons candidats ici, mais dans mon cœur, je dois abandonner la vidéo brillante et effrontée de Spike Jonze pour 'Weapon of Choice' de Fatboy Slim - un mème avant les mèmes étaient des mèmes. C'est l'un des O.G. des vidéos virales, une combinaison magnifiquement bizarre d'un vieil acteur de personnage faisant des choses loufoques avec un visage entièrement droit - c'était un fourrage parfait pour les recherches Google Web 1.0. Quant à la vidéo elle-même, c'est une joie onirique, l'homme d'affaires stoïque de Walken soudainement activé par les battements de records de la piste de Slim pour éclater soudainement en une odyssée de chaussures douces dans un hôtel abandonné. C'est un rappel éblouissant que Walken a commencé sa vie en tant que danseur et acteur de théâtre musical avant de passer à des gangsters graveleux et à des vétérans du Vietnam hantés; même à la fin de la cinquantaine, Walken change de pied avec une grâce énergique. C'est comme si la chanson elle-même le transportait vers la jeunesse.

Quant à la chanson elle-même, elle est raisonnablement accrocheuse, un artefact blippy des débuts quand le genre big beat était dans ses dernières années de vie. (Je m'aime une référence Dune, cependant, alors 'marchez sans rythme / et vous n'attirerez pas le ver' chatouille encore aujourd'hui.) Mais c'est un cas dans lequel le clip éclipse la chanson elle-même et prend une vie de son propre, et pour cela, il doit être célébré.

«Toi, moi et toi» (The Dig)

Richard Brody (@tnyfrontrow), Le New Yorker



Busby Berkeley, le réalisateur primordial de la vidéo musicale, a découvert la différence entre simplement représenter des performances et les transformer. Le vidéoclip, que ce soit en tant que publicité pour un disque ou en tant que partie d'un film, est un sous-ensemble crucial de l'histoire du cinéma, et le tournage de la musique est une pierre de touche du talent de réalisateur. Le meilleur que j'ai vu au cours de ce siècle est celui d'un des meilleurs cinéastes actuels, Terence Nance, pour la chanson «You and I and You» de The Dig. Avec la chorégraphie, les costumes, les points de vue changeants, l'histoire métaphorique, le mélange d'acteurs et d'effets, la fusion du mélodrame familial avec la fantaisie mythopoétique et la question fondamentale de la position de la caméra qui crée des textures et des vecteurs complexes à partir d'actions simples, elle condense et intensifie le pouvoir d'imagination de Nance en ce qui n'est pas seulement un grand vidéoclip mais l'un des grands courts métrages du siècle.

Q: Quel est le meilleur film actuellement en salles?

A: «Toy Story 4» et «Le dernier homme noir de San Francisco» (cravate)



Top Articles

Catégorie

La Revue

Traits

Nouvelles

Télévision

Boîte À Outils

Film

Festivals

Commentaires

Prix

Box-Office

Entrevues

Clickables

Listes

Jeux Vidéos

Podcast

Contenu De La Marque

Pleins Feux Sur La Saison Des Récompenses

Camion De Film

Influenceurs