Les 11 plus beaux films d'animation jamais réalisés - IndieWire Critics Survey

'Le conte de la princesse Kaguya'



Chaque semaine, IndieWire pose deux questions à une poignée de critiques de films et publie les résultats lundi. (La réponse à la seconde, “; Quel est le meilleur film en salles actuellement? ” ;, se trouve à la fin de ce post.)

Vendredi dernier a vu la sortie de 'Missing Link' de Laika, une pièce d'animation en stop motion singulièrement et superbement conçue à un moment où les tarifs génériques générés par ordinateur dominent le marché (la critique positive d'IndieWire peut être lue ici). Naturellement, il a bombardé.



Question de cette semaine: pour attirer l’attention sur les films qui traitent l’animation de long métrage comme la forme artistique qu’elle est, quel est le plus beau film d’animation jamais réalisé?



'5 centimètres par seconde'



Hoai-Tran (@htranbui), SlashFilm

Makoto Shinkai est peut-être mieux connu comme le réalisateur du méga-hit mondial 2017 `` Votre nom '', mais il s'est longtemps imposé comme un cinéaste d'anime singulier dont les intrigues métaphysiques pensives ne sont battues que par ses magnifiques rendus photoréalistes de Tokyo d'aujourd'hui. Alors que son court métrage de 2013 «Le jardin des mots» est objectivement l'une des plus belles pièces d'animation jamais consacrées au celluloïd, son film de 2007 «5 centimètres par seconde» est l'incarnation parfaite de la capacité de Shinkai à apporter une nouvelle vie au monde. réglages.

L'un de ses rares films à ne contenir aucun élément de science-fiction ou de fantaisie, '5 centimètres par seconde' se compose de trois vignettes suivant l'histoire d'amour de deux amis d'enfance, racontée de façon lente et onirique. L'histoire clairsemée ne fait qu'ajouter à cette qualité surréaliste obtenue par l'animation photoréaliste de Shinkai - qui est si étrangement proche de la vie réelle que les prises de vue à la fois ressemblent à des photographies. Mais Shinkai, déterminé à «présenter le monde réel sous un angle différent», parvient à transformer des paramètres insignifiants en œuvres d'art à travers les couleurs luxuriantes et vibrantes qui parviennent à apparaître même sur le plus petit écran d'ordinateur. C'est de la pure poésie visuelle.

'Garçon et le monde'



Carlos Aguilar (@Carlos_Film), Los Angeles Times, The Wrap, MovieMaker Magazine

Il existe une synergie entre l'artisanat sublime et les thèmes socialement conscients observés dans Alê Abreu & Boy & the World ”; - l'étourdissement kaléidoscopique brésilien à moteur musical qui est devenu le premier long métrage d'animation nominé aux Oscars en Amérique latine. Du point de vue d'un enfant rural à la recherche de son père dans la grande ville, le film aborde les préoccupations environnementales, la montée des gouvernements autoritaires et les inégalités économiques à travers des personnages grossièrement esquissés et des arrière-plans idiosyncratiquement graphiques et dessinés à la main.

Des crayons de couleur, des crayons de couleur, des découpes, des peintures à l'huile et même des séquences d'action en direct (utilisées brièvement, mais intensément) constituent le monde impressionnant, fantaisiste et parfois sinistre que le garçon habite. La maîtrise d'Abreu de la narration purement visuelle lui permet de triompher d'un ordre narratif aussi élevé sans un seul mot de dialogue (les quelques lignes et paroles des chansons sont délibérément inintelligibles). Ce qui s'exprime à travers ses dessins et collages colorés donne des impressions sur l'humanité à la fois inspirante, méditative, mélancolique et prudemment pleine d'espoir.

Sa révélation culminante touche des notes émotionnelles que la plupart des drames en direct ne peuvent atteindre, quel que soit le nombre de longs discours qu'ils affichent. Produite indépendamment avec un budget minuscule, ses déclarations tacites sur les dangers de l'automatisation de l'ingéniosité humaine se reflètent dans sa fabrication avec un effet puissant, ainsi “; Boy and the World ”; est bien plus qu'une beauté saisissante mais peut-être le film d'animation le plus pertinent de la décennie.

'Coraline'



Anne McCarthy (@annemitchmcc), Teen Vogue, Ms. Magazine, Bonjour Paris

La «Coraline» de Laika est toujours restée avec moi. Je suis cependant partiale. Je suis un fangirl majeur quand il s'agit de quelque chose de l'esprit de Neil Gaiman. Malgré mon parti pris, j'ai été vraiment époustouflé par l'animation dans la version film de l'histoire; il est basé sur un livre du même nom de Gaiman. 'Coraline' a tellement résonné en moi parce que, en grande partie, c'est la palette de couleurs (de toutes choses!). Les audacieux –– et, aussi, subtils –– bleus, verts, noirs et violets, donnent tous le ton au film, qui traite des thèmes de l'obscurité et de la lumière. Coraline, le protagoniste du film éponyme, dit, dans une ligne notable et citable: 'Quand vous avez peur mais que vous le faites quand même, c'est courageux. ”; Le script m'est resté aussi fort que l'animation, qui étaient toutes les deux admirablement formidables et mémorables - la façon dont une bonne narration devrait être.

Avis sur red joan

“Planète fantastique”



Clint Worthington (@clintworthing), Conséquence du son, la bobine

héros de zhang yimou

Malgré la mort relative de l'animation dessinée à la main, nous vivons dans un embarras de richesse en ce qui concerne les films d'animation - PIxar et Dreamworks ont livré quelques classiques de pierre froide dans le domaine de l'animation CG, les expériences de stop-motion de Wes Anderson sont de belles expressions de sa minutie de marque, et l'animation japonaise est sa propre bête unique. Alors que les préjugés de récence me tentent de jaillir de 'Spider-Man: Into the Spider-Verse', qui, je pense, ne ressemble à rien de ce que nous avons jamais vu auparavant, le nerd de l'art et de l'art en moi doit prêter attention à la sci animée de René Laloux de 1973 -fable 'Planète fantastique'. Un conte allégorique d'une planète extraterrestre habitée par de grands extraterrestres bleus qui traitent la population humaine minuscule de la planète comme des animaux - des animaux de compagnie à garder ou des rongeurs à éradiquer. Ce qui suit est une allégorie intrigante présentée sur la cruauté envers les animaux, les préjugés et l'assujettissement, racontée avec tout le sérieux d'une nouvelle de science-fiction dure.

Le monde est un mélange psychédélique de paysages de science-fiction bizarres et trippants et de dessins de créatures, animés par la réorganisation des découpes en papier pour réaliser l'illusion du mouvement; ce n'est pas exactement lisse, mais cela ne fait qu'ajouter au surréalisme de son monde étonnamment inconnu. Aux côtés de la partition trippée de jazz d'Alain Gorger et des styles visuels étrangement dali de la planète, l'aventure produite par les Tchèques est sombre, surréaliste et profondément étrange, contrairement à tout ce qui sort de la machine Disney / Pixar avant ou depuis.

'C'est une belle journée'



Ethan Warren (@EthanRAWarren), Mur clair / chambre sombre

Pour regarder une capture d'écran, l'opus de Don Hertzfeldt “; C'est une si belle journée, ”; avec ses figures de bâton rudimentaires et ses décors vacants, semble un choix peu probable pour le titre de “; le plus beau film d'animation. ”; Cette apparence grossière, cependant, dément l'inventivité formelle agitée qu'Hertzfeldt apporte à chaque projet, un ensemble de travaux tragicomiques qui lui permet désormais de pousser l'enveloppe de son expérimentation multimédia mixte à des hauteurs à couper le souffle. Même si vous êtes irrité à l'idée que ce film soit magnifiquement conçu, cependant (auquel cas vous et moi avons probablement des désaccords philosophiques plus profonds de toute façon), c'est absolument l'un des plus magnifique des films que j'ai jamais vus.

En racontant l'histoire de Bill - un chiffre de tout homme avec une histoire personnelle et familiale néanmoins étrangement bizarre - succombant lentement à une maladie dégénérative sans nom, Hertzfeldt se concentre simultanément sur les minuscules absurdités de la vie quotidienne et sur le sentiment de crainte cosmique qui accompagne la confrontation la brièveté chaotique de notre temps sur cette planète. Plutôt que de se complaire dans le misérabilisme, Hertzfeldt aborde ces idées sombres avec un éclat constant et ironique, trouvant les opportunités pour les idiots et les sublimes où tant de conteurs s'efforcent d'être sérieusement importés. Avec une intrigue qui s'ouvre sur une rencontre de trottoir intimement liée et se termine par transcender le temps et l'espace, Hertzfeldt utilise ses figures de bâton pour donner au spectateur un nouveau sentiment d'émerveillement à la profondeur de la grâce dans ces cinq mots quotidiens: c'est une si belle journée. Après avoir regardé ce film, vous ne les prendrez plus jamais pour acquis.

«Aimer Vincent»



Robert Daniels (@ 812filmreviews), 812filmreviews, Freelance

“; Aimer Vincent, ”; le biopic animé de Vincent van Gogh qui s'est efforcé de retracer les derniers jours de sa vie, m'a absolument paralysé en 2017. D'une part, la création du film des réalisateurs Dorota Kobiela et Hugh Welchman a nécessité de la patience et du temps, alors que leur processus progressait du live. -action cast filmer devant un écran vert à la rotoscopie de séquences individuelles sur une toile. Deuxièmement, plutôt que d'employer des animateurs, les cinéastes ont cherché des peintres pour peindre à la main chaque image à l'huile. Leur entreprise a nécessité quatre ans de production et a abouti à près de 65 000 cadres peints.

Le résultat est tout simplement époustouflant. Avec de nombreux cadres basés sur les peintures de van Gogh, nous avons légué la vision de cet artiste tragique. Nous le comprenons par rapport à ses œuvres et développons une compréhension du fait d'autrui de la façon dont il voyait le monde, en tant qu'animateurs ’; les coups de pinceau transposés créent une texture et un éclat jamais vus dans l'animation auparavant. Le mélange de l'art pictural avec des techniques cinématographiques, même dans un film avec un scénario certes imparfait, est toujours un banquet pour les yeux et quelque chose que nous ne reverrons probablement jamais.

'La belle au bois dormant'



Don Shanahan (@casablancadon), Chaque film a une leçon et Medium.com

À mes yeux, la profondeur d'image est un séparateur d'effort et de qualité dans une grande animation. Les pièces en mouvement à l'avant éblouissent souvent et souvent, mais il est parfois rare de voir un film qui donne envie de faire une pause et de scruter l'action pour remarquer les décors et les réglages. Aucun film de l’âge d’or des contes de fées de Walt Disney n’a fait cela mieux que 1959, la Belle au bois dormant. ”; Peint par l'artiste Eyvind Earle pour imiter les tapisseries médiévales, les détails stupéfiants de ses fonds enveloppent «Sleeping Beauty» avec une stature ornée. Ses mattes portent la texture et la symétrie verticale des formes minces qui sont les plus distinctives de tous les classiques de Disney. La profondeur audacieuse d'Earle se marie parfaitement avec les couleurs tourbillonnantes de la magie sur le dessus et la somptueuse comédie musicale ballétique Tchaïkovski fleurit derrière elle. Ici à Chicago, le festival annuel du film 70 mm du Music Box Theatre a récemment dévoilé ce chef-d'œuvre dans toute sa splendeur sur grand écran. Quel régal!

'Spider-Man: dans le Spider-Verse'



Joey Keogh (@JoeyLDG). Rédacteur collaborateur de Wicked Horror, pigiste pour Birth.Movies.Death, Vague Visages, The List

Nous sommes dans un âge d'or de l'animation en ce moment, ce qui est vraiment agréable à voir, car ce genre de films demande beaucoup plus de travail que la plupart des autres projets mis en place - considérez la géniale chanson de générique de fin pour 'The Lego Movie 2', qui a habilement donné des accessoires à divers animateurs et gars et filles FX de niveau inférieur tout en montrant simultanément combien de personnes étaient impliquées dans la réalisation de la chose. De ces entreprises à succès au Studio Ghibli et aux nombreuses maisons d'animation qui ont surgi à sa place, sans parler du quatrième volet très attendu de cette année de la série 'Toy Story', il y a des choses à saliver dans tous les différents types de films d'animation .

Pour moi, 'Spider-Man: Into the Spider-Verse' était la réalisation technique la plus impressionnante de mémoire récente, méritant totalement sa gloire aux Oscars. La combinaison entre les visuels de la bande dessinée, le réalisme étrange et le street art crée une palette incroyablement étrange. Le flou 3D ne fait qu'ajouter à l'expérience, et il se passe tellement de choses en arrière-plan pour chaque plan méticuleusement créé que le film supplie être regardé encore et encore, disséqué image par image, pour attraper chaque petite chose. Cela ne ressemble à rien de ce que j'ai vu auparavant et cela a captivé mon imagination d'une manière que je n'ai pas ressentie depuis très longtemps.

Mike McGranaghan (@AisleSeat), The Aisle Seat, Screen Rant

Par coïncidence, je viens de montrer à ma famille 'Spider-Man: Into the Spider-Verse' ce soir, et j'ai de nouveau été frappé par la beauté de ce film. Il ne ressemble à aucune autre fonctionnalité animée. Chaque cliché regorge de détails. J'adore tout le style visuel, qui est coloré et audacieux. Tout plan individuel peut être encadré et accroché à votre mur comme une œuvre d'art. C'est un vieux cliché de dire qu'un film de super-héros 'ressemble à une bande dessinée qui prend vie', mais dans ce cas, c'est totalement vrai. Et le fait que le style complète si bien l'histoire est la cerise sur le gâteau. C'est l'un de ces films où vous pouvez le regarder cinquante fois et toujours remarquer des choses que vous n'aviez jamais vues auparavant.

'Enlevée comme par enchantement'



Ken Bakely (@ kbake_99), Freelance pour Film Pulse

Bien que Hayao Miyazaki ait réalisé de nombreux films qui pourraient facilement être désignés comme les plus joliment animés, «Spirited Away» représente une encapsulation particulièrement parfaite et concise des mérites qui ont rendu ses films si durables. Chaque lieu, personnage et événement de cette aventure fantastique est à couper le souffle avec une grande portée et des détails intimes, restant indélébile dans l'esprit des téléspectateurs, peu importe depuis combien de temps ils l'ont vu pour la dernière fois. Dans ce monde vaste se trouvent les réflexions thématiques plus profondes qui ajoutent à la splendeur du film, avec des archétypes et des éléments fantastiques classiques se combinant avec le commentaire sociopolitique contemporain présent dans toute la filmographie de Miyazaki. Tout est réuni pour augmenter un film visuellement magnifique avec une narration riche à assortir. C’est vraiment une œuvre de beauté dans tous les sens du terme.

'Le conte de la princesse Kaguya'



Luke Hicks (@lou_kicks), Film School Rejects / One Perfect Shot, Birth.Movies.Death.

L'expression «la plus belle animation» rend cela difficile. Je nomme généralement «Le monde de demain» de Don Hertzfeldt comme mon film d’animation préféré, et si les gens s’inquiètent qu’il s’agisse d’un court métrage, je me tourne vers «C'est une si belle journée» de Hertzfeldt.

Et même si je pense que son style d'animation est séduisant, innovant et beau au sens singulier, si la beauté est le seul aspect de l'animation que nous envisageons, je dois aller avec 'The Tale of Princess Kaguya' (2013), Isao Le chef-d'œuvre de 117 minutes de Takahata («Tombe des lucioles», «Seulement hier») et le film le plus cher jamais produit au Japon. 'Kaguya' est l'un des rares films non Miyazaki produits par Studio Ghibli. Il s'agit du magnum opus de Takahata qui raconte le plus ancien conte populaire anonyme du Japon 'The Tale of the Bamboo Cutter'. Le département d'animation du film comptait plus de 170 personnes et il leur a encore fallu plus de huit ans pour terminer le dessin et la peinture du film. Kazuo Oga («Mon voisin Totoro», «Princesse Mononoke») a été directeur artistique et a personnellement dirigé la peinture des arrière-plans aquarelles visuellement saisissants du film, qui accentuent et affinent les dessins au crayon de couleur au premier plan. Dans un exploit remarquable, les premiers plans gravés correspondent aux émotions du film, devenant plus lisses et plus propres dans les moments de clarté et développant une esthétique barbelée et floue au milieu de l'agitation. C'est une merveille absolue du début à la fin. Takahata est décédé en avril 2018, faisant de «Kaguya» son dernier film.

Puis Kois, @dankois, Slate

Je pense que 'Le conte de la princesse Kaguya' d'Isao Takahata est l'un des plus beaux films jamais réalisés. Chaque scène est comme une magnifique peinture, mais à chaque instant le film est en mouvement, explorant et élargissant l'idée de ce que peut être une image filmée. Rien n'y ressemble.

'Votre nom'



Katey Stoetzel (@kateypretzel) Les jeunes gens

Je ne suis pas très bon pour exprimer pourquoi quelque chose semble bon quand il s'agit d'animation, donc ce sera une réponse courte. Mais je dois m'assurer que «votre nom» reçoit de l'amour ici. L'animation est intrinsèquement 2D, mais dans «Votre nom», du réalisateur Makoto Shinkai, tout semble si vaste et mondain. L'animation est nette et chaque scène est nette et étonnante, je sais à peine comment en parler, sauf que l'ajout d'un remake américain en direct est définitivement une mauvaise idée.

Aaron White (@FeelinFilm), Feelin ’Film Podcast, FeelinFilm.com (Minisode 33:« Votre nom »)

Il est normal que cette question soit posée la même semaine où nous avons eu droit à la première bande-annonce du nouveau film de Makoto Shinkai «Weathering with You». L'animation de Shinkai est aussi étonnamment colorée et claire que toutes celles que j'ai jamais vues, et je pourrais honnêtement recommander presque l'un de ses films à cet endroit. Dans «The Garden of Words», il anime la pluie de façon plus réaliste et plus belle que je ne le pensais possible. Sa météo animée est tellement incroyable que vous pouvez pratiquement sentir la pluie tomber sur votre téléviseur ou votre écran de théâtre pendant que vous regardez.

star wars rebels news

Mais son meilleur travail, et mon choix personnel pour la plus belle animation, se trouve dans son magnifique chef-d'œuvre 'Votre nom' ('Kimi No Na Wa'). En regardant le film, il est presque impossible de croire que ses paysages visuellement époustouflants sont dessinés à la main. De l'expressivité du visage à l'éclairage et aux ombres, aux larges vues japonaises ou aux rues animées de Tokyo, en passant par les clichés à couper le souffle d'une comète colorée traversant le ciel étoilé, «Votre nom» est le chef-d'œuvre de Shinkai et présente le mélange le plus parfait d'animation magnifiquement détaillée. dans n'importe quel film jamais réalisé. Tack sur la capacité de Shinkai à inspirer, exciter, surprendre et émouvoir le public à travers ses seuls visuels et il n'y a pas de meilleur exemple de ce que l'animation peut être à son meilleur.

Q: Quel est le meilleur film actuellement en salles?

A: «High Life»



Top Articles

Catégorie

La Revue

Traits

Nouvelles

Télévision

Boîte À Outils

Film

Festivals

Commentaires

Prix

Box-Office

Entrevues

Clickables

Listes

Jeux Vidéos

Podcast

Contenu De La Marque

Pleins Feux Sur La Saison Des Récompenses

Camion De Film

Influenceurs