15 grands films sur l'échec des relations

Après avoir fait le tour de la VoD pendant quelques semaines, où beaucoup d'entre vous l'ont vu, Sarah Polley«S»Prends cette valse'Commence à sortir dans les salles à partir de demain, et nous ne pouvons que le recommander assez; c'est un film désordonné, parfois frustrant, mais un film profondément ressenti, magnifiquement réalisé et merveilleusement joué, et nous l'avons nommé la semaine dernière comme l'un des meilleurs de l'année jusqu'à présent. Il n'est cependant pas recommandé en tant que film de rendez-vous, s'inscrivant dans une longue tradition cinématographique d'examens douloureux des relations rompues, en décomposition, s'effondrant ou mortes.



Après tout, c'est l'une des expériences humaines les plus universelles; à moins que vous n'ayez beaucoup de chance, tous ceux qui tombent amoureux auront à un moment donné l'expérience déchirante de tomber hors de lui, ou d'être tombé amoureux de. Et une fois réalisé au mieux dans un film, il peut être meurtrier et borderline tortueux pour un cinéaste et un public, mais aussi cathartique et curatif. Pour marquer l'ouverture de «Take This Waltz» (et encore une fois, nous ne saurions trop insister sur le fait que vous devriez aller le voir), nous avons rassemblé une sélection de nos films préférés tournant autour de la fin des amours, des relations et les mariages. Bien sûr, c'est une sélection subjective et quelque peu aléatoire, et certainement pas définitive, donc si nous avons manqué votre favori, vous pouvez parler de votre article dans la section des commentaires ci-dessous.

«5 × 2» (2003)
Le concept de raconter une histoire à l'envers n'est pas, à ce stade, audacieusement original; Harold Pinter l'avait fait avec 'Trahison”Il y a des décennies, et François Ozon«S»5 × 2», Qui, comme la pièce Pinter, montre la dissolution d'une relation au fil des ans, commençant à la fin et reprenant à la première rencontre, suivie dans la foulée des deux Christopher Nolan«S»Mémento' et Gaspar Noe«S»Irréversible. »Mais la pièce d'Ozon se définit non seulement par son formalisme serré - comme le titre pourrait le suggérer, 5 scènes autonomes de longueur à peu près égale - mais par ce qu'elle ne montre pas, ce qui est absent dans les intervalles de mois et d'années que nous ne vois pas. À commencer par l'audience de divorce de Gilles (Stéphane Freiss) et Marion (Valeria Bruni-Tedeschi), après quoi ils se rendent à l'hôtel pour une dernière baise, nous retraçons un dîner qui montre leur relation dans ses fractures finales, la naissance de leur enfant, leur nuit de noces et leur première rencontre, chacune esquissée avec le fine capacité du réalisateur à dire beaucoup avec un peu, et à ne jamais se sentir gimmicky dans sa structure. C'est un film sombre, pour être certain - comme avec Noe, le «bonheur» de la fin / du début est miné par ce que nous avons vu venir avant / après. Mais il y a aussi une spécificité et une compassion pour la relation en question; aucun partenaire n’est plus en faute que l’autre, et il s’agit davantage de deux personnes qui n’étaient tout simplement pas censées être ensemble. C’est l’un des films les plus incisifs et les plus puissants sur le mariage de mémoire récente, et mérite pleinement de s’asseoir aux côtés de Bergman, Fassbinder, Nichols et al.



“; Une femme célibataire ”; (1978)
Moins la description d'une relation en ruine, comme la plupart des films de cette pièce, qu'un portrait de ce qui se passe après. Quelque chose de révolutionnaire pour Paul Mazursky, l'un des talents les plus sous-estimés du cinéma américain (l'homme derrière «Bob et Carol et Ted et Alice, ''Down and Out à Beverly Hills' et 'Ennemis: une histoire d'amour», Entre autres). C’est une configuration assez simple; la New-Yorkaise aisée Erica (Jill Clayburgh) pense qu'elle a à peu près la vie parfaite, qui implose rapidement lorsque son mari (Michael Murphy) lui dit qu'il est amoureux d'une autre femme. Elle divorce, entre en thérapie, commence à plonger ses orteils dans la scène des rencontres et finit par tomber amoureuse d'un artiste britannique (Alan Bates). À ce stade, certains aspects du film semblent un peu datés, notamment Bill Conti »s score - mais Mazursky traite tout avec une touche légère sans jamais sacrifier l'intégrité du personnage, et crée quelque chose proche d'un équivalent contemporain aux «images de femmes» des années 40. Mazursky a toujours bien écrit pour les femmes - comme le montrent clairement les scènes avec Erica et ses amis, qui sont directes et drôles, un précurseur clair de quelque chose comme «Sex & The City'- mais Erica pourrait être sa plus belle création, un personnage complexe et en constante évolution, et Clayburgh (qui est malheureusement décédé en 2010, après avoir réalisé un merveilleux caméo dans'Demoiselles d'honneur«), Dans sa meilleure performance en carrière, fait de chaque centimètre de sa transformation non seulement une femme« non mariée », mais une femme indépendante, crédible et convaincante; on ne peut s’empêcher de sentir qu’elle a été un peu trompée Jane Fonda la battre à l'Oscar pour 'Rentrer à la maison»(Le film et le scénario ont également été nominés). Cela dit quelque chose sur le manque de progression à Hollywood qu'une partie comme celle-ci ressemble toujours à une rareté.



une nation sous le chien

«Blue Valentine» (2010)
Dans l'une des décisions les plus grattant la tête rendues par la MPAA, Derek CianfranceLe regard brutal sur une relation en voie de dissolution a été frappé par la note redoutée NC-17 pour une scène impliquant un cunnilingus (un non-non de longue date pour l'organisation, voir “;Les garçons ne pleurent pas”;). Avec la cote R rétablie, l'image était libre d'ouvrir dans les cinémas - une première qui tardait à venir, et a considérablement renforcé la réputation de Michelle Williams et Ryan Gosling. Alors que le premier a reçu une nomination aux Oscars, le second a été inexplicablement exclu, mais ne vous inquiétez pas, “;Blue Valentine”; n'est guère une image récompensée, optant plutôt pour un enregistrement émotionnellement mouvementé, complexe et naturaliste des époux se battant pour raviver une passion qui leur a tragiquement échappé. Coupant entre le passé juvénile de promesses et de possibilités et un présent écrasant où même l'air hésite à s'immiscer dans certaines conversations, Cianfrance met à nu toutes les choses que les gens choisissent de ne pas parler jusqu'à ce que vous le priez de s'arrêter. Williams et Gosling sont inoubliables et “; Blue Valentine ”; une histoire simple racontée magistralement.

“; Connaissance charnelle ”; (1971)
Curieusement, 'Connaissance charnelle'A été commercialisé comme une comédie à sa sortie, mais pour cet écrivain, il s'agit davantage d'un drame incisif de luttes modernes avec le sexe, les relations et la maturité d'un cynique romantique et réalisateur résident Mike Nichols. Le film suit quelques colocataires d'université, Jonathan et Sandy (Jack Nicholson et Art Garfunkel), qui, ensemble, sont obsédés par leurs diverses mésaventures sexuelles et d'éventuelles conquêtes. Sandy poursuit la Susan apparemment pure (Candice Bergman) - qui Jonathan date et couche secrètement et simultanément (d'abord pas moins). Après le collège, ils se séparent, mais tandis que Sandy épouse Susan, Jonathan poursuit tout en jupe, couchant une douzaine de filles étranges par an - mais est toujours incapable de trouver son idéal physique (éclater les petits violons) jusqu'à ce qu'il rencontre Bobbie (Ann-Margaret) qui est tout T-et-A tout le temps. Leur passion se transforme en éruptions dramatiques (il crie, elle pleure) qui se terminent par une surdose et un divorce. En vieillissant, Sandy et Jonathan deviennent de plus en plus désenchantés par le sexe opposé - mais alors que Jonathan est en colère, Sandy tombe simplement dans la complaisance et la nonchalance. Bien que les discussions franches du film et les représentations du sexe (un préservatif à l'écran, quelle horreur) ne soient plus aussi choquantes maintenant qu'elles l'étaient dans les années 1970, la détestabilité et la misogynie flagrante des personnages sont toujours aussi troublantes. Jack Nicholson est la star hors concours et Nichols, à son crédit, règne dans la méchanceté (un peu) et empêche la performance d'être une caricature. «Carnal Knowledge» reste une représentation intemporelle et émotionnellement résonnante du côté le plus laid de la psyché sexuelle masculine.

perdu dans la fin de la traduction

«Chat sur un toit en tôle chaude» (1958)
Il pourrait être un peu dérouté par les demandes de censure dans son adaptation à l'écran (star Paul Newman et écrivain Tennessee Williams critiqué les changements apportés à la version cinématographique), maisChat sur un toit en étain chaud»Se présente toujours comme l'une des plus belles représentations d'une relation malheureuse d'un écrivain spécialisé dans de telles choses. Dans une paire de performances électrisantes, Paul Newman et Elizabeth Taylor jouer Brick Pollitt et sa femme, Maggie 'the Cat'. Il est une ancienne star de la piste alcoolique qui passe son temps à se plonger dans la stupeur, elle est frustrée et taquine. Visiter la maison de Brick au Mississippi pour son père, Big Daddy (Burl Ives), il ressort que Papa Pollitt est en train de mourir et que Brick s'est retiré dans sa stupeur ivre après le suicide de son meilleur ami, dont il était apparemment amoureux (bien que vous deviez lire un peu plus entre les lignes dans le version film). Il s’est moins bien ouvert que certaines des autres adaptations grand écran de Williams ('Un tramway nommé désir'Étant le filigrane élevé évident), mais helmer jamais sous-estimé Richard Brooks sinon, il fait un excellent travail de modulation du ton et du tempo, et les trois performances centrales (plus Judith Anderson «Big Momma») sont tonitruants, et particulièrement impressionnants étant donné que le mari de Taylor Mike Todd est décédée dans un accident d'avion - sur un vol qu'elle devait également faire - à mi-chemin du tournage.

«Amour fou» (2007)
C’est l’histoire d’amour ultime … Sorte de … Ce documentaire de 2007, réalisé par Et Klores et passionné de robot Fisher Stevens, raconte l'histoire de l'avocat louche de New York Burt Pugach et de son épouse Linda Riss. Les deux hommes ont romancé mais après que Riss a découvert que Pugach avait une femme et un enfant, elle l'a quitté. Il ne l'a pas pris à la légère. Après l'avoir menacée de lésions corporelles (ou de mort) si elle le quittait, Pugach a embauché deux gardiens des enfers pour lui jeter de la lessive sur le visage - l'aveuglant dans un œil et lui marquant définitivement le visage. Pugach a ensuite été condamné à quinze ans de prison. Pendant tout ce temps, il a continuellement écrit à Riss, et à sa libération, les deux hommes sont de nouveau sortis et cette fois se sont mariés. C'est comme l'histoire à deux visages de 'Le Chevalier Noir», Réalisé dans un style comique romantique tordu. Aussi foutue que puisse paraître la romance au cœur de «Crazy Love», elle est aussi étrangement édifiante, de la manière la plus étrange possible. C’est un témoignage du pouvoir durable de l’amour (et du pardon) et des façons dont les relations peuvent se transformer et se révéler. L'ambiance dorée se dissipe quelque peu lorsque vous réalisez que Pugach a ensuite été accusé d'avoir menacé une autre femme avec laquelle il avait une liaison. Pourtant - c'était amusant tant qu'il a duré, et le documentaire, brodé avec une énergie kitsch et entraînante (élaboré et raffiné, des années plus tard, par Errol Morris dans 'Tabloïde'), Vous emporte dans son sentiment singulier d'ivresse.

“;Au revoir”; (1961)
Avec Ingrid Bergman, Crooner français devenu acteur Yves Montandet après 'Psycho' Succès Anthony Perkins, Cinéaste ukrainien Anatole Litvak’; s 'Au revoir»Et son difficile triangle amoureux ont dû être plutôt controversés à l'époque. Centrée sur un couple de 40 personnes relativement heureux, Paula (Bergman), une décoratrice d'intérieur parisienne à succès, et Roger (Montand), un chef d'entreprise passionné, leur relation est encore très peu conventionnelle: les deux sont divorcés et aigris sur le concept du mariage , et pourtant les deux sont très engagés. Eh bien, jusqu'à un certain point. Le rakish Roger s'engage toujours ouvertement dans des aventures «dénuées de sens» avec de jolies choses plus jeunes, mais Paula accepte que ce n'est que «sa façon». Mais la nature de l'amour et leur relation lâche et commode avec Roger commencent à se transformer lorsque le fils d'un parmi les clients fortunés de Paula, un jeune prétendant de 25 ans nommé Philip (Perkins) commence à faire briller Paula, l'appréciant dans une lumière adoratrice qu'elle réalise qu'elle n'a pas ressentie depuis des années. Pendant ce temps, les rendez-vous ouverts de Roger commencent à se transformer en mensonges quand une jeune tarte française (Michèle Mercier) le convainc de l'emmener pendant plusieurs week-ends - les précieux moments spéciaux de Roger et Paula. Cela laisse la porte ouverte au philantiquement callow et à Phillip frappé pour faire de son mieux sur la Paula solitaire et de plus en plus malheureuse. Finalement, Paula, usée et confuse, cède aux progrès incessants de Phillip et laisse Roger qui se rend compte maintenant que la chaleur a épuisé sa petite amie et tout ce qui reste est un enfant ennuyeux et exigeant. Pourtant hantés par le lien spécial qu'ils entretiennent, Paula et Roger finissent par reconnaître leur erreur, réunissant et quittant Perkins - qui a remporté le prix du meilleur acteur au Festival de Cannes pour sa représentation animée et passionnée - dans la poussière. En fin de compte, plus d'un mélodrame superficiel par rapport à certains des coupeurs de cette liste, 'Au revoir', est toujours un petit film décent et un récit édifiant sur la prise d'amour pour acquis.

“; Maris et femmes ”; (1992)
Si 'Maris et femmes'A une morale, c'est que le mariage n'est pas le bonheur pour toujours - juste' l'après '. C'est le casting habituel d'Allen de personnes résidant dans l'Upper East Side, des névroses empirant sur les relations lyriques. Le film suit deux couples mariés et meilleurs amis - Gabe et Judy (Woody Allen et Mia Farrow) et Jack et Sally (Sydney Pollack et Judy Davis) - ces derniers ont décidé à l'amiable de se séparer, ou du moins disent-ils que c'est amiable. Jack et Sally testent le pool de rencontres et les limites de leur propre indépendance et dépendance les uns envers les autres. Pendant ce temps, Gabe et Judy trouvent la base de leur relation brisée, car Gabe se trouve attiré par un jeune étudiant précoce (Juliette Lewis) et Judy développe des sentiments pour un homme dans son bureau (Liam Neeson). L'ensemble se produit avec brio, en particulier Davis en tant que brillante et uber-névrosée Sally qui a été nominée pour un meilleur Oscar de soutien pour son excellent tour dans le film (Woody a également été nominé pour son écriture). Le film, tourné dans un style documentaire avec apparemment peu de lumières et d'effets pour de jolies choses, ne fait rien pour vous faire aimer les personnages 'laids', mais esthétiquement c'est un mouvement très inspiré, une bouffée d'air frais et B-12 tourné vers le énergie créative du film. Le dialogue, comme toujours, est sur le point, et allège la lourdeur de voir les relations se dégrader lorsque les personnes en leur sein refusent de changer.

“; Kramer Vs. Kramer ”; (1979)
Même s'il est désormais légèrement daté, ce qui fait Robert Benton’; s “;Kramer Vs. Kramer”; Il est encore essentiel à ce jour de savoir comment il saisit avec émotion l'émotion nerveuse que le divorce et le déplacement entre deux personnes témoignent. L'histoire est principalement vue à travers les yeux de Ted Kramer (Dustin Hoffman, dans l'une de ses plus belles et des plus touchantes performances), un homme à succès qui monte, qui rentre un jour à la maison pour découvrir que sa femme émotionnellement instable, Joanna (Meryl Streep, également excellent) le laisse se retrouver. De plus, elle le laisse à la tête de leur jeune fils Billy (Justin Henry). N'ayant plus rien à faire que de faire face à la nouvelle vie qui l'attend, Ted continue de faire de son mieux pour être un père célibataire modèle tout en faisant face aux retombées émotionnelles de son divorce (voir la séquence mémorable de toasts français du film). Et sa dévotion à son fils est certainement incontestable (la scène où il conduit Billy à l'hôpital après une chute au terrain de jeu et lui parle de points de suture est une illustration émouvante de leur lien). Mais le monde de Ted est à nouveau secoué lorsque Joanna revient un an plus tard de Californie et cherche la garde de leur fils. Ce qui en ressort est une bataille absolument laide devant les tribunaux, où ils sont tous deux impitoyablement décomposés par les avocats, avec toutes les nuances et les choix faits par Ted et Joanna retournés, examinés et exagérés, ce qui fait que l'affaire ne laisse personne heureux. Alors que le système judiciaire a progressé depuis lors, ce que “; Kramer Vs. Kramer ”; devient si parfaitement juste et réel sont les longueurs paradoxales que deux personnes peuvent parcourir pour se blesser mutuellement, même si au fond, elles se soucient toujours les unes des autres. Alors que le script se trompe peut-être en faisant de Joanna trop méchante à certains moments, ces moments sont remplacés par beaucoup plus qui capturent le sillage meurtri et compliqué de sentiments qui restent après une rupture. “; Kramer Vs. Kramer ”; est un merveilleux portrait de la douleur et de la guérison qui comprend à juste titre que même le divorce et les querelles amères ne peuvent pas toujours délier complètement le lien qu'un couple peut avoir eu auparavant. Et les derniers moments émouvants et finaux du film donnent ce sentiment juste.

'Martha' (1974)
Un drame Sirk-ian de tristesse domestique - le personnage principal donne même 'Douglas Circus Road 'comme son adresse à un moment donné - comme beaucoup de mélodrames de Fassbinder,' Martha 'place la femme naif titulaire dans une situation de détresse émotionnelle et nous fait ensuite regarder, se tortillant impuissante, alors qu'elle est soumise à des crises croissantes et désabusée, pratiquement brutalisée, de toutes les notions romantiques. Un film qui aurait pu être sarcastiquement intitulé «La bonne épouse», Le mélodrame est centré sur Martha (Margit Carstensen) qui passe d'une mauvaise situation à une autre, et qui peut être considérée comme une sombre étude à la fois sur la cruauté et la capacité de soumission humaine. En vacances avec elle en Italie, le père contrôlant de Martha meurt soudainement d'une crise cardiaque et elle est obligée de rentrer chez elle en Allemagne et de prendre soin de sa mère: une fiancée alcoolique et une grotesque, une humaine révoltante à tous les niveaux qui tente de se suicider par surdosage de pilules chaque fois que Martha essaie de faire quoi que ce soit contre son gré La libération se présente apparemment sous la forme de Helmut (‘ 70s Fassbinder regular Karlheinz Böhm obtenir un virage juteux), un beau et riche gentleman qui veut l'épouser et l'emmener. Tout sonne bien jusqu'à ce que Helmut révèle ses vraies couleurs en tant que sociopathe sadique et dominateur. Nous avons vu cette histoire d'innombrables fois à Hollywood - généralement des thrillers B avec Tom Berenger ou Patrick Bergin - mais le film télévisé 16 mm de Fassbinder n'est pas une tranche de divertissement de fin de soirée; c'est un exercice punitif alors que Martha continue de saigner psychologiquement aux mains de son trou du cul abusif et tyrannique d'un mari. Finalement, sa capitulation humiliante se transforme en paranoïa puis en quasi-dérangement qui se termine tragiquement. Ce n'est pas toujours facile à regarder, mais c'est une chronique coupante de la violence domestique à travers la propre version amplifiée de Fassbinder sur le mélodrame hollywoodien des années 50.

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«Romance moderne» (1980)
Ce pourrait être une comédie, et cela pourrait avoir une fin où le couple central se retrouve ensemble, mais «Romance moderne»Est tout aussi meurtri que certains des autres films de cette liste. Albert Brooks«Suivi de ses débuts de réalisateur en 1979»Vrai vie»(Encore une fois co-écrit avec Monica Johnson), cela montre la bande dessinée Robert Cole, un monteur essayant désespérément de terminer un film de science-fiction épouvantable tout en se séparant constamment et en se réunissant avec sa petite amie Mary Harvard (Kathryn Harrold). Il ne peut pas vivre avec elle - les deux se rendent fous - mais il ne peut pas vivre sans elle non plus, se détachant comme un drogué en train de dinde froide dans les quelques heures suivant la fin, avant d'être obsédé par la possibilité qu'elle soit avec d'autres Hommes. C'est l'une des relations les plus vénéneuses du cinéma, et il y a un manque de vanité admirable et complet dans les deux performances centrales (c'est dommage que Harrold n'ait pas obtenu un meilleur travail après cela), même si cela est fermement affirmé du point de vue masculin. Brooks grandissait en tant que réalisateur et interprète; il y a un contrôle et une clarté impressionnants dans le cadrage, et le film tourne 90 minutes maigres et indulgents, sans jamais dépasser son accueil. Curieusement, c'était en fait un favori de Stanley Kubrick, qui a appelé Brooks après sa sortie et a demandé à l'écrivain / réalisateur «Comment avez-vous fait ce film? J'ai toujours voulu faire un film sur la jalousie. 'Et si ce n'est pas une recommandation, nous ne savons pas ce que c'est.

“; Scènes de mariage ”; (1973)
Tourné à l'origine pour la télévision suédoise, qui a duré près de cinq heures, Ingmar BergmanL'exploration d'un mariage en train de se désintégrer, en train de se décomposer lentement puis d'imploser au fil du temps est l'un des efforts les plus douloureusement claustrophobes et dévastateurs du réalisateur, et peut-être qu'il pourrait trop bien décrire l'image - l'auteur s'est marié cinq fois et il a engendré neuf enfants (l'un d'eux était Liv Ullmannmais le réalisateur et son actrice habituelle ne se sont jamais mariés). Avec Ullmann, naturellement, (leur enfant était né sept ans plus tôt) et la fin Erland Josephson (un habitué de Bergman qui a également joué dans Tarkovsky ’; s “;Le sacrifice”;), “;Scènes d'un mariage”; suit le mariage en ruine du couple sur quelques années avec des étapes douloureuses en cours de route, notamment un avortement, des affaires extra-conjugales, un divorce, d'autres mariages et une tentative de réconciliation angoissée et infructueuse. Diffusé à l'origine en six parties sur la télévision suédoise, le drame percutant et pourtant non sentimental présente un style cinématographique naturaliste et hyper réaliste rempli de gros plans incarcérateurs et atroces qui ne lâchent pas et de monologues amers et impitoyables (un frémit en pensant à être marié à Bergman). Présentant également des apparitions de Bibi Andersson et Jan Malmsjö, lorsque la série a frappé les États-Unis, elle a été interrompue pour une sortie en salle de près de trois heures où elle a remporté plusieurs applaudissements, notamment une nomination aux Golden Globe pour Ullmann et un clin d'œil au meilleur film en langue étrangère. 30 ans plus tard, Bergman publiera à nouveau la suite improbable mettant en vedette le même couple, maintenant dans les années 70, appelée “;Sarabande, ”; mais il ne posséderait pas la même morsure cruelle ni la piqûre tragique de deux amants essayant de réparer les clôtures, mais réalisant que les dégâts ont été faits. Rendant trop réels les thèmes de l'abandon, de la solitude, de la peur et du regret, il est rare qu'une relation à l'écran qui s'effondre soit aussi obsédante.

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«Le calmar et la baleine» (2005)
Les péchés du père sont revisités sur le fils Noah Baumbachune résurgence troublante, émouvante et véritablement drôle - à venir huit ans après 1997, mais agréable et inoubliable “;Monsieur la jalousie, ”; “;Le calmar et la baleine”; sert de filigrane élevé pour Jeff Daniels, dépeignant ici un intellectuel rigide et étouffant qui conserve sa grandeur jusqu'à ce que le monde cède sous ses pieds déjà instables. Sa carrière autrefois célèbre s'estompant rapidement dans le rétroviseur, Bernard Berkman est satisfait de contre-dépouiller sa femme (Laura Linney, excellent comme toujours) succès alors que ses deux fils, Walt (Jesse Eisenberg) et Frank (Owen Kline), imprégnez-vous du drame et de la plie sans guide. Il y a tellement de choses dans le film que se concentrer sur le mariage brisé ressemble à un mauvais service, car Baumbach gère un tendre équilibre, sans jamais perdre de vue la douleur palpitant au cœur du film mais connaissant très bien la joie imparfaite de rire les actions têtues, blessantes, aimantes et malavisées que nous visitons les uns les autres. Daniels est superbe, racontant sèchement à Walt qu'il a congédié son agent de longue date (et probablement de longue souffrance) parce que ce dernier a fait une remarque désobligeante à propos des Knicks lors d'une fête. ”; Ses scènes avec Linney sont parmi les meilleures du film, discrètes et marquées par le désir entre les deux conjoints, se tenant sur les côtés opposés d'un golfe qui ne sera probablement jamais réparé.

'La guerre des roses' (1989)
Il est juste de dire que la plupart des films de cette liste, des films traitant de relations et de mariages brisés ou mourants, ne sont pas des comédies de studio à gros budget qui se sont avérées être des succès énormes. Mais là encore, la plupart des comédies de studio à gros budget ne sont pas comme Danny DeVito«S»La guerre des roses», Une comédie noire aussi glorieusement méchante que jamais financée par une grande entreprise. À l'aide d'un dispositif de cadrage quelque peu inutile, l'avocat Gavin (DeVito) dit à un client (un «Simpsons' Et Castellaneta!) sur Oliver et Barbara Rose (Michael Douglas et Kathleen Turner), un couple marié jadis joyeusement heureux qui, en devenant de plus en plus riches, a appris à se détester. Les choses atteignent finalement une tête lorsque Barbara est soulagée lorsqu'elle pense qu'Oliver fait une crise cardiaque et qu'ils acceptent de divorcer, mais ce n'est que le début d'une guerre d'usure qui ne cesse de s'intensifier et qui aura finalement des conséquences fatales. DeVito tient intelligemment les autres parties à l'écart, se concentrant entièrement sur deux personnes qui se détestent simplement, mais les méchants, Roald Dahl-le ton est maintenu sur la bonne voie par les émotions identifiables en jeu; Quiconque a vu ou a fait partie d'un mariage qui s'effondre reconnaîtra ce qui se passe, malgré la sensation accrue de tout. En effet, DeVito donne à chaque instant une sensation presque comique, régulière Brian DePalma Dop Stephen H. Burum prise de vue avec une collection d'angles de caméra imaginatifs qui empêchent le film de se sentir trop lourd. Douglas et Turner, deux talents dont les talents de comique sont quelque peu sous-estimés, sont tous les deux aussi formidables, chacun jouant des rôles pas différents de ceux qu'ils ont pris auparavant - Oliver n'est pas un monde loin des yuppies Gekko-like que Douglas a fait son nom sur, Barbara pourrait presque être un Matty plus âgé de 'Chaleur corporelle. »Et peut-être le plus impressionnant, le film a le courage de ses convictions; Moralisant le dispositif d'encadrement de côté, DeVito voit les choses jusqu'à leur conclusion amère et sanglante, sans trop de rachat pour quiconque est impliqué.

'Qui a peur de Virginia Woolf?' (1966)
Une version cinématographique de «Qui a peur de Virginia Woolf? 'N'aurait certainement pas dû fonctionner. Une pièce de théâtre de trois heures, réduite à deux heures, se déroulant dans un seul endroit, et avec un langage et un sujet que la MPAA ne donnerait jamais son sceau d'approbation. Un premier réalisateur sans expérience cinématographique. Deux étoiles, Elizabeth Taylor et Richard Burton, avec un mariage orageux célèbre, tous deux jouant beaucoup plus vieux que leur âge réel (les personnages sont dans la cinquantaine, mais Burton avait 41 ans et Taylor 34 ans). Oh, et tourné en noir et blanc de plus en plus démodé aussi. Et pourtant, cela a fonctionné comme des gangbusters, remportant 13 nominations aux Oscars (le seul film à avoir obtenu un clin d'œil dans toutes les catégories auxquelles il était éligible), et restant un classique durable aujourd'hui. Edward AlbeePièce de théâtre - sur un couple marié plus âgé, George et Martha (Taylor et Burton), qui invitent de jeunes homologues (George Segal et Sandy Dennis) pour les boissons de fin de soirée, avec des choses qui descendent rapidement dans une guerre pratiquement totale - est l'une des plus belles réalisations dramatiques du 20e siècle, et Ernest Lehmann ('Du Nord au nord-ouest«) Le paré de façon experte jusqu'à une longueur plus agréable au goût sans le faire sentir compromis ou tronqué. La direction de Nichols (il est remarquable de penser qu’il n’avait barré que des pièces de théâtre avant cela, et même avec seulement quelques années d’expérience) le maintient claustrophobe, et pourtant cinématographique, aidé par Haskell Wexler'S glorieux lentille. Et les performances sont impeccables, en particulier dans les virages titanesques de Taylor (qui a remporté un Oscar) et Burton; fougueux et furieux et torturé et aimant. Près de 50 ans plus tard, c'est toujours une réalisation remarquable.

- Oliver Lyttelton, RP, Kevin Jagernauth, Drew Taylor, Mark Zhuravsky, Sam Chater,



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