20 grands films sur les relations en crise

Après un gros AFI Fest première, “;Par la mer, ”; Angelina JolieLa troisième sortie de réalisateur, ouvre demain en salles. Le film marque quelque chose d'un départ pour le mégastar devenu pilote: par opposition aux drames conflictuels de prestige de “;Au pays du sang et du miel”; et l'an dernier ’; s “;Ininterrompu, ”; le nouveau film est un mélodrame de style européen se déroulant dans les années 1970 sur un couple américain en difficulté en vacances dont la relation est mise à rude épreuve.



C'est un retour à un type particulier de film réalisé par des réalisateurs italiens des années 1950 et 1960, mais aussi filmé par d'autres avant et depuis, qui examinent un mariage ou une relation en crise, l'espoir qui peut résulter de la survie à ces tests et la tristesse quand vous vous rendez compte que vous n'y arriverez pas. Le succès de Jolie à capturer l'esprit de ces films est discutable (lisez notre critique pour savoir comment), mais cela s'inscrit certainement dans une longue et belle tradition, et avec son film arrivant imminemment, cela semblait être un bon moment pour regarder retour à travers l'histoire du sous-genre relation-en-crise. Jetez un œil ci-dessous et faites-nous part de vos favoris dans les commentaires.

“; Tout ce que le ciel permet ”; (1955)



Un des Douglas Circus’; s les meilleurs films, “; All That Heaven Allows ”; raconte l'histoire de Cary (Jane Wyman), une veuve aisée de la Nouvelle-Angleterre qui tombe amoureuse de son jeune jardinier de la classe inférieure, Ron (Rock Hudson). Bien sûr, leur romance bouleverse la communauté locale, et même les enfants de Cary rejettent son nouveau bonheur comme artificiel, ce qui la fait rompre, bien qu’après un accident, elle repense sa décision et décide qu’elle était trop précipitée. Plus tard rendu hommage par Rainer Werner fassbinder (avec “;Ali: la peur mange l'âme”;) et Todd Haynes (avec “;Loin du paradis”;), qui ont tous deux introduit la race dans le mélange, ici les préoccupations sont plus sensibles à la classe, et le film capture parfaitement la vie de la banlieue des années 1950 (la nature accrue et presque artificielle des emplacements de Sirk joue l'artificiel) construction de ce monde), et embrouille l'hypocrisie et la phonicité du monde qui les entoure - la façon dont les enfants de Cary sont représentés est presque stupéfiante dans son manque de sympathie. Comme toujours avec le travail de Sirk, il a été magnifiquement tourné et magnifiquement interprété avec Wyman, jamais une énorme star malgré une victoire aux Oscars pour “;Johnny Belinda”; sept ans plus tôt, expressif et hautement stratifié, et Hudson a parfaitement coulé même lorsque vous négligez les connotations que les révélations ultérieures sur sa vie personnelle ont ajoutées. La fin peut sembler un peu trop heureuse pour une histoire avec un tel air de tragédie, mais Sirk et ses acteurs ne nous ont jamais laissé oublier ce qu'ils ont sacrifié ou les difficultés qui nous attendent probablement.



“; Blue Valentine ”; (2010)

Derek Cianfrance’; s déchirant “; Blue Valentine ”; n'est pas tant un film sur une relation en crise que sur un mariage en chute libre, et exactement comment deux jeunes essentiellement bons et bien intentionnés ont réussi à sombrer si bas dans une fosse abyssale de violence psychologique et émotionnelle . Le film est aussi rude et sans équivoque dans sa représentation de l'erreur humaine que tout ce qui date de l'âge d'or de John Cassavetes, et propose deux tours de carrière de beaux acteurs qui exploitent des parties très laides d'eux-mêmes ici. Michelle Williams joue Cindy, une jeune femme équilibrée qui est en train de prendre soin de son père malade lorsqu'elle rencontre Dean (un pré-Meme Ryan Gosling, couve avec l'intensité d'un jeune Paul Newman), un charmeur immobile dont l'attitude du diable peut être plus dommageable à long terme que n'importe lequel d'entre eux pourrait commencer à imaginer. La chronologie fragmentée du film expose un conflit tumultueux avec la mémoire, juxtaposant Dean et Cindy à leurs hauts évanouis ainsi qu'à leurs bas barattage d'estomac. Et le garçon, les bas sont-ils bas: qui peut oublier la scène du motel qui grouille de peau, ou la freakout du troisième acte de Dean déchirant dans un hôpital où il frappe un médecin? Mais Cianfrance, à travers évidemment attiré par les récits mélodramatiques, n'est pas misérable: il prend soin de montrer comment ces deux-là sont tombés amoureux en premier lieu (à part le score magnifiquement maussade d'une tenue de rock indépendant) Grizzly, “; Blue Valentine ”; tourne aussi Penny & the Quarter’; s chipper “; You and Me ”; dans une tendre déclaration romantique, ainsi qu’un appel au secours). Cianfrance s'essayerait à l'épopée familiale avec son suivi “;Un endroit au-delà des pins, ”; avec des résultats nettement moins réussis. Mais “; Blue Valentine ”; est l'un des regards les plus inflexibles sur le chagrin jamais filmé.

«Bob & Carol & Ted & Alice» (1969)

Paul MazurskyLe merveilleux premier film de ’; Bob & Carol & Ted & Alice ”; est unique pour sa dissection d'un certain type de politesse socialement fabriquée qui est endémique parmi les Los Angeles bien lus et sexuellement aventureux du milieu du siècle. Le film raconte l'histoire de deux couples bohèmes de Beverly Hills qui, au lendemain de l'aveu d'un homme à l'infidélité, déclarent qu'ils doivent dire la vérité, la vérité laide et honnête, à tout prix - dans le jargon de Mazursky et de son co-auteur Larry Tuckerle scénario de ’; ils diront ce qu'ils ressentent ”; par opposition à ce qu'ils pensent. L'idée, illustrée par un voyage hilarante et mal avisé à un séminaire d'auto-assistance dans les scènes d'ouverture du film, est que cette honnêteté sans vergogne va faire de réels progrès dans les deux amours romantiques respectives du film. Ces gens sont tellement déterminés à dire la vérité sans fard et à penser prétendument progressiste qu'ils ont oublié comment être humains les uns avec les autres. Ils parlent délibérément dans des platitudes condescendantes, vantant les vertus de gens qu'ils connaissent à peine - ils sont tellement ouverts qu'ils sont prêts à s'effondrer. “; Bob & Carol ”; reste le film définitif de Mazursky en raison de sa dissection choquante, drôle et profondément sérieuse d'une mentalité culturelle collective. Il s'agit des grandes différences entre ce que les gens font et ce que les gens disent, d'une manière exclusive à la ville que Mazursky a si bien et si bien représentée. Contrairement aux habitants nébuleux de l'Upper East Side de Woody Allen, qui restent largement attachés en grande partie à l'envie de classe, aux hiérarchies créatives et aux accrochages sexuels, les Angelinos dénoués de Mazursky s'imaginent au bord d'une vague de tolérance et de progrès. Ils sont des citoyens du monde parfaits, honnêtes et moralement sains, et ils sont aussi des clowns parfaits. Lorsque les quatre parviennent à la conclusion que la seule étape logique “; suivante ”; dans leur purification spirituelle auto-imposée est de tous dormir ensemble, Elliot GouldLe personnage du remarque avec désinvolture, “; d'abord, nous allons faire une orgie. Ensuite, nous irons voir Tony Bennett. ”;

“; Brève rencontre ”; (1945)

élémentaire saison épisode 3

Il est peut-être mieux connu maintenant pour ses grandes épopées comme “;Pont sur la rivière Kwai,”; “;Laurence d'Arabie”; et “;Docteur Zhivago, ”; mais l'un des meilleurs films de David LeanLa carrière de S était une image antérieure, beaucoup plus petite: une magnifique romance déchirante qui compte parmi les meilleurs du cinéma. Basé sur Noel Coward’; s jouer “;Nature morte, ”; le film voit une épouse de banlieue de classe moyenne Laura (Celia Johnson) raconte comment un grain de sable dans son œil l'a amenée à rencontrer le charmant médecin Alec Harvey (Trevor Howard) en attendant dans un salon de thé de la gare. Tous deux sont mariés avec des enfants, mais se retrouvent régulièrement, éventuellement en secret, se rapprochant de faire un pas qui ne pourrait pas être annulé. C'est une histoire d'amour typiquement britannique, une histoire où ce qui n'est pas dit est plus important que ce qui est dit et où les brefs moments où la répression émotionnelle se glisse dans une explosion de sentiments soudains. Et bien que le film reste chaste, et que nous soyons même privés d'un adieu passionné grâce à l'intervention d'un bavardage inconscient (l'une des scènes les plus déchirantes de l'histoire du cinéma), il fonctionne en quelque sorte en sa faveur, en le transformant non seulement en un une histoire d'amour évanouissante, mais aussi deux personnes dont les mariages sont mis à rude épreuve. Il pourrait célébrer un ensemble de valeurs qui semblent un peu démodées maintenant, mais il semble toujours aussi frais que le jour de sa sortie: il suffit de regarder son influence évidente sur une grande romance plus récente, Todd Haynes ’; “;Carol. ”;

“; Début du printemps ”; (1956)

Si la plupart connaissent un film de Yasujirõ Ozu, il ’; s “;Histoire de Tokyo, ”; un film fréquemment cité parmi les meilleurs jamais réalisés et un chef-d'œuvre silencieux incontestable. Le film qui a suivi après un écart de trois ans (presque sans précédent pour un cinéaste extrêmement prolifique - il aidait l'actrice Kinuyo Tanaka sur son deuxième film en tant que réalisateur) a vu quelque chose qui s'écarte de ses histoires familiales habituelles, mais se révèle tout aussi puissant. “; Début du printemps ”; étoiles Ryõ Ikebe en tant que salarié dans une entreprise de briques de Tokyo qui entame une liaison avec un collègue (Keiko Kishi), avec sa femme (Chikage Awashima venir rapidement à soupçonner que quelque chose ne va pas. Abandonnant ses thèmes habituels de la différence entre les générations et la politique familiale (à la demande de son studio, qui sentait qu'ils étaient passés de mode et voulaient qu'il jette des acteurs plus jeunes), Ozu raconte néanmoins une histoire atypique dans sa carrière avec son style discret et délicat habituel, en ignorant ce que les cinéastes mineurs considéreraient comme des scènes clés et en laissant le public remplir les blancs (ou continuer à deviner si elles ont eu lieu). Et comme toujours, la vie éclate de l'extérieur du cadre: ce n'est pas tant une histoire qu'une tranche de réalité. La nuance habituelle d'Ozu et l'œil fin pour la nature humaine signifient que l'affaire et la réunion éventuelle du couple marié se sentent authentiques et tout à fait méritées, mais elles servent également magnifiquement de portrait du salarié des années 1950, se sentant comme un précurseur, parmi autres, Billy Wilder’; s “;L'appartement. ”;

“; 50 ’; Eclipse ”; (1962)

Quand l'auteur italien Alberto Moravia écrit “; l'argent est l'élément étranger qui intervient indirectement dans toutes les relations, même sexuelles, ”; il aurait pu parler Michaelangelo Antonioni’; s “; L ’; Eclisse, ”; qui clôt la trilogie officieuse commencée avec “;L’;Aventurra”; et “;La nuit. ”; Les stars du cinéma Monica Vitti comme Vittoria et Alain Delon comme Piero, deux amoureux potentiels flirtant avec l'idée d'une romance mais luttant pour comprendre la vraie intimité. Hanté par un paysage urbain d'une architecture italienne moderne grandiose (juxtaposée à des bâtiments à moitié construits apparemment abandonnés en raison de leur style dépassé), Delon joue un jeune courtier en valeurs mobilières qui s'enrichit tandis que la sous-classe de l'Italie monte le ventre. Un de ces pauvres imbéciles est la mère de Vittoria, qui a perdu ses économies. Fraîchement sortie de sa propre rupture avec un homme plus âgé, Vittoria rencontre Piero à travers cette connexion et ils dansent autour de l'idée d'être ensemble et de professer le véritable amour l'un pour l'autre, y compris plusieurs séances de maquillage lourdes qui se sentent finalement apathiques et vides. En l'absence de véritable connexion, ces personnages émotionnellement épuisés tentent de fabriquer un amour éternel, mais il ne se gélifie jamais tout à fait et est éphémère comme les vents instables qui donnent à leur petite ville son atmosphère fantomatique et désenchantée. “; j'ai l'impression d'être dans un pays étranger, ”; Piero dit à un moment donné. “; Drôle, ”; Les compteurs de Vittoria, “; c'est ce que je ressens autour de vous, ”; et c'est probablement un dialogue aussi direct que n'importe qui le dit dans le film. Profitant du véritable amour, le couple jure de se rencontrer au coin de la rue plus tard dans la soirée, mais aucun ne se présente et le film se termine par un montage opaque et inquiétant de sept minutes des paysages urbains vides.

“; Eyes Wide Shut ”; (1999)

Après avoir abordé tout, de la Première Guerre mondiale à l’annihilation nucléaire en passant par les voyages dans l’espace et l’hôtel le plus effrayant du monde, Stanley Kubrick est allé plus près de chez lui pour ce qui s'est avéré être son dernier film, “; Eyes Wide Shut. ”; Adapté par Frédéric Raphael et Kubrick de Arthur Schnitzler’; s “;rêve histoire, ”; il ouvre des fissures dans le mariage du beau jeune médecin Bill Harford (Tom Cruise) et sa femme Alice (Nicole Kidman) après avoir été proposé par deux femmes lors d'une fête, et elle avoue avoir eu un fantasme sexuel sur un autre homme. Cela mène à plusieurs longues nuits sombres de l'âme alors que Bill rencontre un culte sexuel secret avec une grande influence et une grande portée, et trouve le côté semencier de la vie en dehors de la monogamie avant de rentrer chez lui dans la sécurité et le bonheur relatifs de son mariage. Comme beaucoup ‘ relation en crise ’; des films, c'est un film profondément moraliste, plongeant dans la sexualité qui brise les tabous de manière magnifique et fascinante, montrant les tentations perverses qui affligent le couple, mais suggère finalement que le mariage est la meilleure solution que nous avons (dernière ligne de Kidman ’; s, “; Fuck, ”; est à la fois profondément sexy et incroyablement romantique). Comme toujours avec Kubrick, le cinéma est méticuleux, extraordinaire et inventif, mais c'est le casting qui pourrait être le coup de maître: en utilisant deux mégastars qui étaient à l'époque à Hollywood, le mariage spéculé le plus discuté, donne son examen de une relation tranchante une dimension presque mythologique.

«Visages» (1968)

Ça a pris John Cassavetes près d'une décennie pour faire un véritable suivi de ses débuts étonnants “;Ombres, ”; un film qui a plus ou moins inventé le film indépendant américain tel que nous le connaissons - il a réalisé quelques concerts hollywoodiens pour la location, mais ce n'est que lorsqu'il a autofinancé “; Faces, ”; grâce à l'argent de gros emplois d'acteur comme “;La sale douzaine, ”; que les Cassavetes que nous connaissons et aimons sont revenus. Le premier véritable assemblage de ce qui allait être vu comme la société de représentation de l'écrivain-réalisateur, les stars de cinéma John marley et Lynn Carlin comme Richard et Maria Forst, un couple marié de la classe moyenne et d'âge moyen apparemment au dernier moment de leur mariage. Après avoir annoncé qu'il veut divorcer, elle sort avec ses amis et prend un playboy vieillissant et parlant doucement (Seymour Cassel), tandis que Richard rend visite à une prostituée (Gena Rowlands) qu'il a déjà rencontré. Comme c'est généralement le cas avec Cassavetes, c'est une forme libre et lâche, avec son propre style et rythme distinctif qui a fait croire à beaucoup que ses films sont improvisés: ils ne le sont pas, mais vous ne le sauriez pas des performances tout à fait naturelles (y compris d'une Carlin nominée aux Oscars, qui travaillait auparavant comme secrétaire chez Screen Gems). Ce n'est pas une montre facile, comme une plus mélancolique, plus ordinaire “;Qui a peur de Virginia Woolf”; dans son amertume acerbe, mais au milieu de la laideur, le réalisateur trouve des moments de grâce et de beauté étranges. Il abordera plus tard des thèmes similaires avec le “;Une femme sous influence, ”; donnant à Rowlands le rôle de sa carrière.

“; Une femme douce ”; (1969)
Robert Bressonle premier film en couleur de ’; “;Une Femme Douce”; («Une femme douce») est basé sur le Dostoïevski histoire courte “; A Gentle Creature, ”; et concentré sur le monde intérieur inconnaissable de la femme titulaire & douce, ’; Elle (Dominique Sanda), que nous rencontrons au début du film, juste après qu'elle se soit suicidée. L'histoire est racontée dans des flash-back racontés par son mari Luc, prêteur sur gages (Guy Frangin), alors qu'il essaie de comprendre ce qui l'a amenée à se suicider. Ils se rencontrent dans son magasin, et frappé par sa beauté, il la suit chez elle et l'épouse malgré ses protestations initiales. Un couple étrange depuis le début, le prêteur sur gages se trouve incapable de comprendre pleinement sa femme comme il le veut: il fait appel à elle pour des voyages à l'opéra, achetant ses disques et ses livres, mais elle n'est toujours pas heureuse. Luc devient plus oppressif et Elle devient plus renfermée, jusqu'à ce qu'une nuit, elle cherche un pistolet pour le tuer, mais est incapable d'appuyer sur la détente. Au lieu de cela, elle s'échappe de la seule façon qu'elle peut, par la mort - une évasion courante pour les personnages de Bresson. Comme on nous raconte l'histoire du point de vue de Luc, le monde de sa femme reste mystérieux, toujours caché juste hors cadre. Les performances sont typiquement bressoniennes, avec peu d'émotion ou de réaction dégagée par l'expression, bien que les subtiles subtilités du visage et des mouvements de Sanda suggèrent son agitation intérieure. La vision de Bresson sur le matérialisme contre l'accomplissement spirituel est claire dans ce film, avec des indices que l'obsession du prêteur sur gages pour l'argent et les choses ”; conduit au désespoir de sa femme et à sa mort.

“; Hannah et ses sœurs ”; (1986)

Woody AllenLes nouveaux films de ’; sont si paresseusement assemblés et à moitié pensés (à l'exception occasionnelle comme la lumière, le charme “; 2011 de ’;Minuit à Paris”; et 2013 choquant personnel “;Jasmin bleu&qudquo;) qu'il devient facile d'oublier ce que peut être un chroniqueur astucieux du malaise romantique du Woodman lorsqu'il opère au sommet de ses pouvoirs créatifs. Les personnages de l'univers cinématographique névrotique de New York souffrent souvent d'angles moraux et parfois d'étonnants manquements au jugement. Toutes ces choses se produisent malgré le caractère souvent considérable de l'éducation, du statut de la classe moyenne et du penchant pour une culture raffinée. Dans son grand morceau de chambre magistralement triste “; Hannah et ses soeurs, ”; Allen sonde le fonctionnement le plus profond d'une famille de New York profondément en proie à des combats, à l'infidélité et pire encore, et émerge avec une meringue comique élégante et délicieusement amère qui dissèque les valeurs bourgeoises tendues avec précision et esprit. L'action s'articule principalement autour de trois sœurs adultes - la titulaire Hannah, (épouse de longue date d'Allen Mia Farrow) Houx (Dianne Wiest) et Lee (Barbara Hershey) - et les engouements, les rivalités et les trahisons qui menacent de défaire le tissu de leur famille. L'ensemble principal est exceptionnel ici, avec Michael Caine en particulier, donnant un tour doux et blessé en tant que mari infidèle qui est en conflit avec ses décisions, et Allen prêtant son énergie nébuleuse de marque (avant qu'elle ne devienne entièrement grinçante) au rôle de l'écrivain T.V. Parce que c'est un film Allen de haut niveau, il y a beaucoup à rire, mais ne vous y trompez pas: c'est aussi piquant un examen de l'insatisfaction conjugale que “;Scènes d'un mariage, ”; réalisé par le héros d'Allen Ingmar Bergman, seulement avec l'humour juif de Woodman et le désespoir encore plus existentiel.

“; Voyage en Italie ”; (1954)

Peu de films ont été réévalués au fil du temps avec autant de succès ou ont eu un impact aussi colossal que Roberto Rossellini’; s “; Voyage en Italie, ”; un film qui avait une production tumultueuse et qui était largement détesté par les critiques à sa sortie, mais qui se présente maintenant comme un classique irréprochable. Librement basé sur Coletteroman de ’; “;Duo, ”; le film voit le couple anglais Alex (George Sanders) et Katherine (Ingrid Bergman) voyageant à travers le pays du titre pour vendre la propriété dont ils ont hérité de son oncle, et trouvant leur relation s'effondrer en cours de route. À un moment donné, Katherine dit que c'est la première fois que nous sommes vraiment seuls depuis notre rencontre, ”; et les problèmes en tant que tels deviennent immédiatement apparents - ils ne peuvent pas communiquer, ont des personnalités très différentes et semblent profondément jaloux les uns des autres. C'est un appariement apparemment toxique, mais Rossellini se termine sur une note quelque chose comme l'optimisme, les deux semblant être réunis après une fête religieuse. Rossellini expérimentait ici et a aliéné sa distribution (y compris son ex-épouse future Bergman) en refusant de montrer le script ou de les laisser se préparer, et le manque de narration traditionnelle du film a été reçu de manière vénéneuse par les critiques, au moins jusqu'à ce que le gang des Cahiers du Cinéma participe à sa réhabilitation. Mais maintenant, il se présente comme une image incroyablement brute et triste et phénoménalement interprétée par ses deux stars, toutes deux dépouillées jusqu'à l'os sans aucune astuce d'acteur pour se cacher. Il se sent désespérément personnel dans les lieux et a aidé à bien des égards à changer la direction du cinéma d'art européen à venir, influençant tout, des films d'Antonioni à, eh bien, “; By The Sea. ”;

“; Couteau dans l'eau ”; (1962)

Un mariage visiblement sans amour menace de s'effondrer puis de s'éroder Roman Polanski’; s “; Couteau sur l'eau, ”; un regard pessimiste et inquiétant sur la fine ligne qui sépare l'homme de la bête. Bien qu'il ne présente ni la fantaisie occulte de “;Bébé au romarin”; ni les théâtres démesurés et déjantés de “;Le locataire, ”; le début du réalisateur polonais représente à bien des égards son film le plus troublant, principalement pour ce qu'il dit sur la vénalité essentielle du caractère humain. L'action du film se limite principalement à un seul bateau sur l'eau, où un misérable couple de bourgeoisie a amené un mystérieux et beau jeune étranger pour une voile l'après-midi. L'épouse, rebutée par le comportement ouvertement méchant et mesquin de son mari, ne peut s'empêcher de s'attarder sur la vue de cet homme plus jeune et plus viril alors qu'il empiète trop joyeusement sur le territoire de son pathétique mari. Leon Niemczyk et Jolanta Umercka sont délicieusement affreux pratiquement dès la première image en tant que couple dont le mariage est en état de siège, tandis que Zygmunt Malanowicz, comme le vagabond mâle alpha aux cheveux blonds qui devient l'arête aiguisée de ce triangle tordu, est capable de suggérer des degrés de menace impensable avec un peu plus qu'un sourire caillé. Modèle d'économie narrative et l'un des films les plus angoissants jamais réalisés sur la jalousie sexuelle, les débuts de Polanski présentent de nombreux thèmes et motifs qui viendraient définir son travail ultérieur, y compris la perversion, la paranoïa, la violence latente et la capacité humaine au mal . Des courants d'humiliation sinistres ondulent sous les eaux troubles de ce film au cœur noir, jusqu'à ce qu'un dénouement épouvantable et horriblement logique dans lequel la vision blasée de Polanski de la loyauté connubile devienne bien trop évident.

“; Mariage, style italien ”; (1964)

Un des Vittorio De Sicales films les plus réussis à l'étranger (il a remporté les nominations aux Oscars de la meilleure langue étrangère et de la meilleure actrice), “; Mariage à l'italienne ”; à quelques pas des styles de comédie sexuelle du film précédent, 'Hier, aujourd'hui et demain', Qui a fait équipe avec le directeur, Sophia Loren et Marcello Mastroianni, en faveur de quelque chose de plus proche d'un mélodrame ambitieux. Cette romance s'étalant sur une décennie voit Loren comme Filumena Marturano, une prostituée qui a été sauvée par Domenico de Mastroianni pendant la Seconde Guerre mondiale, devenant sa maîtresse dans une relation qui est décidément unilatérale. Dans une dernière tentative pour gagner sa dévotion alors qu'il s'apprête à épouser une femme plus jeune, elle simule une maladie en phase terminale. Avec une structure formellement inventive - c'est un flashback lourd, avec De Scira sautant dans le temps d'une manière audacieusement elliptique, puis déplace le focus sur chacun des trois enfants de Loren, chacun engendré par un homme différent - il se sent en quelque sorte plus vif que quelques-unes des autres images de De Sica, parcourant habilement des tons apparemment contradictoires de large comédie et de feu dramatique d'une manière que quelqu'un comme Pedro Almodovar ferait plus tard sienne. Mais le film est plus que tout une vitrine pour Loren, qui souffle Mastroianni hors de l'écran pour une fois. À la fois cuivrée et poignante, c'est son film de la première image à la fin, et elle arrive en tête de sa performance aux Oscars dans “;Deux femmes”; et puis certains.

“; La nuit ”; (1961)

L'œuvre de Michelangelo Antonioni se sent comme l'une des plus grandes influences sur “;Par la mer,”; même si Jolie n'en a pas dit autant —certainement, il a abordé un territoire thématique similaire plusieurs fois dans sa carrière, y compris dans “;Désert rouge, ”; “; L ’; Avvenura ”; et cette formidable image de 1961. Au cours d'une seule journée et nuit, nous suivons Giovanni (Marcello Mastroianni) et son épouse Lidia (Jeanne Moreau) lorsqu'ils visitent un ami mourant, assistent à des séances de dédicaces et à des fêtes (Giovanni est un auteur célèbre), mais s'éloignent parfois seuls ou avec des amants potentiels qu'ils rencontrent en cours de route. Par sa conclusion, cela force une sorte de confrontation sur la nature de leur relation, et même s'il semble clair qu'elle est irrémédiablement rompue, nous les clôturons en faisant l'amour en quelque sorte dans un piège à sable sur le parcours de golf d'un millionnaire à l'aube. . Tout au long du processus, les conversations entre le couple se déroulent à une sorte d'éloignement accru - aussi bouleversé et surmené que l'est parfois Lidia, Giovanni ne la réconforte pas; et autant que Giovanni semble apprécier les signes de réussite et d'admiration des pairs, Lidia ne parvient pas à légitimer ses réalisations. C'est un portrait froid et effrayant d'une relation bourgeoise dans un état d'entropie particulière; même s'ils recherchent la distraction avec les autres, il y a une étrange fatalité au fait qu'ils finiront ensemble. Beau, mutable et toujours juste hors de portée, “; La Notte ”; n'est pas un film pour lequel tout le monde trouvera du temps, bien que nous soutenions que ce n'est pas exactement la patience dont le spectateur a besoin, mais une volonté de permettre aux riches visuels du film de vous attirer et de ses courants frais qui vous entourent. .

“; Une place au soleil ”; (1951)

Une adaptation de Theodore Dreiserroman acclamé de ’; “;Une tragédie américaine”; (qui devait autrefois offrir les débuts hollywoodiens de Sergei Eisenstein au début de l'ère sonore et a également été filmé par Josef Von Sternberg en 1931), “; A Place In The Sun ”; a une réputation largement méritée comme l'un des mélodrames cinématographiques classiques, bien que le temps ait un peu pesé sur le film au fil des ans. Dirigé par George Stevens (qui a remporté l'Oscar cette année-là, l'un des six gagnants du film), les stars du film Montgomery Clift au sommet de ses pouvoirs en tant que George, un jeune homme ambitieux qui arrive dans une petite ville pour travailler dans l'usine de son oncle. Un garçon qui travaille dur, il commence bientôt une relation avec sa collègue Alice (un excellent Shelley Winters), mais tombe plus tard pour la classe supérieure Angela (Elizabeth Taylor, dans un rôle qui, autant que n'importe quoi, l'a aidée à la pousser vers des rôles d'adulte). Quand Alice tombe enceinte et exige qu'il l'épouse, George commence à envisager une action drastique. C'est une histoire rigoureuse et puissante qui continue de captiver l'imagination (Woody Allen ’; s “;Balle de match”; est essentiellement un riff sur la même histoire de base), et les rebondissements se révèlent être de véritables coups de poing quand ils viennent, en particulier avec les trois pistes faisant un excellent travail. Cela dit, il se sent un peu contraint par le Code de production par endroits, et Stevens est probablement trop d'un instrument contondant pour la satire sociale plus subtile du travail de Dreiser - il vous frappe au-dessus de la tête avec ses thèmes. Pourtant, en tant que photo non seulement d'un homme qui se trouve déchiré entre deux femmes et cherche à prendre la voie la plus lâche, mais aussi de classe et d'ambition aux États-Unis, il se classe toujours comme quelque chose d'un classique.

“; Honte ”; (1968)

Dans de nombreux films de cette liste, les relations centrales sont mises à l'épreuve principalement par des facteurs intérieurs - le doute de soi, un manque de fidélité et un manque de confiance. “; Honte ”; est celui qui voit nos héros séparés par des facteurs extérieurs indépendants de leur volonté, tout en exposant une difficulté dans la dynamique qui aurait probablement pu se produire en toutes circonstances. Un peu négligé dans Ingmar Bergmancanon de ce film, ce film voit les acteurs les plus associés au réalisateur, Max Von Sydow et Liv Ullman, comme Jan et Eva Rosenberg, un couple marié essayant d'échapper à une guerre qui se referme sur eux. Ils sont tourmentés par le sinistre colonel Jacobi (Gunnar Björnstrand), et trouver les horreurs du conflit révélant des côtés d'eux-mêmes qu'ils n'auraient plutôt jamais vus. Bergman avait interrogé le mariage et les relations hommes-femmes avant et après «Honte», mais en prenant la dynamique qu'il examinait souvent - une femme volontaire et un homme faible et sensible - et en l'encadrant également dans un conflit quasi-dystopique. comme s'inspirant de l'histoire des conflits du 20e siècle sans suggérer un lieu ou une cause particulière, il devient quelque chose de plus grand et de plus rigoureux dans son examen de la nature humaine et des choses que nous venons découvrir sur ce que nos proches feront pour survivre. C'est un film sombre, même selon les normes du réalisateur - les derniers moments avec le couple dans un bateau piégé par des corps flottants alors qu'Eva raconte un rêve qu'elle a jadis sont particulièrement obsédants, quoique d'une belle manière - mais qui devrait marquer parmi ses meilleurs et certainement parmi ses examens les plus incisifs des relations.

“; Station Termini ”; (1953)

Curieusement, Vittorio De Sica a filmé ce mélodrame de 1953, avec Jennifer Jones et Montgomery Clift (à son plus beau), et bien que les deux soient très bons, nous prenons le moins compromis “;Gare Termini”; sur le studio bricolé “;Indiscrétion d'une femme américaine”; n'importe quel jour. Tout à fait Harvey Weinstein de son époque, superproducteur David O. Selznick a dirigé l'équipe de De Sica avec deux stars américaines, mais le film en temps réel de 89 minutes qui voit Jones comme une femme au foyer qui est tombée amoureuse du Giovanni local de Clift et essaie de rompre avec lui, était pas du tout au goût de Selznick. Il a donc coupé plus de 20 minutes (ce qui signifie qu'il a dû tourner un court métrage séparé 'L'automne à Paris'Pour amener le paquet à la longueur distribuable), principalement en supprimant une grande partie des observations au sol de la marque De Sica. Cela est particulièrement évident dans la scène où la femme et la mère infidèles de Jones donnent du chocolat à certains enfants: lorsque la caméra est sur eux, cela pourrait être une sortie de 'Voleurs de vélos»(Avec sentiment potentiellement excessif). Mais quand cela revient à leur patronne qui les regarde avec limpidité, elle se sent pointée: l'Amérique en tant que fournisseur bienveillant. Pourtant, castré et cautérisé, bien que 'l'indiscrétion' de Selznick, il ne peut pas cacher l'émotion authentique et la sensualité surprenante de cette romance condamnée, alors que Monty et Jones luttent contre leur irrésistible attraction dans la gare principale de Rome, tandis que la vie vibre et bourdonne tout autour. Et dans la version complète et sans compromis, il devient comme un riff néo-réaliste sur “;Brève rencontre, ”; alors que le duo central prend vie grâce au bourdonnement de la ville environnante.

“; À la merveille ”; (2013)

Avec “; To the Wonder, ”; Terrence Malick dérivé encore plus loin dans l'éther du paysage de rêve non narratif qu'il ne l'avait fait avec “;L'arbre de la vie, ”; abandonnant les techniques de narration conventionnelles au profit de voix off encore plus nombreuses, de poèmes visuels encore plus flous et de moyens, beaucoup plus de prises de vue aux heures magiques teintées d'or. Les détracteurs du réalisateur se sont plaints que “; à la merveille ”; n'était rien de plus qu'une expérience indulgente à grande échelle, et même s'il est vrai que le film joue plus comme une collection de faces B Malick à tout point de vue que le grand album concept cohésif qui était “; The Tree of La vie, ”; même mineur Malick est majeur par à peu près les normes de n'importe qui d'autre. En tant que tel, “; To the Wonder ”; est indéniablement un gâchis, mais il est fascinant, et son évocation scintillante des étapes de la naissance et de la mort de l'amour est ravissante et souvent écrasante. Ben affleck joue Neil, une Américaine à l'étranger qui tombe amoureuse d'une ravissante Ukrainienne récemment divorcée nommée Marina (Olga Kurylenko). Ils gambadent dans le parc, prennent le métro ensemble et s'engagent mutuellement dans leur amour éternel. Dans l'une des séquences les plus sensuellement ravissantes de la carrière de Malick, les deux amants étoilés se rendent dans les contrées glaciales et reculées du Mont Saint-Michel, et l'ambiance stérile et surnaturelle du paysage donne presque l'impression d'avoir habité un planète extraterrestre (il y a des nuances profondes d'Antonioni ’; s “; L ’; Avventura ”; ici). Ce n'est qu'après que Neil a ramené Marina dans la petite ville américaine qu'il a grandi en ce que les fissures dans leur relation commencent à se manifester. Un film d'art hallucinant et hallucinant, un regard déchirant sur la date d'expiration d'une relation et peut-être le film le plus informe et le plus déroutant de Malick à ce jour, “; To the Wonder ”; ne se rassemble jamais vraiment dans son ensemble, mais comme une série d'instantanés dispersés capturant un amour en fleurs qui finit par se flétrir et pourrir, c'est souvent fascinant.

“; Deux amants ”; (2008)

Même dans une filmographie remplie de grands moments émotionnels et de grandes révélations mélodramatiques, James Gray’; s “; Deux amants ”; est remarquablement brut et personnel. C'est un film de blessures fraîches et de cicatrices de bataille romantiques: une histoire d'amour pour l'ère moderne qui est tout simplement colossale en son pouvoir. Beaucoup se souviendront malheureusement du drame galvanique et éruptif de Gray comme le dernier grand tour de star Joaquin Phoenix avant d'entrer dans l'étape de la mégalomanie barbu (lire: art de la performance) de sa carrière avec “;Je suis toujours là” ;. Ce qui est dommage, car il s'agit de l'une des œuvres d'acteur les plus sobres et les plus belles à voir encore du célèbre acteur explosif, même si elle ne peut pas correspondre au facteur de mémorisation horrible de sa fusion alimentée par la cocaïne chez un copain / réalisateur Casey AffleckLa grande in-blague cinématographique. Dans “; Two Lovers, ”; Phoenix joue Leonard, un homme triste et blessé de Brighton Beach faisant de son mieux pour vivre au jour le jour après une série de tentatives de suicide ratées. Avec une attention discrète mais éblouissante mais toujours discrète aux détails vécus, le film observe Leonard entrer dans l'orbite de deux femmes très différentes: la gentille Sandra (Vinessa Shaw, dans un tour unique), avec qui il a été installé par ses parents, et Michelle (Gwyneth Paltrow), une âme passionnée qui vit pour la nuit, mais aussi pour les poudres en place, les pilules et le plaisir insignifiant. Les scènes de push and pull entre ce trifecta romantique enchevêtré sont magistralement observées et Gray tourne sa ville natale de New York avec une clarté et un sentiment de crainte que beaucoup de ses contemporains manquent (il convient également de noter qu'il s'agit de la première du réalisateur). film qui ne se classe pas en quelque sorte comme une image de crime). Un portrait à couper le souffle de la douleur et de la perte et un joyau endormi du milieu des années 2000, “; Deux amoureux ”; est sérieux au sujet de sa douleur - à tel point qu'il vous laissera trembler.

“; Route révolutionnaire ”; (2008)

Richard Yates’; roman “; Route Révolutionnaire ”; un livre plutôt négligé qui a vu une nouvelle vie au début du 21e siècle, est une sorte de mont Everest de livres de mariage en difficulté, et tout en Sam Mendes’; l'adaptation du film n'est pas parfaite, c'est quand même une tentative déchirante et belle. Le film voit Leonardo DiCaprio et Kate Winslet comme Frank et April Wheeler, un couple de la banlieue du Connecticut qui rêve de déménager à Paris, mais dont les rêves sont interrompus par leur infidélité, leur consommation excessive d'alcool et des circonstances indépendantes de leur volonté. C'est une montre difficile - il y a peu de soulagement, mais c'est surtout dominé par la relation combustible de la paire centrale, explosée à la fois par leur propre avenir gaspillé et la difficulté de maintenir l'amour, et pour beaucoup le film est devenu un peu comme ramasser sur roadkill: disséquer sans fin sans jamais trouver beaucoup plus de nouveautés à dire qu'il ne l'a déjà fait. Mais c'est pour ignorer l'humanité, la très réelle compassion que Yates et Mendes ont pour ces personnages, et c'est un coup de maître pour le réalisateur de réunir pour la première fois Winslet et DiCaprio, l'écran prééminent couple de leur âge grâce à “;Titanic”; - les deux sont énormes et n'apportent pas seulement une idée de combien ces deux-là se détestent, mais combien ils s'aiment aussi.

Mentions honorables: Le cinéma ne manque pas exactement dans les films sur les relations défaillantes - nous avons déjà couvert de manière similaire le territoire dans une fonctionnalité légèrement différente avec une programmation différente, et même au-delà, il y aurait plus que nous aurions pu inclure. Parmi ceux dont nous avons discuté auparavant, il y avait “;Maris et femmes, ”; “;Prends cette valse, ”; “;Chat sur un toit en étain chaud, ”; “;Romance moderne”; et “;Scènes d'un mariage. ”;

Au-delà de cela, il y en a beaucoup plus, y compris de Sica (“;Leurs enfants nous regardent”;) et Ozu (“; Saveur de thé vert sur du riz”;), plus Diane KurysDe ’; De “;Entre Nous, ”; Zujuwalski ’; s “;Possession,”; Peter Greenaway’; s “;Noyade en chiffres, ”; Marlon Brando starrer “;Reflets dans un œil d'or, ”; “;Les Parents Terribles,”; Gillian Armstrong’; s sous-estimé “;The Last Days Of Chez Nous, ”; Louis Malle’; s “;Les Amants, ”; Jean Vigo’; s “;L’;Atalante, ”; Otto Preminger’; s “;The Sundowners, ”; Richard Linklater’; s “;Avant minuit, ”; Leo McCarey’; s “;La terrible vérité, ”; Doug Liman’; s “;Monsieur et Madame smith”; et Lubitsch ’; s “;Ce sentiment incertain. ”; Il y a beaucoup plus que cela, mais si vous avez des favoris particuliers que nous n'avons pas mentionnés, criez-les ci-dessous.

- Oliver Lyttelton, Nicholas Calculator



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