The Essentials: Les 10 meilleurs films de Wim Wenders

Wim Wenders a commencé comme peintre, et on pourrait dire que cela aide à expliquer une fascination de longue date pour les paysages qui a traversé sa carrière (et peut-être le mieux illustré dans le récent “;Le sel de la terre”;). Mais le réalisateur, né en 1945, figure clé du nouveau cinéma allemand et titulaire de trois nominations aux Oscars (plus un Lion d'or, une Palme d'or et un Ours d'or honoraire de Venise, Cannes et Berlin respectivement), a de le premier jour a été aussi intéressé par les gens qui remplissent ces paysages et par la façon dont ils se déplacent.



Wenders est arrivé aux États-Unis pour la première fois en 1972 avec son deuxième long métrage, la première de New Directors / New Films de “;La peur de la sanction du gardien de but”; et il n'a jamais vraiment regardé en arrière. Le voyage semblait déclencher l'errance agitée en lui et le peintre devenu cinéaste a rapidement commencé un examen émouvant et curieux des paysages d'Amérique et d'ailleurs. Cette curiosité et cette quête péripatéticienne de réponses sur la façon dont les êtres humains vivent, existent, souffrent et, finalement, essaient de se découvrir, l'ont amené partout dans le monde à aborder une multitude de sujets.

Bien qu'il soit peut-être mieux connu pour les classiques d'art et essai “;Paris, Texas”; et “;Ailes du désir, ”; Wenders a eu une carrière diversifiée, réussissant à maintenir une réputation d'outsider bien-aimé tout en se mélangeant avec les grands et les moins grands (le Bonus-écrit, Mel Gibson-featuring “;Million Dollar Hotel”; étant un exemple malheureux de ce dernier). La musique a toujours été la clé, en particulier dans son travail documentaire, qui présente souvent des artistes que Wenders admire et veut partager avec le monde -Pina Bausch, Sebastian Salgado, Le Buena Vista Social Club.



Au total, c'est l'une des carrières les plus éclectiques de tout réalisateur, à la fois dans la non-fiction et la fiction, qui a vu Wenders aborder des drames, des documentaires, des mystères, des films policiers, des tueurs, l'amour, la mort et bien sûr la vie sur la route dans recherche de quelque chose. Wenders fait l'objet de “;Portraits le long de la route, ”; une rétrospective itinérante de Janus Films de douze de ses films à l'heure actuelle, dont certains n'ont presque jamais été vus dans ce pays, et ont maintenant été restaurés avec amour, et pour marquer l'occasion, nous avons sélectionné les dix plus essentiels de ses films à travers une carrière qui ’; s se rapproche maintenant des cinq décennies. Jetez un œil ci-dessous et faites-nous part de vos favoris dans les commentaires.



'La peur de la sanction du gardien de but' (1972)

À un moment donné, une amie de Joseph Bloch (Arthur Brauss) lui demande pourquoi il fait les cent pas et fait d'autres affaires aléatoires; Bloch dévie immédiatement la question, changeant le sujet en sa fille à la place. Une telle évasion fait partie intégrante de l'approche résolument anti-psychologique de Wim Wenders dans ce deuxième long métrage. Malgré ce que suggère le titre, 'La peur de la sanction du gardien de but' (parfois aussi appelé 'L'anxiété du gardien de but au coup de pied de pénalité“) A peu à voir avec le football et tout à voir avec l'observation rapprochée des personnages. Même lorsque Bloch étouffe soudainement une femme au hasard, lui et, par extension, le film, reste inexplicablement imperturbable - en contraste frappant avec la fraîcheur qu'il perd lorsqu'il conteste un appel de pénalité de hors-jeu manqué dans la scène d'ouverture du film. Le résultat ressemble presque à un thriller homme sur la course sans les sensations fortes, remplacé à la place par un détachement quasi anthropologique, apparemment plus intéressé par la couleur locale - en particulier des morceaux de culture américaine empiétant sur le paysage allemand - que de sonder les profondeurs de l'athlète titulaire / meurtrier. contrairement à Rainer Werner Fassbinder«Est stylistiquement similaire»Pourquoi Herr R. Run Amok?», Il n'y a pas d'accumulation de catharsis violente ou de révélations aveuglantes. Un échange de dialogue final entre Bloch et un observateur aléatoire lors d'un match de football peut expliquer tout ou rien - ou les deux.

fin de la putain de revue du monde

“;Alice dans les villes”; (1974)

Un instantané doux-amer et pittoresque du monde en mouvement, ainsi qu'un portrait touchant de deux personnes très différentes à la recherche de leurs racines, “; Alice in the Cities ”; est l'un des films les plus discrets et sans prétention de son temps. Le premier de la bien-aimée du réalisateur “;Route”; trilogie, “; Alice ”; est désespérément amoureux du tissu en lambeaux de la vie américaine, même si la vision du monde du réalisateur reste indépendante de tout moment ou endroit en particulier. De cette façon, “; Alice ”; peut être considéré comme une sorte de pièce compagnon spirituel pour les premiers films de Jim Jarmusch, qui a également réalisé des images langoureuses et minimalistes qui ont examiné la poésie sublime ancrée dans la vie quotidienne ainsi que les contrastes frappants dans les différentes cultures qui composent le creuset de notre pays. Quelle histoire il y a suit un photographe immobile joué par Rüdiger Follower, dont la mission est de trouver une sorte de sens dans les marges sans issue de l'Amérique centrale. En cours de route, il se retrouve à devenir le “; tuteur ” ;, si c'est le bon mot pour cela, pour une petite fille intrépide indépendante nommée Alice qui a erré dans le monde à la recherche de sa grand-mère de longue date. Ce qui se déroule est tour à tour déroutant, beau, intime et dévastateur - joué, comme toujours, dans la délicate touche mineure de Wenders. Il y a une similitude superficielle avec Peter Bogdanovich’; s “;Papier de lune”; (une comparaison dont Wenders lui-même n'était pas entièrement satisfait) dans la représentation du film d'une relation père-fille tendue, mais sinon les films sont aussi différents que la nuit et le jour. En tant qu'histoire texturée et tendre sur les relations rompues et la recherche continue de domicile, “; Alice ”; n'est rien de moins qu'un KO.

“; Le mauvais mouvement ”; (1975)

La deuxième partie de la trilogie routière de Wenders est à nouveau en vedette Rüdiger Vogler, le chef de file de “;Alice dans les villes”; plus Fassbinder regular Hanna Schygulla, et il comprend également la première apparition de Nastassja Kinski, qui avait treize ans à l'époque. Beaucoup plus sans but que ses autres films (lire: sans intrigue), “; The Wrong Move ”; est à tout le moins une sorte de manifeste sous forme de film, exposant tout ce que Wenders a jamais essayé de réaliser au cinéma. Il se concentre sur un homme dans un type de crise existentielle, qui part en voyage à Bonn afin de découvrir, espérons-le, sa voix d'écrivain, tout en rassemblant un groupe d'amis étrange avec qui voyager (comme Kinski en tant qu'acrobate muet). ). Les pères absents ont tendance à être un thème dans les œuvres de Wenders et oui, il n'y a pas de présence patriarcale dans le film, mais la mère dominatrice qui laisse finalement son fils partir et lui achète le billet de train pour Bonn est plutôt unique. Lorsque ses films de fiction n'ont pas fonctionné, ses qualités de recherche d'âme ont été accusées d'être incroyablement prétentieuses et pesantes et " The Wrong Move ”; correspond ostensiblement à ce projet de loi avec sa voix off contemplative et ses plans longs et contemplatifs destinés à trouver un sens au paysage. Mais l'inutilité du personnage et de la narration sont si authentiques, l'ambiance de désir si réelle et la Robby Müller une cinématographie si évocatrice, que les dimensions perdues et sans direction du film prennent des qualités tranquillement poignantes. Certes, son statut d’essentiel “; ”; Le film de Wenders est peut-être relatif; ses qualités lentes et errantes sont probablement éprouvantes pour tous sauf Wenders-acolytes, mais c'est aussi un film clé de développement précoce sur les distances entre les gens et les routes moins fréquentées.

«Les rois de la route» (1976)

Un sentiment de perte infuse Wim WendersLe chef-d'œuvre de 1976 de 1976, mais, comme il sied à sa luxueuse durée de trois heures, «Kings of the Road» représente de nombreux types de pertes. Bien sûr, toutes les salles de cinéma est-allemandes sont fermées et font donc de Bruno Winter (Rüdiger Vogler) emploi projectionniste de plus en plus obsolète, mais il y a aussi des pertes personnelles. Plus particulièrement, l'absence de figure paternelle de Bruno dans sa vie et celle de Robert Lander (Hanns Zischler) éloignement de son propre père. Et, avec l'accent habituel de Wenders sur les détails de l'occidentalisation envahissante - dans une bande sonore remplie de mélodies américaines - «Kings of the Road» implique une perte plus large de l'identité culturelle après la dévastation de la Seconde Guerre mondiale. Avec ses nombreuses scènes de tendresse et d'humour, cette épopée road-trip est loin d'être à la baisse. Il n'est pas non plus simple d'esprit: Wenders n'hésite pas à suggérer que l'apitoiement sur soi peut jouer autant de rôle dans les situations difficiles de Bruno et de Robert que tout autre facteur externe. En fin de compte, au moins un de ces deux personnages en vient à réaliser éternellement que, comme c'est toujours le cas dans la vie, “; Tout doit changer. ”;

«L'ami américain» (1977)

Adapté de Patricia Highsmith’; s 'Jeu de Ripley, '' The American Friend 'pourrait être considéré comme Wim WendersLa tentative de quelque chose comme un thriller grand public - et avec deux séquences de suspens magistrales gravitant autour des tentatives de meurtre d'un personnage, Wenders se montre à l'aise pour satisfaire le strict minimum des attentes du genre. Mais c'est toujours un film de Wenders de part en part - non seulement dans sa perspective de globe-trotter, mais dans son existentialisme morose et son opacité psychologique. Bien que l'ami titulaire américain ”; fait référence au sociopathe collant Tom Ripley (Dennis Hopper, arborant un grand chapeau de cowboy pour la plupart du temps), il est plus une mystérieuse présence en vol stationnaire; le film se concentre plutôt sur l'homme ordinaire Jonathan Zimmermann (Bruno Ganz), qui se tourne vers le meurtre après avoir été dupé par Ripley et un gangster français (Gérard Blain) à croire qu'il n'a plus beaucoup de temps à vivre. Zimmermann trouve-t-il quelque chose de perversement agréable dans sa nouvelle amoralité? Peut-être que cela explique pourquoi lui et Ripley semblent soudainement inséparables, au moins pour un sort, dans le troisième acte du film. Tout ce qui fait vibrer ces personnages, les derniers instants obsédants du film pulsent avec la tragédie de personnages qui ont vécu la vie à la limite et qui en paient le prix.

'Paris, Texas' (1984)

Avec ses décors en plein air, plaintif Ry Cooder partition de guitare et fascination pour les images - en particulier l'iconographie de l'Ouest américain - «Paris, Texas» est certainement vrai Wim Wenders. Ce film de 1984 a une éloquence verbale supplémentaire grâce au co-scénariste Sam Shepard, qui apporte sa marque de lyrisme propre et distinctement américain à une grande partie du dialogue. Des fantômes se font sentir partout dans ce paysage - pas seulement dans les motels en panne et les paysages désertiques que traversent ces personnages, mais dans le visage escarpé de la figure centrale Travis (Harry Dean Stanton), hantée par le regret et le désir de reconnexion, exprimée autant par les gestes et l'action que par les mots. Dans sa seconde moitié, 'Paris, Texas' devient finalement un conte de rachat, alors que Travis cherche son ancienne épouse, Jane (Nastassja Kinski), pour la réunir avec son fils, Hunter (Hunter Carson). Sa dernière scène avec Jane reste l'une des scènes de réconciliation les plus époustouflantes et insupportablement poignantes de tout le cinéma.

“; Ailes de désir ”; (1987)

Allégorie confessionnelle. Fable céleste. Doodle expressionniste. Une histoire d'anges terrestres et de Berlin avant la chute du mur. Décrire “; Wings of Desire ”; n'a jamais été facile et distille son essence narrative, encore moins. Mais aussi opaque et mystifiant que “; Wings ”; Parfois, c'est aussi l'un des films les plus incroyablement beaux jamais réalisés: lyrique, mélancolique, sévère et lacé avec un pouvoir ruminatif pénétrant. En apparence, c'est l'histoire de deux anges qui regardent la masse de la population humaine de Berlin depuis les toits dorés des célèbres cathédrales de la ville, écoutant leurs pensées, réflexions et confessions privées. Et pourtant, une telle description littérale de l'intrigue ne rend pas justice à la majesté lumineuse de la vision de Wenders. Le film a été tourné par le légendaire directeur de la photographie Henri Alekan, qui a également mis au point Jean Cocteau’; s intemporel “;La belle et la Bête' et le français D.P. apporte ici une partie de cette même magie étrange et inquiétante. “; Wings », lorsqu'il est examiné de plus près, est un examen fascinant de la solitude: de Dieu, des autres, et enfin, du monde dans son ensemble. Il y a quelques camées soignés le long du chemin pour les cinéphiles et les mavens de la culture, y compris une apparition mémorable de musicien Nick Cave et son groupe le Mauvaises graines, ainsi qu'un charmant tour de Cassavetes-regular Peter Falk, qui joue LUI-MÊME en jouant un ange (nous avons toujours su que Columbo était spécial). C'est un film que vous ne regardez pas tant que vous inspirez, laissant ses étranges sensations vous envahir et parcourir votre corps. On pourrait aller jusqu'à appeler cela une expérience religieuse.

«Jusqu'à la fin du monde» (1991)

La première moitié de l'épopée de Wim Wenders en 1991 joue comme un thriller mystère globe-trotter, en tant qu'âme perdue Claire Tourneur (Solveig Dommartin) parcourt le monde pour trouver Sam Farber (William Hurt), sur laquelle elle s'accroche comme celle qui la délivrera de son ennui spirituel. Mais ce n'est que lorsque nous découvrons ce qui fait courir Sam - un appareil d'enregistrement d'images qu'il a volé qui aide essentiellement les aveugles à voir - que «Jusqu'à la fin du monde» révèle pleinement son ambition cosmique. Le film imagine un monde au bord de l'apocalypse technologique, dans lequel la menace d'effondrement numérique aide momentanément à rapprocher les sociétés disparates avant d'isoler les gens dans leurs propres bulles narcissiques. En le regardant maintenant, il est surprenant de voir à quel point le film anticipait en termes d'effets sociétaux des plateformes de médias sociaux comme Facebook et Twitter; les nombreuses images dans sa dernière heure de personnages regardant fixement les écrans contemplant leurs propres souvenirs sont, si quoi que ce soit, encore plus résonnantes aujourd'hui qu'elles ne l'étaient en 1991. Avec cette restauration numérique 4K de la coupe du réalisateur de 295 minutes - rarement projetée ici aux États-Unis, et uniquement disponible sur vidéo en Europe - plus d'audience aura enfin la chance de voir l'épopée apocalyptique de Wenders pour l'incroyable folie visionnaire qu'elle était censée être.

“; Buena Vista Social Club ”; (1999)

Le plus grand succès du crossover de Wenders, l'un des documentaires les plus réussis de tous les temps (jusqu'à ce moment), et le premier film nominé aux Oscars du réalisateur, “; Buena Vista Social Club ”; a toujours été un plaisir profond. Cela se sent particulièrement intéressant dans une année où les relations américano-cubaines ont finalement dégelé de manière majeure. Le réalisateur était un ami du légendaire guitariste de slide Ry Cooder puisque ce dernier a marqué “;Paris, Texas, ”; et quand Cooder a décidé d'unir une formation de musiciens cubains légendaires oubliés après que Castro a pris le pouvoir et enregistré un album et les a amenés en tournée, Wenders était là pour documenter chaque étape. Le disque résultant du même nom avait été un hit mondial géant deux ans plus tôt, et les concerts étaient complets, mais Wenders est aussi intéressé par les gens et les lieux que par la musique - ce n'est pas un film de concert, ce qui est peut-être un peu frustrant pour les fans de musique du monde, mais plus amusant pour le reste d'entre nous. Wenders est l'un des grands documentaires du lieu, et ce film lui a permis de capturer magnifiquement La Havane, devenue de plus en plus exotique pour le public américain au cours des trente dernières années. Les moments les plus mémorables et les plus émouvants sont de regarder ces musiciens étonnants - y compris le chanteur de 90 ans Ibrahim Ferrer - jouer ensemble, rire ensemble et enfin profiter de la reconnaissance qu'ils auraient dû avoir des décennies plus tôt.

les anges exterminateurs

“; Pina ”; (2011)

Certains artistes ne peuvent tout simplement pas s’empêcher de réinventer leur médium. Quoi Federico Fellini c'est au cinéma, William S. Burroughs est à la littérature post-Seconde Guerre mondiale, c'est ce qui est né en Allemagne Pina Bausch c'est danser. Son travail ne ressemble à rien de ce que vous avez jamais vu auparavant - elle brise les règles de la danse traditionnelle en petits morceaux et forme de glorieuses reliques à partir des décombres. Elle est un sujet parfait, en d'autres termes, pour M. Wenders agité et perpétuellement curieux, qui a fait de Bausch le sujet de son documentaire nominé aux Oscars 2011 “; Pina ” ;. Tourné en grande partie à l'extérieur dans la ville natale du danseur de Wuppertal (en 3D extrêmement efficace, rien de moins) et divisé en quatre numéros de danse à couper le souffle, “; Pina ”; est tout simplement hypnotique en tant que pure démonstration de prouesse esthétique. Les séquences de danse ont un pouvoir homogène, presque hallucinatoire, résultant en certaines des images les plus vives que Wenders ait jamais réussi à fouetter. Et honnêtement, si le film n'était que cela, nous serions tout à fait d'accord avec ça. Mais “; Pina ”; en l'état, c'est beaucoup plus - en plus d'être un grand spectacle son et lumière, c'est aussi un regard trompeusement incisif sur une artiste renégate qui a marché fièrement et avec défi au rythme de son propre tambour. Nous apprenons à connaître Bausch à travers des entretiens avec des collaborateurs et des membres de la famille, et Wenders est assez généreux pour nous laisser voir son génie dans des pièces de bravoure comme le “; Café Muller ”; nombre, ou la finale chargée d'émotion où la scène est soudainement inondée d'eau. Dans une carrière remplie de bizarreries et d'excursions dans l'inconnu, “; Pina ”; parvient toujours à se démarquer. Doc ou pas, c'est l'une des images les plus convaincantes du réalisateur.

Mentions honorables: Il y a beaucoup plus parmi la filmographie expansive de Wenders qui mérite d'être vérifiée au-delà de cela. Parmi eux: 1980 ’; s “;Foudre au-dessus de l'eau,”; sur les derniers jours de Nicholas Ray’; la vie, l'image fascinante, quoique inégale de 1982 “;Hammett, ”; 1985 ’; s Ozu doc ​​“;Tokyo-Ga,”; divertissant vainqueur du Lion d'or “;L'état des choses”; et son suivi de 1994 “;Histoire de Lisbonne, ”; sa collaboration mixte avec Antonioni sur 1995 ’; s “;Au-delà des nuages”; et l'intéressant Sam Shepard-en vedette “;Ne venez pas frapper.”; Avons-nous raté votre photo préférée de Wenders? Faites-nous savoir votre favori dans les commentaires.

- Kenji Fujishima, Nicholas Laskin, Oliver Lyttelton, Rodrigo Perez



Top Articles

Catégorie

La Revue

Traits

Nouvelles

Télévision

Boîte À Outils

Film

Festivals

Commentaires

Prix

Box-Office

Entrevues

Clickables

Listes

Jeux Vidéos

Podcast

Contenu De La Marque

Pleins Feux Sur La Saison Des Récompenses

Camion De Film

Influenceurs