The Essentials: 5 grands films de Nicholas Ray

Adoré par les Français et les Cahiers Du Cinema coterie qui est devenue la nouvelle vague française rebelle - qui a engendré le souvent cité Jean-Luc Godard phrase «le cinéma est Nicholas Ray'- le cinéaste américain n'a jamais vraiment reçu son dû en dehors du seul de ses films que la plupart des cinéphiles ont vu (et même alors, ils ne savent peut-être pas qu'il l'a réalisé): “;Rebelle sans cause. ”; Et tandis que ce film emblématique des années 1950, avec ses couleurs audacieuses et expressionnistes, son angoisse et son angoisse passionnées, son mélange de machisme silencieux et de vulnérabilité, est peut-être la pierre angulaire de nombreux films de Nicholas Ray - un mélodrame vibrant à la surface, percolant une agonie émotionnelle à l'intérieur - ce n'est certainement que la pointe de l'iceberg en ce qui concerne la carrière du réalisateur.



Commençant comme un acteur potentiel, Ray a déménagé à New York où il est apparu dans le grand Elia KazanSes débuts au théâtre. Cela a conduit Ray à l'expérience révolutionnaire d'Hollywood, en tant qu'assistant du premier film de Kazan, “;Un arbre pousse à Brooklyn”; (1945) et après seulement deux autres années d'assistance sur d'autres images - plus la réalisation d'une production de Broadway et d'une émission de télévision - le réalisateur a reçu son premier coup de RKO avec “;Ils vivent la nuit, ”; qui a été retardé de deux ans grâce en partie à Howard Hughes’; reprise du studio.

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Impressionniste et intime pour l'époque, «They Live By Night» n'était pas votre film noir moyen, et a lancé la recherche particulière et idiosyncrasique de Ray pour la condition humaine, souvent marquée par son placage mélodramatique audacieux et ses sympathies pour les parias juvéniles et aliénés. anti-héros. Ce qui liait le corps de travail de Ray était de se concentrer sur les durs et les inadaptés émotionnellement meurtri, les durs sensibles avec un immense désir. Sur le tournage du Ray’s Western 1953 “The Lusty Men', La recherche incessante de l'essence émotionnelle d'une scène dans ce qui était censé être juste un drame de rodéo avec un triangle amoureux', a incité l'étoile Robert Mitchum - qui a plaisanté en disant que le film n'avait que 17 pages d'un script et que le reste avait été improvisé - pour doubler Ray un “; mystic. ”;



Bisexuel, avec une prédilection notoire et affreuse pour les relations toxiques («Dans un endroit solitaire' actrice Gloria Grahame finalement épousé le fils de Ray après la dissolution de leur union tumultueuse; rumeurs d'une liaison avec le jeune de 16 ans Natalie Wood - Ray avait 27 ans son aîné - a causé des frictions entre lui et Dennis Hopper), la vie en dehors de la carrière cinématographique de Ray était rude, pour dire le moins, et son penchant pour la consommation d'alcool et de drogues lourdes a vu le cinéaste évité par Hollywood au moment où le début des années 1960 est arrivé. Après s'être effondré sur l'ensemble de “;55 jours à Pékin”; en 1963, Ray ne dirigera à nouveau qu'au milieu des années 1970, et à toutes fins utiles, sa carrière était alors terminée.



Ray est décédé en 1979 d'un cancer du poumon alors qu'il filmait «La foudre au-dessus de l'eau», Qui devait être un documentaire collaboratif sur la nature de la vie et de la mort avec l'apôtre Ray dévoué Wim Wenders (qui lui a également confié un petit rôle en 1977 ’; s “;L'ami américain”;), mais a fini par devenir une chronique poignante de la décadence et de la mort de Ray.

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Mais bien que largement ignoré et / ou sous-estimé de manière critique pendant une grande partie de sa carrière, Ray a toujours eu ses champions parmi les cinéphiles. Comme mentionné, la nouvelle vague française l'a adoré à son apogée dans les années 1950 (François Truffaut était un autre grand admirateur), et les générations suivantes se sont ralliées à lui, comme Wenders, Martin Scorsese, Jim Jarmusch, Philip Kaufman (qui a essayé de monter un biopic de sa vie), Priez Moverman (qui l'a écrit), Curtis Hanson et beaucoup plus. Pourtant, même selon les normes cinéphiles, le travail de Ray est relativement inconnu. Peut-être que cela change lentement: La collection Criterion a sorti son premier film Ray (“; Bigger Than Life ”;) en 2010, et j'espère que ce n'est que le début de ce qui ouvrira une nouvelle ère d'appréciation pour le cinéaste. Avec 24 longs métrages réalisés au cours d'une période de 16 ans (et un long métrage et quelques courts métrages réalisés dans les années 70 par la suite), Ray a brûlé la bougie brillamment, mais aux deux extrémités, probablement à son propre détriment. Pourtant, il a laissé une œuvre indélébile qui, au pire, mérite d'être passée au crible et, au mieux, offre des moments de génie inspiré, stylisé et très excentrique. À l'occasion du 33e anniversaire de sa mort, nous vous présentons cinq essentiels de Nicholas Ray que vous devez regarder. Allez à la page 2 pour en savoir plus.
«Ils vivent la nuit» (1949)
Il y en a, dont Francois Truffaut, qui déclare que le meilleur film de Ray était son premier, '1949'Ils vivent la nuit. 'Et que vous soyez d'accord ou non, il est difficile de contester le fait qu'il ait fait un film extrêmement accompli pour un premier long métrage. Ray avait barré le Duke Ellington musical 'Vacances du mendiant”À Broadway en 1946, et producteur John Houseman (qui avait été Orson Welles«Collaborateur de longue date jusqu'à ce qu'ils tombent en panne»Citizen Kane') L'a approché par la suite avec Edward Anderson«Roman de l'ère de la dépression»Des voleurs comme nous», Pensant que ses antécédents de travail avec le ministère de l'Agriculture lui feraient un bon candidat pour le projet. RKO n’étaient pas si sûrs, et ce n’est que lorsque les Dore Schary est devenu le chef de production du studio que le projet a commencé à avancer. Un amoureux relativement simple sur le conte (refait plus tard sous le titre original par Robert Altman) à propos de Bowie (Farley Granger), un homme condamné à tort pour meurtre qui s'évade de prison avec une paire de voleurs de banque, tombe amoureux de Keechie (Cathy O’Donnell), seulement pour être renvoyé dans une vie de crime par ses compagnons d'évasion, le film comprend un énoncé de mission audacieux et étendu sur le générique d'ouverture; suivre la voiture transportant les échappés de l'air dans ce qui est largement considéré comme le premier hélicoptère tourné dans les films. La poésie tendre de la romance entre Granger et O’Donnell est douce - les amoureux sont un couple bien plus enracinable que le duo central de 'Bonnie et Clyde' ou 'Badlands»(Un film qui a vraiment l'impression de suivre les traces de Ray), et cela signifie qu'il y a une réelle piqûre à la conclusion tragique, notamment grâce aux thèmes sociaux (les criminels pointant du doigt les banques qu'ils volent comme les vrais) les méchants est un point assez intemporel). Et Ray est en contrôle remarquable, réalisant comme s'il le faisait tous les jours de sa vie. Alors que le film est resté sur une étagère pendant deux ans, grâce à Howard Hughes en prenant le contrôle de RKO, et la société ne sachant pas comment commercialiser le film, il est devenu largement vu à Hollywood avant même sa sortie finale en novembre 1949, qui a conduit Humphrey bogart d'embaucher Ray pour diriger 'Frapper à n'importe quelle porte. '

'Dans un endroit solitaire»(1950)
Y a-t-il jamais eu un réalisateur aussi habile que Ray à prendre des éléments de genre familiers et à en faire tourner une histoire complètement inattendue? Si vous avez un doute sur la prééminence du réalisateur dans ce domaine, pouvons-nous vous orienter vers “;Dans un endroit solitaire, ”; mieux, bien que de manière inadéquate, décrit comme un drame avec des éléments noirs? Commençant comme un mystère de meurtre standard, le film (et le public) perd rapidement de l'intérêt pour le complot, devenant impliqué et complètement absorbé par le drame interpersonnel et le portrait psychologique dans lequel il évolue. Dix (Humphrey bogart, un choix de casting étrangement inspiré) incarne un scénariste hackish et fading (alerte de métatextualité!) avec un caractère méchant qui devient le principal suspect dans une affaire de meurtre, seulement pour recevoir un alibi de sa belle voisine, Laurel (la toujours sous-évaluée) Gloria Grahame, dans un tour formidable). Ils tombent amoureux et Dix recommence à écrire. Mais face à la montée des soupçons de la police, la pire nature de Dix commence à se manifester dans des explosions violentes et une jalousie possessive envers Laurel jusqu'à ce que, dans l'un des dénouements les plus équilibrés de tous les temps, il la tue presque (étranglant sa propre chance de rachat dans le processus), même lorsque le téléphone sonne pour lui faire savoir qu'il a été effacé. C'est sans aucun doute une chaudière, et un peu salace à cela, mais “; In a Lonely Place ”; est également l'un des films les plus intelligents de Ray, et pourrait presque servir, aux côtés de certains classiques de Shakespeare, comme un texte de classe sur la façon dont le personnage est destiné. En fait, les pulsions de réalisateur loin du noir et vers un drame psychologique axé sur les personnages sont magnifiquement illustrées dans l'histoire de la fin du film: à l'origine, cela devait culminer dans la vraie mode noire, Dix découvrant qu'il était prouvé innocent seulement après qu'il ait effectivement tué Laurel. Bien que cette fin aurait sans aucun doute été adaptée à un traitement plus pulpeux, Ray l'a changé pour laisser Laurel encore en vie, et Dix ostensiblement un homme libre. D'une certaine manière, la connaissance qu'elle vit mais le méprise et le craint, et il doit affronter l'avenir seul avec la connaissance de sa propre monstruosité et rien d'aussi cathartique qu'une peine de prison / suspendue avec impatience, devient d'autant plus exquisément une torture à propos de le personnage. Grandeur.

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'Johnny Guitar»(1954)
Vous devez aimer ces critiques de la nouvelle vague française pour avoir rendu intellectuellement acceptable d'adorer “;Johnny Guitar”; - Ray-rsquo; s trashy-to-the-the-point-of-camp, talky Western / Women ’; Pic hybride - le sauvant ainsi de la catégorie “; plaisir coupable ”; auquel il pourrait autrement appartenir. Vous voyez, comme cette description lourde pourrait le suggérer, il y a presque trop de choses ici - rivalités féminines venimeuses, vieilles flammes, vols de banque, hold-up de diligences, lynchages, fusillades, trahisons, incendies criminels, intrigues, une bonne mesure de blocage de coqs et beaucoup de changements de dernière minute, tous tournés en Technicolor fétichisable et pictural. Le film devrait être un gâchis complet, mais d'une manière ou d'une autre, bien que chaque élément individuel se trouve étrangement à côté d'un autre, le tout est si bien orchestré qu'il le rend, à un certain niveau viscéral, complètement satisfaisant. Joan Crawford, son visage presque une abstraction d'un visage sous un maquillage lourd et ressemblant à un masque, joue à Vienne, que nous sommes censés croire en quelque sorte est une ex-prostituée / salope qui a gratté son chemin pour rêver de posséder la sienne entreprise: un salon construit apparemment au milieu de nulle part qui rapportera des dividendes une fois que le chemin de fer sera acheminé par lui. Crawford est simplement une présence trop patricienne, trop d'acier, trop majestueuse pour vendre cette histoire de façon convaincante, et sa sévérité inflexible fait en sorte qu'il est difficile pour les hommes qui l'aiment de paraître autre chose que des chiffres émasculés en comparaison. Mais cela fait partie du plaisir ici: jusqu'à l'épreuve de force culminante entre deux femmes (Crawford et une maniaque) Mercedes McCambridge), ce film ne remplace pas simplement les archétypes occidentaux masculins par des femelles (“;Calamity Jane, ”; il n'est pas du tout), il laisse en fait sa chaîne narrative se transformer en mélodrame autour de ses femmes, donc ce que nous obtenons est presque subversif pour le genre occidental. Apparemment, Crawford, comme cela est devenu son habitude, se querellait avec pratiquement tout le monde sur le plateau, en particulier Sterling Hayden, (le héros de ce film dans le titre uniquement), et McCambridge (plus tard la voix du démon dans 'L'Exorciste'), Qui la désignait comme une' méchante, ivre, femme puissante et pourrie aux œufs pourris. ”; Et peut-être que cela montre: en tant que film, c'est une confusion fascinante de caractérisations conflictuelles et de brins d'histoire qui pourraient ne pas être profonds, mais bon sang, ils sont gros. Mais en tant qu'amorce pour certaines des préoccupations de Ray (outsider-iness, le passé contre le présent, la violence masculine, la dynamique du pouvoir dans les relations) et le style (technicolor théâtral, staginess, verbosité), c'est à peu près, eh bien, essentiel.
'Rebelle sans cause»(1955)
Même ceux qui ne connaissent pas la carrière de Ray dans son ensemble connaissent les années 1955 'Rebelle sans cause», Grâce principalement à la mort tragique d'une star James Dean quelques semaines seulement avant la sortie du film en salles. Mais pour tous les détracteurs, le film résiste encore remarquablement bien aujourd'hui, même si ce n'est peut-être pas le meilleur absolu de Ray. Le film a commencé comme un simple film B, empruntant le titre de Robert M. Lindner«Étude psychiatrique»Rebelle sans cause: l'hypnoanalyse d'un psychopathe», Que Warner avait choisi une décennie plus tôt, et le studio essayait de garder ça bon marché, ordonnant à Ray de tourner en noir et blanc, jusqu'à ce que Dean éclate en«Est de Eden», Date à laquelle ils ont ordonné que les scènes déjà filmées soient refaites en couleurs (glorieuses). Dean joue un jeune homme, récemment arrivé dans un lycée de Los Angeles et déjà en difficulté avec les autorités, qui tombe avec ses camarades de classe Platon (Sal Mineo) et Judy (Natalie Wood), qui le reconnaît après avoir été amené au poste de police dans la même nuit. Le trio est furieux de ses pairs, de la complaisance (ou de l’absence) de leurs parents incompréhensibles et du monde qui les entoure, d’une manière infiniment plus empathique et réaliste que la quasi-hystérie de la même année 'Blackboard Jungle. 'Mais il y a une richesse au-delà de cela, un courant sous-jacent de désir sexuel et une folie fatale inévitable qui ressemble plus à une tragédie grecque qu'à une pièce de Shakespeare. Le scénario est probablement le maillon le plus faible: les lignes peuvent taper, pousser le thème dans du texte plutôt que du sous-texte, et il semble daté par endroits. Et ce n'est probablement pas l'effort de réalisateur le plus impressionnant de Ray, bien qu'il soit toujours aussi impeccablement mis en scène et éclairé. Mais la fureur qu'elle ressent - grâce en particulier aux superbes performances de Wood, Mineo et surtout Dean (qui subiraient toutes des destins tragiques eux-mêmes) - ressemble toujours à un pétard aujourd'hui.

'Plus grand que la vie»(1956)
Il n'était jamais inhabituel pour Ray de centrer ses mélodrames autour de protagonistes criblés de confusion, de doute, d'anxiété et de douleur, et la confluence de ces vilains problèmes psychologiques profondément ancrés fait rage comme une confluence hydrogénée d'angoisse dans “;Plus grand que la vie, ”; une image que certains soutiennent est son chef-d'œuvre incontestable. Basé sur un article du rédacteur médical The New Yorker de 1955 Berton Roueché intitulé 'Dix pieds de haut, ”; dans le récit audacieux et expressionniste de Ray de cette histoire, le grand James Mason incarne un père de famille et un professeur d'école d'une petite ville poussé à la folie par l'usage abusif d'une nouvelle drogue miracle. Souffrant de pannes de courant et de douleurs intenses, l'enseignant est diagnostiqué avec une rare inflammation des artères qui peut le tuer. Les médecins disent à Mason, ses amis et sa famille (sa femme est jouée par Barbara Rush, un collègue interprété par Walter Matthau) que la seule chose qui puisse le sauver est l'utilisation expérimentale de Cortisone. Initialement, répondant bien au traitement, le caractère père-mari-enseignant doux et attentionné de Mason se transforme finalement en un monstre despotique à la maison et près d'un psychopathe dans toutes les autres avenues de sa vie quand il commence à abuser de la drogue et ses addictions comme une brûlure d'estomac souffrante de l'âme. Débordant et caressant de couleurs, d'ombres et de mélodrames animés et sauvages, Mason et Ray jouent le film - comme son titre le suggère déjà - plus grand que nature. Tourné dans un glorieux CinemaScope, rien sur “; Bigger Than Life ”; est subtile, mais le caractère exagéré de l'image est démenti par sa souffrance véritablement inconfortable et sa vérité émotionnelle. Un exposé sur la dépendance et une excoriation assez accablante de la vie de banlieue et le ventre de l'ère pittoresque d'Eisenhower de la pureté des piquets de grève des années 50, “; Bigger Than Life ”; était un flop à l'époque, et sa critique de la vie de famille était rebutante pour ceux qui la voyaient. Mais sauvé de l'obscurité par le Collection de critères (seulement en 2010, ce qui ressemble à une décennie de retard, mais nous prendrons ce que nous pouvons obtenir), c'est, espérons-le, la première phase d'une réévaluation à grande échelle de l'œuvre audacieuse du cinéaste.

- Rodrigo Perez, Jessica Kiang, Oliver Lyttelton



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