Lauréat de chaque Palme d’Or du Festival de Cannes, classé

Le battage médiatique annuel tend à donner l'impression que l'Oscar est le prix le plus élevé de la communauté cinématographique. Mais pour d'innombrables cinéastes et cinéphiles du monde entier, la Palme d'Or sort en tête. Depuis 1955, le Festival de Cannes a réuni un jury exigeant composé de A-listers pour conférer cet honneur à une section Compétition exclusive mettant en vedette certains des plus grands auteurs que le médium ait connus.



Initialement connu sous le nom de Grand Prix, la palme d'or chatoyante a joué un rôle clé dans l'avancement des carrières, mais elle est tout aussi souvent tombée aux mains des vétérans de la forme, et en sept décennies, les jurys ont reconnu une gamme étonnante de réalisations cinématographiques. Mais certains de ces prix valaient mieux que d'autres.

Voici un aperçu de tous les gagnants de Palme au fil des ans, classés par ordre de ceux qui, selon nous, le méritaient le plus. Dans leur ensemble, les lauréats fournissent une étude complexe du cinéma international des 72 dernières années, et toute personne qui ne connaît pas ces titres devrait considérer la liste suivante comme un guide de visionnement essentiel.



71. “; Fahrenheit 9/11 ”; (2004)

Michael Moore à Cannes



Laurent Rebours / AP / REX / Shutterstock

Les récompenses pour le documentaire de 2004 de Michael Moore sont nombreuses: une ovation qui aurait duré 20 minutes à Cannes, le plus haut box-office de tous les temps pour un doc, Moore premier (et, jusqu'à présent, seulement) Palme d'or ou gagner . Et pourtant, cela ne veut pas dire qu'il est imperméable à la critique ou qu'il a même résisté dans les 15 ans depuis son arrivée sur la Croisette. À la fois servile et slapdash, ce qui semblait autrefois urgent et troublant joue maintenant comme l'agitprop sans beaucoup d'ancrage. Se glissant entre la tragédie du 11 septembre, le dossier militaire de George W. Bush et une métaphore étendue sur la combustion du papier, c'est un film qui montre la tendance de Moore à une métaphore franche, sans apparemment aucune retenue. Moore lui-même est revenu du film avec un travail meilleur, plus serré et plus raffiné, y compris l’année dernière, Fahrenheit 11/9, ”; qui sert un peu de correction de cap à son prédécesseur. —KE

70. “; Le monde silencieux ”; (1956)

Premier récipiendaire du film Palme, et l'un des deux lauréats du documentaire, Jacques Cousteau raconte ses études océaniques sur le Calypso, pionnier de la photographie couleur sous-marine. Co-réalisé par Louis Malle (présageant ses documentaires ultérieurs), il reste un film visuellement fort alors même que son contenu semble désormais familier. À l'époque, c'était révélateur pour le public. Columbia l'a sorti en salles aux États-Unis et a également remporté l'Oscar du meilleur long métrage documentaire. Vu aujourd'hui, cependant, il n'a pas bien vieilli: la narration a une qualité naïve et le cinéma souffre d'un sens parfois inconfortable de l'insouciance environnementale. —TB

69. “; Gardien des promesses ”; (1962)

François Truffaut était l'un des jurés de l'année où cette obscure fable religieuse brésilienne a gagné. Il est survenu l’année après que la comédie hérétique de Bunuel «Viridiana» eut égalité pour le prix. Ce conte beaucoup plus didactique, basé sur une pièce de théâtre et un dialogue chargé de haut (filmé en grande partie sur les marches d'une église où un paysan tente de faire une offrande). Le conflit survient lorsque la redoutable hiérarchie cléricale craint que ses efforts soient entachés de vaudou. C'est à peu près comme un étrange vainqueur de Palme dans l'histoire. C'était un nominé aux Oscars en langue étrangère, mais même avec la double distinction, il n'a pas été publié aux États-Unis, puis à peine, jusqu'en 1964. La même période a vu la naissance du cinéma brésilien Cinema Nuovo, l'une des plus importantes nouvelles vagues nationales. des années 60. Il reste le seul lauréat brésilien et le seul des films de Duarte à avoir été largement exposé à l'étranger. —TB

68. “; Moi, Daniel Blake ”; (2016)

«Moi, Daniel Blake»

Le réalisateur anglais Ken Loach a remporté sa deuxième Palme d'or après «Le vent qui secoue l'orge» avec son dramatique épisode d'évier de cuisine de 2016 «Moi, Daniel Blake». Raconté avec la facticité de Loach, le film se concentre sur l'histoire d'un survivant d'une crise cardiaque âgé de 59 ans luttant pour recevoir un soutien financier du système de bien-être de l'Angleterre. Le sujet est presque trop sombre. Le script de Loach reste sur un ton oppressant, offrant de petits moments de légèreté ou de surprise à ceux qui veulent endurer ses détails punitifs. Seules les deux performances que Loach obtient de Dave Johns et Haley Squires élèvent le ton autrement sombre. Squires en particulier offre un travail inoubliable en tant que mère célibataire qui se lie d'amitié avec le personnage principal. Le script de Loach oblige les deux acteurs à traverser une essoreuse émotionnelle, et c'est la façon dont ils sortent de l'autre côté avec l'humanité intacte qui fait que «moi, Daniel Blake» franchit la ligne d'arrivée comme un drame percutant, même s'il ne peut pas rivaliser avec le meilleur de Cannes. gras de polyoxyéthylène

67. “; La chambre du fils ”; (2001)

'La chambre du fils'

'“; La chambre du fils ”; pourrait être digne d'une Palme d'or, mais ce n'était certainement pas digne de la Palme d'or ou en 2001, lorsque le drame sombre de Nanni Moretti a remporté une victoire sur une gamme de classiques instantanés comme “; Mulholland Drive, ” ; “; Millennium Mambo, ”; et “; l'homme qui n'était pas là ”; (et cela ne fait que compter les films de la compétition qui ont commencé par la lettre “; M ”;). À partir de ce moment, ce petit film douloureux était voué à une éternité de classement vers le bas de listes comme celle-ci. Et c'est probablement là où il appartient.

Quoi qu'il en soit, remporter un prix qu'il ne méritait pas (du tout) est le pire péché que " La Chambre du Fils ”; s'engage. Un long métrage publicitaire de Brian Eno qui se cache dans un portrait tendre et méditatif d'une famille brisée essayant de se rassembler, le film de Moretti ne pourrait pas être beaucoup plus simple: l'écrivain-réalisateur joue le rôle d'un thérapeute dont la vie est faussée par chagrin lorsque son fils de 17 ans se noie. Finalement, après beaucoup de conflits domestiques et de réflexions internes, Giovanni et sa femme (Laura Morante) entrent en contact avec la petite amie de leur défunt fils, et la contraignent à les aider à surmonter leur perte - un processus qui implique naturellement d'écouter Eno ’; s “; Par cette rivière ”; (peut-être la chanson la plus désolée jamais écrite) encore et encore et encore. “; La chambre du fils ”; n'est peut-être pas le film le plus innovant ou le plus ambitieux à être présenté en avant-première sur la Croisette (en fait, il peut être l'un des moins), mais il comprend les terribles frémissements du chagrin, et s'attaque de manière convaincante à la douloureuse prise de conscience que perdre quelqu'un signifie ne jamais les obtenir retour. —DE

66. “; Dheepan ”; (2015)

'Dheepan'

Considérée par certains comme une victoire pour Jacques Audiard, qui avait déjà remporté deux prix majeurs au festival (Meilleur scénario pour 'A Self Made Hero' et Grand Prix pour 'A Prophet'), la victoire de 'Dheepan' n'était pas ' t particulièrement inspiré. 2015 a également été l'année de la création de «Son of Saul», «The Assassin», «Carol» et «The Lobster», et même si personne n'a laissé la Croisette les mains vides, il était difficile, même à l'époque, de ne pas avoir envie de ils avaient été ratés. 'Dheepan' a certainement ses moments, de ses cartes de titre frappantes à la performance d'Antonythasan Jesuthasan dans le rôle-titre, mais son troisième acte violent et d'action-film semble tiré d'un autre film moins important. —MN

65. “; Le vent qui secoue l'orge ”; (2006)

Le réalisateur britannique Ken Loach pose avec le Palme D’or Award qu’il a remporté pour son film «Le vent qui secoue l’orge»

Christophe Karaba / EPA / REX / Shutterstock

Le premier et le plus méritant des deux vainqueurs de la Palme d’Or de Ken Loach, «Le vent qui secoue l’orge» n’est toujours pas un chronomètre. Cillian Murphy et Pádraic Delaney jouent le rôle de deux frères qui rejoignent l'IRA pour se battre pour l'indépendance irlandaise en 1920, Loach réalisant à partir d'un scénario du collaborateur fréquent Paul Laverty; comme la plupart des projets récents du cinéaste, ce drame de guerre est bien monté mais sans l’esprit qui a rendu les goûts de «Kes» si convaincants. Cela ne l'a pas empêché de continuer à être un favori à Cannes - il y a présenté une douzaine de films et, en plus de ces deux Palmes, a en quelque sorte remporté le prix du jury pour 'The Angels 'Share' - et, même si 'The Wind That Shakes the Barley »n'est pas sa meilleure heure, il est difficile de lui en vouloir. —MN

64. “; Le tambour en étain ”; (1979)

Volker Schlöndorff ’; s “; The Tin Drum ”; en quelque sorte réussi à lier «Apocalypse Now» pour remporter le plus grand honneur du monde du film sur «Days of Heaven» et rdquo; et “; Ma brillante carrière ”; (et vous pensiez que “; Crash ”; battre “; Brokeback Mountain ”; était une honte). Adapté de Günter Grass ’; roman allégorique du même nom, l'épopée fable-esque de Schlöndorff raconte l'histoire décousue d'un jeune garçon blond nommé Oskar Matzerath (David Bennent), un tyke à l'apparence de Joffrey Baratheon qui a donné un tambour en fer-blanc pour son troisième anniversaire, et puis jure de ne jamais vieillir.

Nous sommes en 1927, le monde essaie de rétablir une sorte de rythme entre les guerres, et le petit Oskar n'a aucun intérêt à jouer un rôle dans les atrocités sur le point de se produire; ce petit fauteur de troubles insupportable - un remplaçant pour tous les Allemands qui ont creusé la tête dans le sable - veut juste se cogner sur le tambour et crier au sommet de ses poumons chaque fois qu'il devient grincheux (ses cris perçants ont le pouvoir de se briser verre). Bennent, qui avait 12 ans au moment du tournage, offre une performance puissante et non diluée qui pénètre sous votre peau et y reste pendant près de trois heures, mais le récit picaresque ne parvient pas à trouver un rythme régulier, et même ses épisodes les plus troublants skitter le long de la surface des idées présentées dans Grass ’; livre. Oskar ne vieillira peut-être jamais, mais son film le fait. —DE

63. “; L'enfant ”; (2005)

Cannes aime peu de cinéastes comme les frères Dardennes, qui ont rejoint le double club de la Palme d'Or avec 'The Child' en 2005. (Ils l'avaient précédemment remporté pour 'Rosetta' en 1999 et remporteraient le prix du meilleur scénario pour «Lorna's Silence» et le Grand Prix de «The Kid with a Bike».) Autre exemple de leur affinité pour le réalisme discret en se concentrant sur les opprimés, il fait suite aux tentatives timides d'un jeune couple hors de leur profondeur une existence après avoir eu un fils - que, dans son infinie sagesse, le père (collaborateur fréquent de Dardenne Jérémie Renier) revend à un ring d'adoption du marché noir. La plupart des films de frères et sœurs cinématographiques opèrent dans ce domaine, mais peu sont aussi émouvants - ou méritent leurs lauriers cannois. —MN

62. “; Marty ”; (1955)

Vainqueur de la toute première Palme d'or, Delbert Mann ”; Marty ”; semble être une chose trop modeste pour mériter l'un de ces prix, sans parler des deux. L'histoire d'un boucher du Bronx (Ernest Borgnine) qui s'est résigné à une vie de célibataire - une condition honteuse à cette époque - le film suit essentiellement son caractère de titre détestable alors qu'il cherche une fille comme “; pathétique ” ; comme il est, puis essaie de ne pas laisser celui qu'il trouve (Betsy Blair) glisser entre ses doigts.

'Marty'

Raconté avec l'austérité d'un drame Ozu et la tristesse de coller-votre-visage-dans-la-boue de “; Make Way for Tomorrow, ”; “; Marty ”; est une histoire d'amour au cœur solitaire qui semble beaucoup plus grande qu'il n'y paraît à la surface, en particulier une fois que la mère du héros (Esther Minciotti) arrive au premier plan et que vous vous rendez compte du peu qu'elle a pour garder les choses ensemble. Les personnages du scénario de Paddy Chayefsky sont des produits de leur temps (un moment, dans lequel Marty blague son rendez-vous pour un baiser de bonne nuit, pourrait être particulièrement difficile à avaler pour les téléspectateurs modernes), mais il y a une intemporalité palpable à leurs yens et à leurs aspirations , et le soliloque culminant de Marty transmet un univers de désir humain en quelques phrases courtes. En d'autres termes, le film de Mann a encore plus à offrir que d'être une réponse fatidique dans “; Quiz Show. ”; —DE

61. “; Persuasion amicale ”; (1957)

Dans le drame de William Wyler de 1956 basé sur le roman de Jessamyn West de 1945, la foi et le pacifisme d'une famille Quaker pacifique, dirigée par Gary Cooper, sont mis à l'épreuve pendant la guerre civile. Dorothy McGuire et Anthony Perkins complètent le casting vedette d'un film sur une famille qui lutte pour maintenir son identité au milieu de la confusion et du chagrin en temps de guerre. Des performances triomphantes, magnifiquement tournées aux côtés d'une excellente partition de Dimitri Tiomkin, renforcent cette histoire chaleureuse et charmante qui montre que, lorsqu'il s'agit de ce qui est au cœur de la famille, il n'y a vraiment pas de grand fossé entre le présent et le Il y a 150 ans. Le film n'est peut-être pas la réalisation cinématographique la plus aventureuse de l'histoire des lauréats de la Palme d'Or, mais il a été nominé pour six Oscars, dont celui du meilleur film, du meilleur réalisateur et du meilleur acteur dans un second rôle.

60. “; Les meilleures intentions ”; (1992)

Le Suédois Bille August a remporté la Palme d’Or à deux reprises. Ingmar Bergman n'a jamais fait de film, bien qu'il ait reçu une Palme spéciale en tant que meilleur réalisateur vivant à n'avoir jamais gagné lors du 50e anniversaire du festival. Ce long métrage de trois heures d'une mini-série télévisée plus longue (similaire à 'Fanny et Alexander' de Bergman, qui existe dans les deux versions) suit l'histoire de ce film de son enfance avec un regard quelque peu spéculatif sur la relation de ses parents. Sur la base du scénario de Bergman (il a choisi le réalisateur), sa femme Pernilla (une ancienne star de Bergman) a remporté le prix de la meilleure actrice. Max von Sydow a également joué. Il a reçu des éloges critiques moins que unanimes, certainement beaucoup moins que «Fanny» ou «Pelle» en août. Sa sortie américaine l'a classée parmi les 10 meilleures sorties sous-titrées de 1992, mais avec seulement une fraction de ce que «Fanny» a fait aussi bien en dessous. «Pelle». Août a suivi avec une série de films de prestige de plus en plus conventionnelle (dont «La maison des esprits» et les «Misérables» non musicaux de 1998, récemment moins vus en dehors de la Suède. —TB

59. “; Pelle le Conquérant ”; (1988)

Le réalisateur suédois Bille August a co-écrit et réalisé cette épopée radicale du milieu du XIXe siècle, qui présente une certaine similitude avec les succès des années 70 très appréciés de Jan Troell 'The Emigrants' et 'The New Land', avec également Max Von Sydow. Cette fois, le vétéran d'Ingmar Bergman joue le rôle d'un vieil homme suédois plus pauvre qui émigre au Danemark promettant à son jeune fils Pelle (Pelle Hvenegaard) une vie meilleure. Au lieu de cela, ils trouvent la servitude envers un fermier brutal (Axel Strøbye), qui abrite ses nouveaux travailleurs dans son poulailler. Après de terribles mauvais traitements, Pelle s'adapte, apprend le danois et trouve son chemin, tandis que son père vieillissant Lasse trouve l'amour avec une femme seule dont le mari disparu, malheureusement, revient après des années en mer. La production à plus gros budget de la Scandinavie (4,5 millions de dollars), coproduite par le Danemark et la Suède et tournée par le directeur de la photographie Jorgen Persson, a remporté la Palme d’Or 1988, les critiques des critiques et l'Oscar en langue étrangère pour le Danemark. «Pelle le Conquérant» a été choisi pour être distribué dans le monde entier; grâce à une campagne marketing efficace de Miramax (il a rapporté 2 millions de dollars en Amérique du Nord), Von Sydow a obtenu sa première nomination aux Oscars du meilleur acteur pour sa performance déchirante en tant qu'homme brisé qui, à la fin du film, ne peut pas faire face à l'émigration à nouveau lui-même, mais envoie son fils vers l'Amérique.

58. “; Le bleu est la couleur la plus chaude ”; (2013)

'Le bleu est la couleur la plus chaude'

Seul film de cette liste à partager la plus haute distinction avec ses stars, la romance de trois heures d'Abdellatif Kechiche a suscité des sorties à Cannes avant de remporter la Palme d'or - ou - a divisé trois voies entre le réalisateur et ses deux actrices principales. Basé sur un roman graphique, le film est un conte de passage à l'âge adulte sur une jeune enseignante nommée Adele (Adele Exarchopoulos), qui se retrouve immédiatement attirée par la lothario aux cheveux bleus Emma (Lea Seydoux). La salle s'arrête quand ils se regardent dans un club bondé, et ils commencent une aventure alimentée par la luxure qui se traduit par trois scènes de sexe épiques. Bien que la longueur excessive (et les acrobaties) des scènes de la chambre à coucher aient soulevé des sourcils, elles ne sont étonnamment pas aussi longues qu'elles le ressentent. Mais ce ne sont pas seulement les scènes de sexe qui sont longues: l'engagement de Kechiche envers le réalisme s'étend à de longs plans d'Adele mangeant des spaghettis, enseignant aux jeunes enfants et se douchant. Pourtant, même avec la controverse entourant le film, nous ne jetterions pas “; Le bleu est la couleur la plus chaude ”; hors du lit. —KE

57. “; La Mission ”; (1986)

Deux ans après avoir fait ses débuts de bon augure avec «The Killing Fields», Roland Joffé a évité le marasme en deuxième année (puis certains) en remportant la Palme d’Or. Robert De Niro et Jeremy Irons l'ont aidé dans cette mission en tant que mercenaire et prêtre jésuite, respectivement, en Amérique du Sud au XVIIIe siècle, dont les tentatives de répandre la bonne parole ne sont pas exactement bien accueillies par leurs hôtes potentiels. (Si cela ressemble à 'Silence' de Martin Scorsese, c'est - et ces deux films feraient tout à fait le double long métrage.) Leur quête n'est pas facile, édifiante, ou même réussie, mais elle sert de rappel de à quel point les questions de foi et de spiritualité peuvent être puissantes lorsqu'elles sont traitées correctement - quelque chose qui fait cruellement défaut dans la plupart des drames religieux. À travers tout cela, ils essaient de se souvenir d'un passage clé de la Bible: «La lumière brille dans les ténèbres, et les ténèbres ne l'ont pas vaincue.» —MN

56. “; Les oiseaux, les abeilles, les Italiens ”; (1966)

«Signore e Signori» était son titre italien, mais le titre anglais (utilisé pour sa sortie américaine via Warner Bros.) donne le ton de cette comédie en trois parties d'épisodes sans rapport. Les films Omnibus Continental étaient courants dans les années 50 et 60, mais généralement avec un producteur utilisant plusieurs réalisateurs dans un effort lié au thème. Dans ce cas, le réalisateur Pietro Germi, après 'Divorce, style italien' et 'Séduit et abandonné' (il a partagé un Oscar pour avoir écrit le premier), ce fut un tour de victoire à une époque où il n'était deuxième que Fellini parmi les réalisateurs italiens en popularité aux États-Unis Le film, avec des histoires d'adultère, d'impuissance et une séductrice mineure, a partagé la Palme avec 'Un homme et une femme' de Claude Lelouch. Les deux films - visionnés un demi-siècle plus tard - servent d'exemples de choix de ce a fait appel au public national sur le cinéma européen à cette époque. —TB

55. “; La classe ”; (2008)

Le rare “; film scolaire ”; qui ne jette pas son caractère d'enseignant central comme un optimiste aux yeux de coq ou un disciplinaire fou de règles, l'adaptation de Laurent Cantent à François Bégaudeau (qui joue également dans le film) roman semi-autobiographique sur ses propres expériences d'enseignement consiste à trouver les nuances entre les choses (et les personnes). Peut-être que les parents de Cantent - tous les deux des enseignants - doivent être remerciés, ou la distribution de la plupart des non-acteurs, ou le script de Cantent à roues libres et lourd d'improvisation. Que ni Cantent ni Bégaudeau n'aient été précieux avec la matière est clair, et le résultat est un film vécu qui réinvente tranquillement le sous-genre (un incontournable français) en l'explorant avec réalisme et affection. Les enfants qui complètent le reste de la distribution - des adolescents réels, quelle idée! - se tailler des espaces uniques et, comme son professeur, ne jamais céder à la convention ou au trope. C'est pourquoi Cantent est en mesure d'explorer facilement de plus grandes questions, en s'efforçant de réaliser un film sur les différences qui se manifestent souvent dans un cadre éducatif - de l'intellectuel à l'économique - sans toucher personne par dessus la tête avec elles. Se déroulant sur une année, le film parfois sinueux suit des vies changeantes au fur et à mesure que le calendrier avance, et lorsque l'école est finie pour l'été, il est difficile de ne pas se sentir un peu mélancolique pour tout ce qui a précédé. —KE

54. “; La classe ouvrière va au paradis ”; / “; L'affaire Mattei ”; (1972)

Un cas rare d'une année avec des co-gagnants qui feraient également un double répertoire parfait. Tous deux italiens, mettant en vedette Gian Maria Volonte, tous deux épousant des thèmes de gauche, ils sont une capsule temporelle d'une sorte de cinéma européen du début des années 1970. Tous deux venaient d'éminents réalisateurs établis - Petri, d'un milieu plus traditionnel / genre, venait de remporter l'Oscar de la langue étrangère pour «Investigation of a Citizen Above Suspicion», et Rosi a atteint une place de choix au début des années 1960 pour «Salvatore Giuliano». Mattei Affair »était un exemple typique de ce que« Giuliano »a aidé à établir comme une sorte de biofilm. Soit directement en prenant une figure historique, soit en présentant une représentation à peine voilée, il présentait une figure luttant contre la corruption (souvent au gouvernement, mais aussi dans les entreprises et la mafia). 'Z' juste avant, 'Stavisky' d'Alain Resnais sont d'autres exemples de ce que le BFI dans sa rétrospective des films de Rosi a appelé 'cine-investigation', des films qui ont révélé le crime et l'injustice, généralement dans les plus hauts rangs de la société. «Mattei» parlait d'un fonctionnaire du gouvernement qui a contesté l'oligarchie pétrolière italienne, puis est décédé dans un mystérieux accident d'avion avec des accusations que le gouvernement britannique a complotées.

Il se classe aujourd'hui en dessous des meilleurs films de Rosi, qui, avec «Giuliano», incluent «Hands Over the City», puis plus tard «Christ Stopped at Eboli» et «Three Brothers». Il a été publié aux États-Unis par Paramount (il s'agissait de moments différents). à un impact minimal. (Le prochain film de Rosi, 'Lucky Luciano' avec Rod Steiger en tant que légende de la mafia avait un post beaucoup plus large 'The Godfather'.) Quoi qu'il en soit, il était plus important que la version minimale accordée à 'Working Class' (titre américain : «Lulu the Tool») par le New Line Cinema, récemment formé et souvent politique. Lulu est un travailleur dans une usine, aimé par ses patrons pour sa productivité et ne se balançant pas au bateau. Ses collègues ne l'aiment pas. Quand il perd un doigt dans un accident, sa vie commence à s'effilocher et il commence à s'aliéner du monde. Ce fut le film intermédiaire de la soi-disant «trilogie de la névrose» de Petri («Investigation» fut le premier). Ici, non seulement les propriétaires mais aussi ses collègues sont des cibles de cynisme, en mettant l'accent sur un personnage masculin sympathique qui a perdu ses repères (le film ressemble à un modèle pour la série de films de Lina Wertmueller un peu moins politique peu de temps après avec Giancarlo Giannini). 'Mattei' et 'Working Class' se sentent comme des capsules temporelles d'une époque révolue, avec un attrait local particulièrement fort (les deux étaient des succès majeurs en Italie) - ils sont politiques, énervés, en colère et rappellent une sorte de cinéma qui s'épanouit brièvement mais manque d'une qualité d'intemporalité. —TB

53. “; Le ruban blanc ”; (2009)

«Le ruban blanc»

Michael Haneke aime pousser les boutons de son public, et il l'a certainement encore fait avec ce drame d'époque en noir et blanc qui parle subtextuellement de la montée du nazisme. Situé à la veille de l'assassinat de l'archiduc Ferdinand en 1914 dans la petite ville d'Eichwald, dans le nord de l'Allemagne, “; le ruban blanc ”; suit plusieurs familles différentes qui ne réalisent pas que leur existence est sur le point d'être brisée à jamais. Une grande partie du film concerne les enfants, présentés comme des cousins ​​Bösekinder des tykes inhumains dans “; Village des Damnés. ”; L'implication? Il s'agit de la génération nazie sous forme proto; ils vont grandir et diriger toutes les horreurs qui vont suivre. Le jury du Concours de Cannes a constaté que la lecture des origines du fascisme était profonde. Que ce soit vraiment discutable; ce qui n'est pas discutable, c'est que la cinématographie du film est extraordinairement atmosphérique, comme un exercice des derniers jours dans l'expressionnisme allemand, des ombres inquiétantes projetées à partir de feuilles fouettées par le vent et tout. L'effroi se déverse de chaque image, faisant du film de Haneke une expérience viscérale, même si l'on souhaite que ce soit aussi stimulant pour l'intellect. —CB

52. “; Adieu ma concubine ”; (1993)

Pendant un moment, quand Chen Kaige a fait une somptueuse épopée qui a battu les goûts de “; Naked ”; et “; The Puppetmaster ”; pour la Palme d'Or, ou en 1993, il semblait qu'il allait émerger comme la voix déterminante de la soi-disant & cinquième génération ”; des cinéastes chinois. Hélas, ce n'était pas censé être; Suivi de Chen, “; Temptress Moon, ”; a été souillé par des problèmes de production et des problèmes de censure, et il n'a pas encore complètement récupéré. Mais même si Chen avait réussi à développer le succès critique et commercial dont il jouissait avec son portrait épique dans les coulisses de l'Opéra de Pékin, “; Farewell My Concubine ”; serait probablement encore dans les mémoires comme le joyau de la couronne au sommet de sa carrière.

Comme pour de nombreux films de cinquième génération, “; Farewell My Concubine ”; est encadrée par le bouleversement de la Révolution culturelle, mais le chef-d'œuvre de Chen se distingue par la magnificence de son ampleur, le mélodrame de son histoire et le sens de ses chansons. S'étendant sur plus de 50 ans, le film suit deux personnages de l'enfance à la mort, alors qu'ils sont assignés à des rôles spécifiques dans une ancienne tradition et forcés de conserver leurs rôles alors que le monde se transforme autour d'eux (Leslie Cheung et Zhang Fengyi jouent les protagonistes en tant qu'adultes, alors que le grand Gong Li apparaît comme la courtisane tragique qui s'interpose entre eux, mais pas de la manière à laquelle vous pourriez vous attendre). Un témoignage somptueux et captivant du fait que le tumulte politique est la somme d'un milliard d'histoires personnelles, “; Farewell My Concubine ”; a été piraté par Harvey Weinstein pour sa sortie américaine, mais la coupe complète de 171 minutes - en grand besoin de restauration - s'envole dans un flash déchirant. —DE

51. “; L'anguille ”; (1997)

Le maître japonais Shohei Imamura a partagé la Palme avec Abbas Kiarostami ’; s “; Taste of Cherry ”; pour ce drame tendu sur les secondes chances. L'histoire tourne autour de Takuro (Koji Yakusho), un homme emprisonné pour avoir tué sa femme infidèle et forcé de reconstruire sa vie après sa libération de prison. Après avoir ouvert un salon de coiffure, il force un lien avec la déprimée Keiko (Miss Shimizu) et finit par être entraîné dans ses drames relationnels avec un prêteur local. Imamura était déjà une figure majeure de la nouvelle vague japonaise quand il livre cette incarnation absorbante de la colère et de la vulnérabilité qui couvent sous la surface de l'identité moderne de son pays, et c'est une introduction idéale à son travail - intime, criblé de morale ambiguïté, et sinistre à la faute, il parvient également à frapper une note poignante sur le désir de continuer même lorsque les perspectives semblent sombres. —EK

50. “; Épouvantail ”; (1973)

Le réalisateur Jerry Schatzberg a partagé la Palme de 1973 avec “; The Hireling ”; pour cette incarnation classique de la plus grande décennie du cinéma américain produit en studio. Le drame ambling trouve deux hommes capricieux (Al Pacino et Gene Hackman au sommet de leur attrait cinématographique) unissant leurs forces pour démarrer une entreprise alors qu'ils font un voyage malheureux pour renouer avec de vieux parents qui sont partis sans eux. Dans le processus, ils finissent en prison (pour le personnage de Hackman, une deuxième fois) et tentent de remettre leur vie sur les rails, avec des résultats mitigés. Mais ces efforts sont principalement un tremplin pour le premier film de copain vraiment moderne, car le couple développe une co-dépendance unique que leurs autres relations dans la vie ne pourraient jamais fournir. Avec le coup de poing un-deux de 1971, Panic in Needle Park ” et cette étude de caractère seriocomic saisissante, Schatzberg a prouvé qu'il était l'un des réalisateurs américains les plus impressionnants à émerger dans cette décennie révérée - et reste l'un des moins appréciés. —EK

49. “; Quand le père était absent pour affaires ”; (1985)

Emir Kusturica, un Serbe de Yougoslavie, n'avait fait qu'un seul long métrage avant d'être le vainqueur surprise de 1985. Il est le premier de ses deux récipiendaires de Palme («Underground» en 1995 est considéré comme son chef-d'œuvre). Bien qu'il ne soit pas autobiographique, il fait des nuances autobiographiques dans sa reconstitution de la Yougoslavie du début des années 50, et comment sa politique compliquée (y compris la rupture de Moscou) a affecté la vie d'un garçon de six ans. On lui dit que son père, en fait un prisonnier politique, voyage pour son travail. Cette longue histoire comprend un riche éventail de personnages surdimensionnés, une appréciation terreuse de leurs luttes et la capacité de faire face (similaire aux films tchèques précédents de la Nouvelle Vague; Kusturica a étudié le cinéma à Prague), et un amour passionné de son pays compliqué peu de temps avant la fin du communisme et sa descente dans la guerre civile. La clé de son succès est la sensibilité véhiculée du point de vue d'un petit garçon. Kusturica lui-même agit souvent et est également un artiste musical. Son expérience dans les deux domaines donne une couleur supplémentaire à ce film. —TB

48. “; The Square ”; (2017)

«La place»

Trois ans après ses débuts dans sa comédie noire dérangeante “; Force Majeure ”; au festival, le cinéaste suédois Ruben Östlund est revenu avec une nouvelle interprétation d'une autre institution qui avait besoin d'une brochette juste. Pendant que “; Force Majeure ”; a pris l'unité familiale et le concept de masculinité, “; The Square ”; a poursuivi le monde de l'art et a même offert des perspectives uniques sur la féminité moderne dans le processus. Principalement une envolée du marché de l'art contemporain et la propagation virale des médias sociaux, “; The Square ”; tamponne son humour scandaleux avec quelques performances sournoises, de Claes Bang à Elisabeth Moss. Pourtant, c'est l'art de la performance à plein régime de Terry Notary qui anime vraiment le film. Il est interprété ici comme Oleg, un homme qui agit comme un singe et parvient à faire ressentir à son public - à la fois dans le film et au théâtre - un spectre d'émotions terrifiant. C'est à cela que sert l'art - même à ses extrêmes les plus ridicules - et c'est là que Östlund continue de trouver ses propres moyens de se faire plaisir. —KE

47. “; Chroniques des années de feu ”; (1975)

«La bataille d'Alger» de Gillo Pontecorvo, un chef-d'œuvre raconté du point de vue d'un étranger sur la guerre d'indépendance de ce pays contre la France, dépeint la lutte en milieu urbain. «Chronique des années de feu» a été réalisée par un Algérien, du point de vue arabe, environ 15 ans avant le début de la guerre en 1954. Ce long film de trois heures est conscient et intime dans sa représentation de ses personnages et une bonne introduction historique au sujet, mais il manque la portée cinématographique réalisée par l'Egyptien Yuossef Chahine, le maître du cinéma africain de Sarahan. Le film a été menacé de mort lors de sa projection à Cannes, avec la colère des pieds-noirs - les citoyens européens d'Algérie quand elle était une province française - encore frémissante. Il n'a jamais reçu de sortie en salles aux États-Unis et reste peu connu ici à ce jour. —TB

46. “; Rosetta ”; (1999)

Les frères et sœurs auteurs belges Jean-Pierre et Luc Dardenne ont remporté leur premier des deux Palme d'Or pour cette œuvre phare du réalisme social, le genre qu'ils font mieux que quiconque de nos jours. L'histoire de la jeune adolescente titulaire (Émilie Dequenne, qui a remporté le prix de la meilleure actrice au festival) luttant à travers la vie dans un parc à roulottes avec sa mère alcoolique est une distillation des Dardennes ’; capacité à créer des représentations captivantes de la vie des classes inférieures grâce à des personnalités frappantes et au suspense à feu lent. La quête de Rosetta pour trouver un emploi dans un magasin de gaufres local, même au détriment de l'homme au cœur généreux qui y travaille, s'appuie sur une série d'incidents troublants dans lesquels l'histoire menace de se transformer en une saga criminelle gimmicky. Mais les Dardennes sont plus intelligentes que cela, et gardent le public accroché en faisant allusion à la possibilité que les frustrations de Rosetta sur l'environnement entourent des circonstances terribles même si elles gardent le drame enraciné dans son incertitude psychologique. La finale ambiguë n'est pas une fin assez heureuse, mais elle parvient à transmettre la vanité d'essayer de réparer un système cassé - vraiment, rien de ce que Rosetta fait ne peut changer sa situation - tout en faisant allusion aux perspectives de survivre à un autre jour grâce à la camaraderie. Le film montre à quel point les Dardennes ont pu créer leur propre version du néoréalisme en se basant sur les préoccupations belges contemporaines. Par-dessus tout, “; Rosetta ”; illustre les Dardennes ’; penchant pour la fusion de commentaires sociaux austères avec un suspense de premier ordre. Il s'agit d'un drame captivant de cinéastes qui excellent à transformer le naturalisme mopey en expériences viscérales intenses. —EK

45. “; Le Hireling ”; (1973)

Deux ans après la victoire de «The Go Between» de Joseph Losey à Cannes, une deuxième adaptation d’un roman sur l’amour illicite dans l’aristocratie des campagnes anglaises partage les plus grands honneurs (avec «The Scarecrow»). Réalisé par Alan Bridges, précédemment connu pour la réalisation de pièces diffusées sur la BBC, celui-ci avait pour vedette Robert Shaw en tant que chauffeur qui s'implique avec Sarah Miles comme son riche employeur. Il ne s'agit pas de «conduire Miss Daisy», mais plutôt d'une étude critique de la façon dont les perspectives biaisées par les différences de classe peuvent entraîner des dommages et des blessures. Cela a eu beaucoup moins d'impact que le film précédent de Losey, bien que les deux aient reçu une sortie nationale via Columbia. Les ponts ont continué principalement avec le travail de télévision, bien que son plus tard 'Le retour du soldat' et 'The Shooting Party' ait reçu une attention modeste la décennie suivante. —TB

44. “; Le talent et comment l'obtenir ”; (1965)

Le suivi de Richard Lester du classique des Beatles «A Hard Day’s Night» est une autre valentine cinétique et burlesque des années 60 swingantes. Cette comédie en noir et blanc aux manières romantiques adaptée par Lester et Charles Wood de la pièce Ann Jellicoe déploie un chœur de Londoniens plus âgés et colorés pour commenter les mœurs sexuelles des jeunes, incarnées par le batteur hipster Tolen (Ray Brooks). Il a «le talent» d'atterrir des filles, contrairement à Colin (Michael Crawford), instituteur moins doué et moins expérimenté. Afin d'apprendre du maître, Colin s'installe avec Tolen pour observer ses techniques de séduction de première main. Alors qu'il acquiert un plus grand lit à baldaquin, il rencontre Nancy, une gamine timide et souriante du pays à la recherche de la YWCA (Rita Tushingham), qui l'aide à ramener le lit dans le bachelor pad, où Colin ne veut pas partager elle avec son copain. Des malentendus s'ensuivent lorsque Nancy s'évanouit et pense qu'elle a été violée par Tolen. Lester a non seulement ses acteurs qui s'adressent à la caméra, mais utilise des techniques d'édition disjonctives, des sous-titres amusants et une partition jazzy de John Barry. (Jane Birkin, Charlotte Rampling et Jacqueline Bisset ont toutes lancé de longues carrières avec ce film.) Le film a marqué six nominations aux BAFTA après sa surprise Palme d’or à Cannes.

43. “; Secrets & Lies ”; (1996)

«Secrets & Lies»

Marianne Jean-Baptiste, classique du drame familial enchevêtré de Mike Leigh, incarne une jeune optométriste noire qui, après la mort de ses parents adoptifs, décide de retrouver sa mère biologique, qu'elle découvre être une femme blanche (Brenda Blethyn). Le chaos qu'est la vie de famille de la mère fournit beaucoup de fourrage pour le drame. Comme pour chaque œuvre de Mike Leigh, le jeu est de premier ordre, grâce en grande partie aux méthodes du cinéaste - il a travaillé le script pendant plusieurs longues périodes de répétition avec le casting qui a duré des mois. Les résultats incluent des performances très crédibles, car les acteurs ont aidé à créer les personnages. Et la photographie sans cérémonie du directeur de la photographie Dick Pope souligne l’esthétique docu-dramatique du film. Marianne Jean-Baptiste a reçu une nomination aux Oscars pour la meilleure actrice de soutien, ce qui en fait la première actrice britannique noire à être nominée pour un Oscar.

42. “; Un homme et une femme ”; (1966)

Du réalisateur Claude Lelouch vient ce classique de 1966 - un film tendre et visuellement émouvant d'amour rajeunissant entre une veuve et un veuf: un conducteur de voiture de course (Jean-Louis Trinignant) et une scénariste de film (Anouk Aimee) partagent une romance candide, tout en équilibrant les exigences de la carrière et de la parentalité. C'est un regard touchant et réaliste sur une romance adulte en plein essor, chaque participant étant encombré par une tragédie passée, les obligeant à procéder délicatement. Le film est également célèbre pour la magnifique partition évanouissante de Francis Lai. Gagnant des Oscars du meilleur film en langue étrangère et du meilleur scénario original, c'est probablement l'une des plus belles histoires d'amour jamais capturées à l'écran. Une suite inférieure, 'Un homme et une femme: 20 ans plus tard' est sortie en 1986, et Lelouch prévoit de terminer ce qui sera effectivement une trilogie, avec un troisième film en avant-première à Cannes 2019.

41. “; La longue absence ”; (1961)

Ironiquement, étant donné l’impact du mouvement en France, aucun réalisateur français de la Nouvelle Vague n’a jamais remporté la Palme d’or. Bien que le mouvement atteigne son apogée en 1961, un premier film d'Henri Colpi, également français, partage le prix (avec «Viridiana» de Bunuel), dont le film ne fait pas partie du mouvement. Colpi était un éditeur (il a coupé 'Hiroshima, mon amour' de Resnais et a continué dans le métier à certains moments pour le reste de sa carrière). Malgré cette première victoire, lui et ce film restent peu connus, du moins hors de France. Vu aujourd'hui, il ressemble davantage à un film de la «Tradition de qualité» dans le film français que Truffaut a dénoncé en 1954. Alida Valli a dirigé seul un bistrot de banlieue parisienne depuis que son mari n'est pas revenu d'un camp de prisonniers de guerre de la Seconde Guerre mondiale. Un clochard amnésique qui lui ressemble apparaît, avec sa véritable identité peu claire. Le film rappelle les drames français des années 30 et 40, de réalisateurs comme Carne, Pagnol, Duvivier et d'autres qui représentaient un artisanat et un récit plus conventionnels et un style moins personnel. (La critique favorable de Bosley Crowther dans le New York Times commence par la féliciter d'être différente des films français récents.) Séparée de son contexte, il s'agit d'une histoire pleine de moments agréables à revendre. —TB

40. “; L'arbre des sabots en bois ”; (1978)

“; L'arbre des sabots en bois ”; est un triomphe du naturalisme comme presque rien d'autre au cinéma, et cela ressemble à l'état final du néoréalisme italien - qu'après l'épopée d'Ermanno Olmi, il n'y a tout simplement plus à aller dans la forme. Olmi raconte cette histoire de trois heures de quatre familles vivant et travaillant dans une immense ferme communale à Bergame, en Italie, au tournant du XXe siècle. Elle est entièrement animée par des non-acteurs locaux s'exprimant dans le dialecte bergamasque. La plupart du film n'est que des vignettes de la vie à la ferme: des personnages chantant tout en taillant du maïs, assistant à la messe, traitant des retombées de l'envoi d'un fils à l'école au lieu de le faire travailler, passant par le processus élaboré d'abattage d'un porc (les animaux ont été blessés dans la réalisation de ce film). Pas étonnant que ce soit l'un des films préférés de Mike Leigh, et sur le Blu-Ray Criterion de " The Tree of Wooden Clogs ”; il se prononce sur ce qui est ajouté en demandant à des non-acteurs familiers de la vie agricole de faire des choses qu'ils connaissent bien. (Leigh plaisante sur la façon dont l'idée idiote d'apprendre à abattre un porc serait ludique.) La vie des travailleurs agricoles contraste avec celle des riches propriétaires terriens pour lesquels ils consacrent la plus grande partie de leur travail dans un une sorte de féodalisme moderne. Olmi trouve grâce dans leur travail et met des scènes de leur travail à Bach, tandis que les propriétaires terriens ’; les enfants jouent des rondos de Mozart à froufrous sur leur clavicorde. Parlez de devenir politique grâce au sous-texte. —CB

39. “; All That Jazz ”; (1980)

'Et tout ça'

Quelle tristesse que F / X ait massacré l'histoire de la vie de Bob Fosse dans une mini-série quand il l'a lui-même exposé si gracieusement il y a près de 40 ans. L'une des grandes comédies musicales originales que nous voyons rarement, le film reflète vaguement le '8 1/2' de Federico Fellini dans son récit vaguement autobiographique et légèrement fantastique d'un artiste égoïste et des femmes qui l'orbitent. Le film présente une performance fiévreusement charismatique de Roy Scheider en tant que remplaçant de Fosse Joe Gideon, ainsi que des légendes à part entière Jessica Lange et Ann Reinking. Le style singulier de Fosse et sa chorégraphie distinctive allaient toujours bien paraître sur le film, mais le fait qu'il ait écrit (avec David Alan King) et réalisé une pièce de mortalité aussi douloureusement intime n'est pas une mince affaire. —JD

38. “; M * A * S * H ​​* ”; (1970)

Il est encore difficile d'imaginer ce que cela a dû être de regarder le film de guerre de comédie irrévérencieux et non conventionnel de Robert Altman alors que le pays était plongé dans la destruction du Vietnam. C'était en partie une comédie aussi noire que le Dr. Strangelove, ”; mais avec une absurdité apolitique presque plus dangereuse. Le film épisodique était rempli de séquences comiques, comme lorsqu'un personnage, indolore, décide de se suicider pour une impuissance. L'équipe MASH organise une Dernière Cène pour administrer la pilule mortelle - avec la chanson “; Suicide is Pireless, ”; cela deviendrait le thème de l'émission de télévision à succès - ce qui n'est rien de plus qu'un plan élaboré pour le mettre à terre. L’utilisation expérimentale par Robert Altman de longs métrages remplis de personnages qui sont tous individuellement micro et menant des conversations variées semblait être un départ radical pour une comédie sortie en studio. Le vainqueur surprise de Palme d'Or deviendrait un succès surprise et un phénomène culturel encore plus importants. CO

37. “; Elephant ”; (2003)

'L'éléphant'

L’éléphant de Gus Van Sant, l’un des films les plus obsédants à avoir remporté la Palme d’Or, s’inspire du massacre de Columbine High School pour créer un portrait de l’Amérique en somnambule pour se diriger vers la tragédie. Le scénario de Van Sant consiste en un dialogue minimal, les acteurs improvisant une grande partie de leurs plaisanteries dans le couloir. L'effet donne à «Elephant» la sensation d'un documentaire, avec Harris Savides ’; caméra glissante créant un niveau d'insensé qui n'augmente en intensité claustrophobe qu'une fois les tirs commencés. 'Elephant', qui a remporté la Palme d'Or en 2003, est une histoire implacable de tragédie américaine que la plupart des Américains ne veulent pas accepter, il n'est donc pas étonnant que le film n'ait pas eu un impact similaire aux États-Unis comme à Cannes. gras de polyoxyéthylène

36. “; Missing ”; (1982)

Pendant un moment là-bas, personne ne faisait de thrillers politiques comme ceux de Costa-Gavras. Après avoir remporté le prix du jury pour 'Z' de 1969, il est revenu 13 ans plus tard avec 'Missing' pour remporter le grand prix. Dans une de ses meilleures performances (et la moins drôle), Jack Lemmon incarne Edmund Horman, dont le fils Charles a disparu (lire: assassiné) lors du coup d’État du Chili en 1973. Lemmon est rejoint par Sissy Spacek en tant que belle-fille de Horman, le film prenant une humeur de plus en plus désespérée et presque claustrophobe au fil du temps. C'est en partie grâce à une partition typiquement dense de Vangelis, pour ne rien dire de l'histoire vraie sur laquelle 'Missing' est basé, et Costa-Gavras condamne toutes les personnes impliquées dans le travestissement sans jamais les mentionner par leur nom. Pour ses efforts, il a remporté non seulement la Palme d’Or mais a également partagé un Academy Award pour le scénario du film avec le co-scénariste Donald E. Stewart; bien qu'il ait été célébré ailleurs, le film a été interdit au Chili. —MN

35. “; Le piano ”; (1993)

'Le piano'

Jan Chapman Prods / Miramax / Kobal / REX / Shutterstock

Lors de la première projection au Palais de Cannes du drame romantique de Jane Campion des années 1850, les critiques ont pleuré l'histoire d'un pianiste muet solitaire et malheureux (Holly Hunter), oscarisé, qui préfère un pionnier néo-zélandais rude mais tendre (Harvey Keitel) à son taciturne mari (Sam Neill). Vingt-trois ans plus tard, seule en tant que seule réalisatrice dans une mer de vainqueurs masculins de la Palme d’Or, Campion a été acclamée lors de la célébration du 70e anniversaire de Cannes. Aucune autre femme n'a remporté ce prix. Et Campion est l'une des cinq femmes à être nominée pour l'Oscar du meilleur réalisateur; elle a remporté la victoire (pour le scénario original) avec Hunter pour sa performance silencieuse émotionnelle et Anna Paquin en tant que jeune fille vigilante. Ce film inimitable et intime résiste au fil du temps et offre toujours un punch émotionnel.

34. “; Si … ”; (1969)

L'année suivant l'annulation de Cannes pour cause de manifestations étudiantes, il était tout naturel que la Palme d'Or soit décernée à un film sur une insurrection sanglante sur le terrain d'un campus. Drame furieux qui ose considérer les avantages de la violence révolutionnaire (et se termine par une fusillade à l'école justifiée dans laquelle les élèves commencent à ouvrir le feu sur leurs parents et leurs enseignants), le film s'appelle “; If …, ”; comme dans “; if … quiconque a fait cela aujourd'hui, cela ruinerait littéralement la carrière de chaque personne impliquée. ”;

30 saison rock 1

Mais Lindsay Anderson n'a jamais eu peur d'envoyer un coup de semonce à travers l'arc de la culture de l'établissement britannique, et la star Malcolm McDowell non plus, dont la performance en tant que sixième forme non-conformiste Mick Travis - un personnage qu'il reprendrait dans “; O Lucky Man ! ”; et “; Britannia Hospital - sert d'audition de long métrage pour le rôle qu'il jouerait dans “; A Clockwork Orange ”; trois ans plus tard. Au cours d'une année à Cannes, qui contenait également les goûts de “; Easy Rider ”; et “; Z, ”; “; Si … ”; était loin d'être le seul film à lancer une grenade au statu quo, mais la vision d'Anderson est si irréprochable et incendiaire qu'elle se démarque. Il est rare qu'un film transmette une menace directe d'une génération à l'autre, et “; Si ”; résonne comme une relique inébranlable d'une époque où le pop art n'avait pas peur de lancer une attaque directe contre les pouvoirs en place. —DE

33. “; L'éternité et un jour ”; (1998)

L'auteur grec Theo Angelopoulos était attendu depuis longtemps pour une Palme d'or ou avant de gagner en 1998, sortant triomphant d'une gamme de compétition plutôt dérisoire qui a été mise en évidence par des personnes comme “; The Hole, ”; “; Les idiots, ”; et “; Velvet Goldmine ”; (hélas, Roland Emmerich ’; s “; Godzilla ”; projeté Hors Compétition). Mais si “; Eternity and a Day ”; n'est pas tout à fait l'égal des chefs-d'œuvre antérieurs comme “; The Traveling Players ”; et “; L'étape suspendue de la cigogne, ”; Angelopoulos ’; la méditation poétique sur la mort et le sens est toujours l'œuvre touchante d'un cinéaste d'une rare réflexion; une promenade élégante et sinueuse à travers le brouillard de la mémoire qui traverse certaines des images les plus obsédantes du réalisateur avant d'atterrir sur un plan final qui divise la différence entre la vérité profonde et le non-sens saccharine.

Le regretté grand Bruno Ganz (doublé en grec) incarne un écrivain mourant de Thessalonique du nom d'Alexandros, dont les derniers jours font un détour soudain quand il se retrouve avec un jeune garçon albanais qui est victime de la traite à travers le pays. Ce volet de l'intrigue est noué avec les lamentations mélancoliques d'un vieil homme essayant de prendre la mesure de sa propre vie, et le tout prend un certain temps pour se frayer un chemin vers la fin (il s'avère que l'éternité et un jour est une jolie Longtemps). Si le rythme somnambulant et les épanouissements spirituels rappellent les dernières œuvres d'Andrei Tarkovsky, l'impératif moral du film ”; s “; plot ”; riffs sur Akira Kurosawa ’; s “; Ikiru, ”; une autre histoire à propos de quelqu'un qui cherche un but alors qu'il mélange ce serpent mortel. Mais comme tout grand film sur le sujet, Angelopoulos ’; le gagnant vous laissera chercher le vôtre. —DE

32. “; L'arbre de vie ”; (2011)

'L'arbre de la vie'

Un poème visuel raconté avec lumière. Il y a toujours un élément de spiritualité dans le travail de Terrence Malick, ainsi qu'une prise de conscience que l'existence humaine est une spécification du crépuscule dans la vaste étendue de l'univers. C'est un thème exploré de façon flagrante dans ce film - y compris des plans de coupe de scènes impliquant la création de l'univers - mais il s'exprime mieux dans les moments éphémères que Malick met en scène et trouve, tandis que le directeur de la photographie Emmanuel Lubezki poursuit la lumière, pour créer un portrait d'un famille dans une lutte sans fin entre la vie et la mort, la lumière et l'obscurité, la destruction et la grâce. 'The Tree of Life' présente une vision cosmique de la vie, de l'univers et de tout: peu de cinéastes auraient le culot de couper des dinosaures et du big bang à la vie d'une petite ville du Texas. Mais cette vision sans compromis est ce qui fait de «The Tree of Life» une expérience inébranlable. Certains critiques ont hué le film à Cannes, mais cela n’a pas empêché le jury de lui décerner la plus haute distinction. CO

31. “; Route ”; (1982)

Ce n'est pas un film parfait, mais s'il y en a sur cette liste qui mérite d'être mieux vu c'est Yılmaz Güney ’; s “; Yol. ”; L'histoire de sa fabrication en vaut la peine. Güney était un dissident politique qui, tout au long des années 1960, a contribué à rehausser le profil du cinéma turc comme aucun cinéaste avant lui - son film de 1970 “; Umut ”; (“; Hope ”;) a même été acclamé par Elia Kazan. Mais il a été emprisonné pendant la majeure partie des années 1970, d'abord après avoir été accusé d'avoir hébergé des radicaux étudiants, puis pour avoir prétendument tiré et tué un procureur. Il a continué à écrire des scénarios tout au long de son emprisonnement, en demandant à son collaborateur Serif Goren de faire le travail de mise en scène. En 1981, il s'est évadé de prison et s'est enfui pour s'exiler à Paris - encore une fois, il a fait Goren faire le travail de diriger réellement “; Yol. ”; Ce film est une histoire en triptyque de trois prisonniers en Turquie libérés pendant une semaine de congé. Une histoire suit les retrouvailles d'un condamné avec sa femme - il a été emprisonné pour un casse qui a causé la mort de son frère, et sa famille veut qu'il soit mort maintenant pour permettre que cela se produise. Un autre se concentre sur un condamné kurde qui revient dans sa famille et voit l'horrible oppression à laquelle ils sont confrontés de la part des militaires turcs - “; Yol ”; a été interdit en Turquie pour avoir inclus “; Kurdistan ”; comme titre d'emplacement à l'écran. Et le dernier et le plus puissant concerne le troisième prisonnier, qui, à sa sortie de prison, est confronté par sa famille au fait que sa femme a commis l'adultère alors qu'il était enfermé: ils lui demandent de retourner avec elle dans son village ancestral pour lui. pour commettre le meurtre d'honneur “; ”; d'elle. Il n'en veut pas, mais sent qu'il n'a pas d'autre choix. Ce qui se passe est inoubliable. —CB

30. “; Danseur dans le noir ”; (2000)

'Un danseur dans la nuit'

La provocatrice de Lars von Trier, la comédie musicale dramatique de 1964, met en vedette Björk dans le rôle de Selma, une immigrante tchèque qui travaille dans une usine rurale de l'État de Washington et est une mère célibataire qui perd la vue d'une maladie héréditaire. Pour protéger son fils de 10 ans du même sort, Selma économise avec diligence ses gains pour payer une opération nécessaire. La nuit, elle s'échappe dans un monde où “; rien de terrible ne se passe jamais, ”; répétition d'une production de «The Sound of Music» avec la meilleure amie Kathy (Catherine Deneuve). Mais quand un voisin (David Morse) trahit sa confiance, la vie de Selma se dénoue et les frontières entre réalité et fantaisie se brouillent. Peter Stormare et Joel Gray jouent également dans ce conte de fées tragique original. C’est le troisième film de la 'Golden Heart Trilogy' de von Trier; «Breaking the Waves» (1996) et «The Idiots» (1998) sont les deux autres. Le morceau «Ive Seen It All» de la partition - sorti sous l’album «Selmasongs» et écrit principalement par Björk - a été nominé pour un Academy Award de la meilleure chanson originale.

29. “; Sommeil d'hiver ”; (2014)

Nuri Bilge Ceylan pose avec son Palme d'Or Award pour 'Winter Sleep' à Cannes en 2014

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Certains gagnants de Palme semblent sortir de nulle part, tandis que d'autres sont précédés par l'auteur en question ramassant des prix plus petits en cours de route. «Winter Sleep» de Nuri Bilge Ceylan entre dans cette dernière catégorie - «Distant» avait déjà remporté le prix du meilleur acteur, «Three Monkeys» du meilleur réalisateur et «Once Upon a Time in Anatolia» a remporté le Grand Prix - mais cela ne signifie pas ce n'était pas digne. Méditation lente et magnifiquement tournée sur les inégalités de classe en Turquie et au-delà, elle a la sensation d'une fable sans être manifeste dans sa moralisation. Le cinéma de Ceylan est peut-être un goût acquis, mais il est aussi profondément satisfaisant. —MN

28. “; Sous le soleil de Satan ”; (1987)

Si vous n'avez jamais vu l'adaptation de Maurice Pialat au roman de Georges Bernanos, votre première question est probablement de savoir si elle est à la hauteur de ce titre. La réponse est un oui catégorique: Gérard Depardieu, dans l'une de ses meilleures performances, incarne un prêtre dévot dont le badinage avec une jeune meurtrière peut en fait être une forme de tentation satanique. Sa Palme d'Or, la première d'un film français en 20 ans, a été considérée comme un événement tel que le président d'alors François Mitterrand a écrit à Pialat une lettre de félicitations dans laquelle il disait que le film «montre la vitalité qui peut et doit caractériser Cinéma français. »Si vous ne connaissez Depardieu que pour ses bouffonneries les plus récentes, laissez« Sous le soleil de Satan »refondre complètement votre perception de lui - et, peut-être, le concept même de grâce divine. —MN

27. “; Homme de fer ”; (1981)

Le plus proche d'une suite parmi les gagnants de Palme, 'Man of Iron' a suivi 'Man of Marble' du réalisateur Andrzej Wajda dans son chantier naval de Gdansk et son personnage principal, le fils du héros du film précédent. Wajda est à juste titre célébré pour sa trilogie de films de tournage de la Seconde Guerre mondiale réalisés dans les années 1950 («A Generation», «Kanal» et «Ashes and Diamonds».) La montée du mouvement de solidarité l'a ramené à une renommée internationale avec ces deux films à quatre ans d'intervalle. 'Iron' était le plus anti-gouvernement d'entre eux, avec un dégel idéologique qui s'est développé pendant le tournage et a permis sa libération, bien qu'il ait été interdit peu de temps après. Son immédiateté est son plus grand atout, mais sa volonté de dépeindre les événements actuels avec rapidité le compromet par rapport à l'intemporalité des drames antérieurs de Wajda. La victoire de Cannes a été considérée en partie comme un coup de pouce pour Solidarité. —TB

26. “; Métro ”; (1995)

L'inventivité visuelle et la frénésie du réalisateur Emir Kusturica - qui ressemble souvent à Fellini sur adderall, accompagné d'une fanfare balkanique rauque - cette fois s'étend à l'histoire troublée de sa bien-aimée Yougoslavie, qui était dans une longue période de désintégration. “; Souterrain ”; est une farce ambitieuse de trois heures (il y avait une version de cinq heures pour la télévision) sur ce qui arrive à l'âme d'un pays et de son peuple vivant dans un état de guerre constant depuis 50 ans. Les rebondissements de l'intrigue sont aussi absurdes qu'inquiétants: Marko, un chef de file du parti communiste, garde ses amis cachés dans la cave, convaincus que la Gestapo fait toujours du porte-à-porte 15 ans après la fin de la guerre. Mais rien ne peut empêcher les personnages bruyants de Kusturica de boire, de se battre et de baiser. CO

25. “; Goût de cerise ”; (1997)

Vainqueur de la Palme d’Or à Cannes 1997, «Taste of Cherry» d’Abbas Kiarostami est l’un des gagnants les plus marquants du festival. Roger Ebert détestait le film, le qualifiant d '«atrocement ennuyeux», mais quelque chose au sujet de la patience de Kiarostami et du recoupement entre les gros plans et les vastes paysages crée un charme indéniable pour le spectateur. Le film met en vedette Homayoun Ershadi comme un homme traversant Téhéran à la recherche de quelqu'un pour accepter de l'enterrer sous un cerisier après qu'il se soit suicidé. L'approche place le personnage principal de Kiarostami sous une lentille microscopique tandis que le spectateur analyse ses mouvements pour trouver des réponses. Plus l'homme se focalise, plus «Taste of Cherry» invite les cinéphiles dans le dédale de réflexion de Kiarostami. gras de polyoxyéthylène

24. “; La ballade de Narayama ”; (1983)

Le réalisateur Shōhei Imamura a toujours été sous-estimé, à l'exception notable de Cannes, où deux de ses joyaux de fin de carrière ont remporté la Palme. Il y avait souvent une exubérance cinématographique et un jeu aux films précédents d'Imamura, mais dans cette histoire de la pratique japonaise du 19e siècle connue sous le nom d'ubasute - un parent âgé est transporté sur la montagne et laissé mourir à l'âge de 70 ans - il fait preuve d'une grande retenue. La caméra et la narration permettent des subtilités de la performance contre la beauté du paysage rural pour porter l'histoire. Sumiko Sakamoto donne une performance remarquablement discrète en tant que femme qui exclut son destin, mais doit trouver une épouse pour son fils aîné avant qu'il ne l'emmène sur la montagne. —CB

23. “; Sexe, mensonges et bande vidéo ”; (1989)

Le réalisateur américain Steven Soderbergh, à gauche, détient la Palme d'or qui lui a été décernée pour son film 'Sex, Lies and Videotapes' au 42e Festival International du Film de Cannes, France. À côté de lui est l'actrice Jane Fonda
Film Festival Cannes, Cannes, France

Gilbert Tourte / AP / REX / Shutterstock

Un premier long métrage remarquable de Steven Soderbergh, qui traite les thèmes du film de la sexualité et de l'obsession de l'humour incisif et de la sensualité. La dramatique érotique met en vedette James Spader dans le rôle de Graham, un ami d'université perdu depuis longtemps qui retourne en ville et dans la vie de John (Peter Gallagher), un playboy impliqué, sa sainte épouse Ann (Andie MacDowell) et sa soeur effrontée Cynthia (Laura San Giacomo). Chacune est progressivement attirée dans le réseau de sexe, de mensonges et de bandes vidéo de Graham, et est transformée. Spader a remporté le prix du meilleur acteur au Festival de Cannes pour sa performance exceptionnellement subtile et provocante dans un film bien exécuté qui présente des performances fascinantes à tous les niveaux. Soderbergh a été nominé pour un Academy Award pour son scénario.

22. “; Les grues volent ”; (1958)

Les trois premiers lauréats de la Palme d’Or étaient, à tous égards, incontestables: “; Marty, ”; le document de Jacques Cousteau “; The Silent World, ”; et “; Persuasion amicale. ”; Mais le quatrième vainqueur de la Palme d'Or est électrique et mérite d'être encore mieux connu des cinéphiles aujourd'hui: “; les grues volent ”; est une étude de caractère étonnamment subjective sur la vie des civils soviétiques subissant la destruction et la privation urbaines pendant la Seconde Guerre mondiale. À un moment donné, le viol du personnage féminin principal par un projet de dodger est juxtaposé à un assaut aérien allemand, un choix expressionniste en face à face pour associer le terrorisme personnel au terrorisme de bombes qui tombent, ce qui souligne les cicatrices psychologiques durables qui proviennent de tous les deux. Il s'agit d'un film profondément empathique dans lequel les émotions ne se perdent jamais dans ce qui est certaines des images en noir et blanc les plus voyantes jamais mises à l'écran, gracieuseté du maître réalisateur soviétique Mikhail Kalatozov et de son directeur de la photographie Sergei Urusevsky. Ils répéteraient les longs mouvements de suivi, le blocage naturaliste compliqué, les angles hollandais et les effets d'éclairage extrêmement contrastés de “; The Cranes Are Flying ”; dans deux suites tout aussi époustouflantes, quoique moins épanouissantes sur le plan émotionnel, le récit de survie en milieu sauvage “; Letter Never Sent ”; et révolutionnaire potboiler “; I Am Cuba. ”; —CB

21. “; Orphée noir ”; (1959)

Marcel Camus ’; Un classique vibrant de 1959 (également lauréat de l'Academy Award du meilleur film en langue étrangère) est basé sur Orpheus et Eurydice de la mythologie grecque, avec Rio de Janeiro, Brésil, pendant la saison du carnaval, en toile de fond. Orpheu (Breno Mello) tombe amoureux d'Eurydice (Marpessa Dawn), et le couple doit partir en fuite d'un tueur à gages habillé comme Death (Ademar Da Silva) et de la fiancée vengeance d'Orfeu Mira (Lourdes de Oliveira) dans cette tragédie réaliste et magique. Le film présente une partition musicale de samba de Luiz Bonfa et Antonio Carlos Jobim. Sa bande sonore notable est créditée d'avoir présenté à lui seul la Bossa Nova au reste du monde. C'est une version fraîche, colorée, atmosphérique et contagieuse d'une fable emblématique.

20. “; L'intermédiaire ”; (1971)

'The Go-Between' est l'un des grands films de mémoire du réalisateur Joseph Losey et du scénariste Harold Pinter, adapté du roman populaire de L.P. Hartley, et contenant l'inoubliable première: 'Le passé est un pays étranger; ils font les choses différemment là-bas. »Situé en 1900 dans un mois d'août étouffant dans un domaine du comté de Norfolk, le film fait des allers-retours dans le temps, 50 ans, racontant une histoire passionnante de rite-de-passage sur la corruption de l'innocence, et la beauté. Doux et imaginatif, Leo (Dominic Guard) passe les vacances d'été avec son ami de l'internat Marcus (Richard Gibson), jouant à des jeux et conjurant des sorts, essayant de s'intégrer au-dessus de sa classe. Ensuite, Leo tombe sous le charme de la belle sœur aînée de Marcus, Marian (Julie Christie), qui l'incite à être son messager privé, en passant des lettres d'avant en arrière avec son amant secret, le fermier, Ted (Alan Bates). Mais ce qui commence comme un jeu romantique devient une malédiction pour Leo (avec la version adulte jouée par Michael Redgrave). Tourné par Gerry Fisher avec un sentiment d'opulence et de décadence, et rythmé par la partition obsédante de Michel Legrand (avec des pianos en duel), «The Go-Between» demeure une évaluation amère du 20e siècle. -BD

19. “; Barton Fink ”; (1991)

«Barton Fink»

La satire hystérique hollywoodienne des Coen Brothers des années 1940 met en vedette John Turturro dans sa plus grande performance, un dramaturge de Broadway qui déménage à contrecœur à Hollywood pour travailler comme scénariste. Commandé pour écrire un script à petit budget sur la lutte, Fink développe un bloc d'écrivain sévère ... et des choses étranges commencent à se produire. L'horloge tourne et la pression monte alors que la vie de Barton tourne encore plus hors de contrôle. Turturro dirige un casting solide qui comprend également John Goodman, Judy Davis, Michael Lerner, John Mahoney, Tony Shalhoub, Jon Polito et Steve Buscemi. La partition évocatrice de Carter Burwell et la splendide cinématographie de Roger Deakins complètent le sentiment surréaliste de l'âge d'or hollywoodien se refermant sur lui-même. Le film a reçu trois nominations aux Oscars, dont celui de meilleur second rôle pour Lerner. Turturro et Joel Coen recevront les honneurs du meilleur acteur et du meilleur réalisateur à Cannes, en plus de remporter la Palme.

18. “; Le pianiste ”; (2002)

'Le pianiste'

L'un des plus grands - peut-être les plus grands - films sur l'Holocauste jamais réalisés. Après tout, combien de cinéastes du talent de Roman Polanski sont eux-mêmes des survivants de l'Holocauste? Bien qu'il reste une figure polarisante pour beaucoup à Hollywood, l'émotion et l'humanité dans 'The Pianist' ont suffi à suspendre le jugement de Polanski, sinon moralement, du moins artistiquement. Comme il est approprié que le film soit une méditation sur la nature et la monnaie de l'art et des artistes dans une société moralement dépravée. Mais ce ne sont pas les seuls efforts de Polanski qui ont rendu le film si stupéfiant; 'The Pianist' a présenté le talent monumental du futur lauréat d'un Oscar Adrien Brody - la personnalité distinguée a livré une performance marquante en tant que musicien juif polonais Władysław Szpilman. Lorsque le nom de Polanski a été annoncé comme meilleur réalisateur aux Oscars 2002, il a reçu une ovation debout par contumace. Telle est la puissance de «The Pianist». —JD

47 mètres de descente sans cage

17. “;Amour”; (2012)

Michael Haneke gives notes to Emmanuelle Riva and Jean-Louis Trintignant
sur le tournage de «Amour» (2012)

Wega Film / Kobal / REX / Shutterstock

L'auteur autrichien Michael Haneke a toujours su contourner la tragédie, mais le vainqueur de la Palme 2012 a ouvert encore plus d'espaces dans sa marque particulière de belle et misérable misère. Appelé à juste titre une tragédie romantique, ”; le film reprend avec la moitié du couple central du film déjà mort, puis revient en arrière pour nous faire comprendre pourquoi cela s'est produit (et pourquoi cette fin pourrait ne pas être une tragédie totale). En vedette par les légendes cinématographiques authentiques Jean-Louis Trintignant et Emmanuelle Riva (avec Isabelle Huppert, habituée de Haneke, comme leur fille adulte), “; Amour ”; est une histoire d'amour avec ses propres rythmes distinctifs, et elle commence lorsque les roues se sont détachées, la floraison a disparu de la rose et tout l'éclat a disparu. Que reste-t-il alors? Haneke et ses stars travaillent vers une fin inévitable et déchirante (et, bien, aussi un début) et s'efforcent de lui donner toutes les nuances qu'une union de plusieurs décennies peut éventuellement contenir. La piqûre est profonde, mais c'est aussi celle qui est méritée et honnête, une tragédie rendue terriblement personnelle. —KE

16. “; Blowup ”; (1967)

Le thriller mystérieux 'Blowup' de Michelangelo Antonioni a remporté les grands honneurs au 20e Festival de Cannes en 1967 et a ensuite inspiré des classiques tels que 'The Conversation' de Coppola et 'Blow Out' de De Palma. David Hemmings joue le rôle d'un photographe de mode londonien qui peut ou n'a peut-être pas capturé un meurtre sur film, dont la réponse mène à une sombre obsession. La direction d'Antonioni creuse sous la surface du cadre de contre-culture et du flair visuel du film pour créer une déclaration sur la relation de l'artiste avec l'art et les flux et reflux de satisfaction et d'isolement qui l'accompagnent. Le résultat final est l’une des plus grandes méditations du cinéma sur l’art, mais déguisé en thriller mystère meurtrier. gras de polyoxyéthylène

15. “; Oncle Boonmee qui peut se souvenir de ses vies passées ”; (2010)

«Oncle Boonmee qui peut se souvenir de ses vies passées»

Pièce A en ce qui concerne les “; raisons d'être excité et de croire encore au cinéma au 21ème siècle ”; est Apichatpong Weerasethakul. Ses films ne sont pas seulement des environnements enveloppants, ils sont une nourriture réconfortante avant-gardiste radicalement empathique: vous pourriez faire pire que de simplement faire l'un de vos écrans de télévision à la maison consacré à la lecture de la filmographie de Weerasethakul en boucle. Vraiment aucun de ses films n'est Palme ou digne et il est difficile de voir pourquoi “; Oncle Boonmee ”; est plus que “; Tropical Malady ”; ou “; Syndromes et un siècle ”; ou “; Cimetière de la splendeur ” ;: “; Oncle Boonmee ”; porte certainement bon nombre des caractéristiques de ces autres - la conception sonore si immersive qu'elle semble éveiller vos sens, la représentation d'un traitement médical, le mélange d'hyper-réalisme et de surréalisme, un effort déterminé pour stimuler l'activité des ondes delta et thêta dans votre cerveau. Cette dernière partie n'est pas une blague: croyant que le cinéma ressemble à un état de sommeil et de rêve, Weerasethakul a en fait expérimenté des expériences théâtrales de roadshow dans lesquelles les gens s'allongent dans des lits pendant qu'ils regardent l'un de ses films et sont encouragés à aller à sommeil. “; Oncle Boonmee ”; peut être celui qui ressemble le plus à une couverture de sécurité, dans sa représentation d'un homme vieillissant souffrant d'insuffisance rénale qui est revisité par les fantômes de ses proches perdus. Même une ligne jetable quand il parle de sa dialyse et dit: «C'est du karma parce que j'ai tué trop de communistes … et tant de bugs autour de la ferme ”; ne peut pas diminuer votre réelle affection pour lui. La vie est pleine d'horreurs. Voici des films qui rendent la vie meilleure. —CB

14. “; Paris, Texas ”; (1984)

'Paris, Texas'

Harry Dean Stanton errant dans le désert de l'ouest du Texas. Un pull rose, juste assez flou pour capter tout ce qui passe. Ry Cooder, claquant sur sa guitare slide, des vies entières se répercutant entre chaque note. Une vie de vidéos personnelles tournées sur un appareil photo Super 8. Nastassja Kinski regardant son reflet dans un miroir à sens unique et écoutant la voix familière de l'autre côté alors qu'elle lui raconte une histoire sur “; ces deux personnes ”; il le savait une fois.

Wim Wenders ’; “; Paris, Texas, ”; qui se tenait la tête et les épaules au-dessus des autres films en compétition à Cannes en 1984, est l'un de ces films qui s'enfonce dans votre corps de plusieurs directions à la fois, puis commence à s'accumuler au fond de votre esprit comme le sable dans un sablier. Doux et impénétrable à la fois, ce drame semi-mystique (ou est-ce un occidental complètement moderne?) Commence avec un homme sortant du passé, retrouvant le jeune fils qu'il a laissé derrière lui, puis traçant la belle femme avec qu'il vivait autrefois “; dans un endroit sans langue ni rues, ”; et construit un paradis qui n'a jamais été aussi fort que les souvenirs enfouis dans ses ruines.

Histoire d'agitation, d'errance, de démons privés et de rêves partagés, de promesse et de trahison de l'étendue américaine, ce vainqueur de Palme est une ode singulière à tout ce que nous avons perdu mais ne pouvons pas laisser derrière nous. C'est aussi un document de plusieurs artistes majeurs se réunissant pour se compléter, de Wenders ’; direction transcendante, au travail de caméra poussiéreux de Robby Müller, L.M.Kit Carson et Sam Shepard & scénario de rechange et poétique, au rôle que Stanton est né pour jouer. Aucune carte des plus grands films du XXe siècle n'est complète avec une épingle à “; Paris, Texas. ”; —DE

13. “; Wild at Heart ”; (1990)

L'équipe «Wild at Heart» à Cannes en 1990

Alan Davidson / Silverhub / REX / Shutterstock

À la fois adoré et hué à Cannes lors de sa première en 1990, le très pervers et exaltant «Wild At Heart» marque la seule Palme d’Or à remporter la carrière de David Lynch à ce jour. Le script associe un Nicolas Cage surexploité et une Laura Dern lubrique alors que deux amants échappent au passé lors d'un road trip tordu à travers un cœur d'Amérique devenu un paysage d'enfer. Lynch s'avère un maître des changements de ton ici, équilibrant sans effort l'hilarité excessive avec des sensations psychosexuelles qui parviennent à bouleverser le sous-genre des amoureux en fuite et à parler à une Amérique en chute libre. 'Wild At Heart' est un film sans peur dans tous les sens du terme. gras de polyoxyéthylène

12. “; 4 mois, 3 semaines et 2 jours ”; (2007)

'4 mois, 3 semaines et 2 jours'

Cela en dit long sur le fait que «4 mois, 3 semaines et 2 jours» ont remporté la Palme d'Or la même année que «No Country for Old Men», «Zodiac», «Secret Sunshine», «Silent Light» et «The Diving Bell and the Butterfly »a fait sa première à Cannes et personne ne s'est plaint. Le regard dévastateur de Cristian Mungiu sur l'avortement dans son pays d'origine a annoncé la nouvelle vague roumaine au monde d'une manière que même «La mort de M. Lăzărescu» ou «12 h 08 à l'est de Bucarest» ont fait, montrant les nombreuses façons dont la le règne oppressif de Nicolae Ceaușescu a continué à résonner près de deux décennies après la mort du dictateur. Son triomphe à Cannes a été particulièrement important compte tenu de son snob Oscar, qui pique encore plus d'une décennie plus tard. —MN

11. “; La conversation ”; (1974)

Gene Hackman dans «The Conversation» (1974)

Moviestore / REX / Shutterstock

Francis Ford Coppola n'a jamais voulu se simplifier la vie. Après le plus grand succès de sa carrière dans “; The Godfather, ”; qui a battu des records au box-office, a remporté l'Oscar du meilleur film et, bien, est devenu instantanément l'un des films les plus aimés de tous les temps, il aurait pu se reposer sur ses lauriers et préparer “; The Godfather Part II. ”; Au lieu de cela, il a gagné un autre laurier - un laurier littéral dans la Palme d'Or - pour l'une des réalisations cinématographiques les plus difficiles de sa carrière, et un moyen passionnant de défier le cinéma américain pour essayer de nouvelles choses. “; La conversation ”; est une plongée profonde et consciente dans une quête obsessionnelle de sens incarnée par un détective privé nommé Harry Caul (Gene Hackman), qui pense qu'un homme d'affaires riche (Harrison Ford) planifie le meurtre de sa femme (Cindy Williams) et de son amant à cause d'une capture de leur conversation, il a enregistré: 'Il nous tuerait s'il en avait la chance. ”; Mais que signifie réellement cette phrase unique? Et comment ce sens changerait-il en fonction de l'intonation et du contexte? Pensez “; Blow-Up, ”; mais rendu aussi comme un portrait implacable de la solitude: c'est l'un des personnages les plus éloignés et inconnaissables de Hackman. Popeye Doyle semble chaud et flou par rapport à Harry Caul. —CB

10. “; Voleurs à l'étalage ”; (2018)

'Voleurs à l'étalage'

Ce n'est pas seulement qu'assister à la plupart du temps délicieuse, parfois déchirante, la durée de deux heures de «voleurs à l'étalage» ressemble à faire partie d'une famille qui est entièrement étrangère à la plupart des gens, mais grâce à la chaleur des personnages et à l'intimité de Le tournage de Hirokazu Kore-eda, vous vous sentez complètement chez vous. Captivant de la première à la dernière image, le gagnant de Palme de Kore-eda tisse savamment un drame familial émouvant, puis écarte sournoisement ses fils jusqu'à ce que le tapis ne soit pas simplement sorti de vous - il est entièrement désintégré. Chaque personnage adulte contient des nœuds de contradictions, leur charme les rendant infiniment irrésistibles même après que leurs vérités inconvenantes soient révélées. Les interprètes, enfants et adultes, se différencient davantage comme un ensemble théâtral que comme un casting de film, et leur aisance naturelle et leur chimie fondent l'histoire étrange. Comme ses personnages, «Shoplifters» est un grand film - par sa portée, son ambition et son cœur - qui excelle à rendre de petits moments indescriptibles comme seul le grand art peut le faire. —JD

9. 'Père Maître' (1977)

Cela aurait pu être encore une autre histoire de malheur de l'enfance horrible d'un jeune et de sa transcendance triomphante à son jeune âge adulte: “; Padre Padrone ”; est basé sur l'histoire du célèbre linguiste Gavino Ledda de grandir en tant que berger en Sardaigne et le traitement horrible qu'il endure de la part de son père tyrannique - Ledda était même illettré jusqu'à près de 20 ans avant de se lancer dans une renommée mondiale carrière universitaire. Mais entre les mains de Paolo et Vittorio Taviani, cette histoire devient bien plus que cela: loin d'être un simple complot dans le misérabilisme, “; Padre Padrone ”; devient l'une des histoires de passage à l'âge adulte les plus surréalistes et les plus singulières jamais filmées - à un moment donné, l'une des chèvres que le jeune Gavino continue d'essayer de traire s'adresse à Gavino directement dans la narration de voix off. Oui, la chèvre est un narrateur - l'un des nombreux dans cette histoire prismatique qui devient méta dès le début et devient finalement autant sur la nature de la narration que n'importe quoi. Les premières scènes du jeune Gavino, qui vient juste d'être retiré de l'école, et lors d'un séjour prolongé avec le troupeau de son père ont l'impression qu'elles pourraient se dérouler sur une autre planète. C'est l'une des visions les plus Jodorowski jamais venues de quelqu'un d'autre que Jodorowski. —CB

8. “; Les parapluies de Cherbourg ”; (1964)

«Parapluies de Cherbourg»

L'une des meilleures comédies musicales les plus influentes jamais réalisées, la joie chantée de Jacques Demy n'a pas seulement été un succès à Cannes - elle a également reçu cinq nominations aux Oscars, dont trois pour sa musique. Degrand et le vénéré compositeur Michel Legrand ont assemblé une tapisserie en trois parties pour les personnages de Catherine Deneuve et Nino Castelnuovo à chanter, et même si 'I Will Wait for You' reste la chanson la plus connue, ce n'est guère le ver de l'oreille. Drame romantique pour les âges, «Les Parapluies de Cherbourg» a aussi la rare distinction d'être autant un régal visuel que musical. —MN

7. “; Pulp Fiction ”; (1994)

'Pulp Fiction'

Miramax

Ces dernières années, même les fans les plus exigeants de Quentin Tarantino ne peuvent pas contester avoir qualifié son vainqueur de Palme d’Or de son meilleur film. Pour le meilleur ou pour le pire, il y a peu de films sur cette liste aussi pertinents sur le plan culturel que 'Pulp Fiction' - des échos de 'Zed's dead, baby' et cette célèbre scène de danse se propage à perpétuité dans la culture pop. Pris en sandwich entre «Reservoir Dogs» et «Jackie Brown», «Pulp Fiction» a établi Tarantino comme le cinéaste postmoderne ultime, capable de transformer un hommage vertigineux bourré d'innombrables références cinématographiques en un paratonnerre farouchement original d'un film qui changerait à jamais le film indépendant . Quand on pense au nombre de règles que Tarantino a enfreintes pour faire 'Pulp Fiction', c'est une merveille qu'il ait du tout conquis l'établissement de Cannes. —JD

6. “; Kagemusha ”; (1980)

Akira Kurosawa a livré deux de ses plus grandes réalisations cinématographiques au crépuscule de sa carrière, et les deux étaient le genre d'épopées coûteuses et ambitieuses de l'époque que de nombreux cinéastes passent leur vie à combattre. Avec “; Kagemusha ”; et “; Ran, ”; Kurosawa a réussi à livrer une paire de chefs-d'œuvre historiques sur l'histoire sanglante des royaumes belligérants et des chefs passionnés du Japon. Coup d'envoi de 1980 avec “; Kagemusha, ”; Kurosawa a remporté sa première Palme d'or ou lorsque de nombreux cinéastes se sont peut-être contentés d'un prix honorifique pour l'ensemble de leurs réalisations (il en a remporté un, un Oscar, 10 ans plus tard). Cette victoire à elle seule (en partie grâce au super-fan de Kurosawa, George Lucas, qui a aidé le projet à obtenir le soutien du studio américain) fait de celui-ci un gagnant pour les âges. Mais “; Kagemusha ”; n'a fait que s'enrichir avec le temps. Le drame vivant du cinéaste implique l'histoire d'un voleur capricieux consigné à travailler comme leurre pour un seigneur malade (Tatsuya Nakadai, dans les deux rôles) pour cacher sa maladie; lorsque le chef meurt, son double est obligé de garder les apparences, tant pour le clan lui-même que pour les factions en guerre. Finalement, le “; kagemusha ”; (un leurre politique) s'installe dans son illusion de pouvoir avec des conséquences dévastatrices. Le film devient une méditation fascinante sur le désespoir d'un peuple qui s'efface pour lutter contre les apparences alors que le Japon consolide son pouvoir sur le champ de bataille. L'épreuve de force culminante - une reconstitution tentaculaire de la bataille de Nagashino, lorsque des milliers de vies ont été perdues - est une classe de maître de finesse narrative: Kurosawa jongle avec les mouvements d'armées massives en tandem avec les réactions d'un seul spectateur déconcerté alors qu'il lutte avec le l'horreur de la guerre et la piqûre idéologique de la défaite. Il s'agit d'une réalisation cinématographique personnelle en gros, et d'une réalisation visionnaire d'un cinéaste canalisant ses décennies de réalisations dans chaque image. —EK

5. “; Apocalypse Now ”; (1979)

«Apocalypse Now»

Zoetrope / United Artists / Kobal / REX / Shutterstock

'C'est la fin', croons Jim Morrison de The Doors alors que le feu frappe une ligne d'arbres au Vietnam. Perlé de sueur, le capitaine Willard (Martin Sheen), officier des opérations spéciales de l'armée, fume au lit, fixant un ventilateur de plafond avant de se lancer dans un voyage en bateau surréaliste et imprégné de drogue le long du fleuve du Sud du Vietnam au Cambodge pour trouver le colonel voyou Kurtz (Marlon Brando) ). Librement adapté par Coppola et John Milius de 'Heart of Darkness' de Joseph Conrad, 'Apocalypse Now' possède tellement de moments emblématiques qu'il est difficile de se rappeler que ce devait être un désastre complet. 'J'aime l'odeur du napalm le matin', entonne le surfeur torse nu Colonel Kilgore (Robert Duvall). Des hélicoptères volent en formation au-dessus de la mer, accompagnés de «La chevauchée des valkyries» de Wagner. Après des années de retards aux Philippines, y compris la crise cardiaque de Sheen et des décors détruits par des typhons (relaté par Eleanor Coppola dans «Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse») ), Francis Ford Coppola a projeté «Apocalypse Now» comme un travail de trois heures en cours à Cannes, où la réception ravissante a suffi à donner au réalisateur assiégé une certaine confiance pour terminer sa coupe afin que United Artists puisse le sortir en août — avec l'état un son surround à la pointe de la technologie - quand c'était un succès. (La nouvelle version «finale» 4K Dolby Atmos de Coppola vient d'être projetée au Festival du film de Tribeca.) Le film a obtenu le premier prix avec «The Tin Drum» et a battu «Norma Rae» et «Days of Heaven». considéré comme l'un des meilleurs films jamais réalisés.

4. “; Viridiana ”; (1961)

Lorsqu'un film remporte la Palme d'Or, est interdit dans son pays d'origine et est dénoncé par le Vatican, il doit faire quelque chose de bien. Tel est le cas du chef-d’œuvre de Luis Buñuel de 1961, qui ne se sent pas moins audacieux aujourd’hui qu’il ne l’a dû il y a près de 60 ans. Le maître surréaliste tourne ici son attention vers un noviciat dont le plan de prononcer ses vœux est compliqué par une invitation à rendre visite à son oncle - un homme qui voit dans sa nièce une ressemblance avec sa femme décédée. Ce qui suit est scandaleux, bien sûr, et dépeint avec le genre d'esprit et de maîtrise dont Buñuel a fait carrière. Quant à ses intentions, le cinéaste l'a dit comme lui seul le pouvait: `` Je n'ai pas délibérément voulu être blasphématoire, mais le pape Jean XXIII est alors un meilleur juge de ces choses que moi. '' —MN

3. 'La Dolce Vita' (1960)

Fellini avec la Palme d’Or

Wehrle / AP / REX / Shutterstock

Le magnum opus définitif de Federico Fellini, peut-être le plus grand plaisir de Cannes, est une histoire luxuriante sur la recherche de la douceur de vivre éponyme au cours de sept jours à Rome. Le film de Fellini n'a pas seulement été un énorme succès, celui qui n'a scellé sa place que parmi les plus grands cinéastes du cinéma, mais un film qui a donné au monde une mode audacieuse, de nouveaux dictons et mots intelligents (bonjour, “; paparazzi ” ;!) , et quelques questions existentielles incroyablement riches à mâcher. En tant que célèbre journaliste Marcello Rubini, Marcello Mastroianni est, était et sera toujours un homme étonnamment moderne, et les questions auxquelles il est confronté alors qu'il se délecte de Rome - comme, veut-il simplement s'amuser ou se soucie-t-il réellement de faire quelque chose de significatif avec sa vie? - sont intemporels. Mais cela ne veut pas dire que tout ne peut pas être amusant à regarder, et bien que le gagnant de Fellini ne laisse pas son public décrocher quand il s'agit de penser aux vrais tripes de la vie, il le fait avec tellement de style et claquer que vous avez presque (presque!) oublié ce qu'il vous demande vraiment. —KE

2. “; Le Léopard ”; (1963)

'Le léopard'

Sous les parures luxuriantes du vainqueur de Luchino Visconti en 1963 bat le cœur du plus tragique des drames personnels et politiques. Adapté du roman du même nom de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, l'épopée italienne suit les derniers jours de l'aristocratie sicilienne à travers les yeux du (sorte de) léopard éponyme lui-même, Don Fabrizio Corbera (joué par Burt Lancaster dans l'un de ses meilleurs rôles, même si son casting était controversé à l'époque). Le film comprend deux longues séquences gob-claquantes qui, à elles seules, auraient marqué le film comme un chef-d'œuvre et un couronnement pour Visconti: une scène de bataille de 25 minutes qui ne lésine pas sur l'horreur et une séquence de 45 minutes de salle de bal qui arrête le cœur qui voit Don Fabrizio parcourir presque chaque émotion, chaque pensée, chaque mouvement avec une dextérité émotionnelle passionnante. C'est un film sur le passage inévitable du temps, mais rien à ce sujet ne semble (même maintenant!) Par cœur ou par le livre. La première coupe de Visconti a poussé une durée de 205 minutes - sans surprise, compte tenu de ces magnifiques séquences longues - et a été réduite à 195 minutes pour Cannes, puis 185 minutes pour une sortie italienne, avec la version doublée en anglais cadencée à 161 minutes . Pourtant, c'est un film qui demande à être vu dans son intégralité, car qui pourrait mieux savoir que chaque minute compte que Don Fabrizio Corbera lui-même? —KE

1. “; Taxi Driver ”; (1976)

'Conducteur de taxi'

Photos de Columbia

Fellow Palme d 'or Ou le vainqueur Quentin Tarantino a appelé une fois “; Taxi Driver ”; la plus grande étude de personnage à la première personne jamais consacrée au cinéma et nous ne sommes pas ici pour être en désaccord. Ce qui était si remarquable à propos de cette période de la carrière de Scorsese, c'est qu'il pouvait regarder dans les yeux un psychopathe raciste comme Travis Bickle (Robert Deniro), ne faire aucune excuse ni polir aucune de ses verrues, mais nous inviter cinématographiquement dans son monde d'une manière qui nous a fait le comprendre. L'imagerie hallucinatoire de Scorsese mélangée à la voix off du scénariste Paul Schrader et au compositeur Bernard Hermann crée une vision cauchemardesque de New York 1976 qui est si remplie d'une exubérance filmique qu'elle est aussi exaltante que terrifiante.

Dans la vraie forme de Paul Schrader, le film nous prépare à affronter la violence et la folie de manière inconfortable, sanglante et discordante à la fin. C'est une fin controversée, le type qui anime la conversation dans les cercles cinéphiles et repousse les téléspectateurs dans les hordes. Et pourtant, plus de 40 ans plus tard, ce portrait sombre et tordu d'un psychopathe n'est pas seulement un joyau de la collection Criterion, mais un classique du cinéma américain, cité ('Tu me parles?') Et revu comme ça " s “; Jaws ” ; ou “; Le parrain. ”; Il n'y a aucune image dans l'histoire du cinéma qui détienne quelque chose comme l'immobilier occupé par “; Taxi Driver. ”; -CO



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