Les films d'Andrei Tarkovsky: une rétrospective

Le grand réalisateur suédois Ingmar Bergman célèbre entonné dans son autobiographie de 1987, “;La lanterne magique, ”; que découvrir le cinéaste russe Andrei TarkovskyLe travail a été, “; Un miracle. Tarkovsky est pour moi le plus grand [réalisateur], celui qui a inventé un nouveau langage, fidèle à la nature du film, car il capture la vie comme un reflet, la vie comme un rêve. ”;



En 1987, quelques mois après la mort de Tarkovsky Akira Kurosawa ferait l'éloge de sa sensibilité inhabituelle [comme] à la fois écrasante et étonnante. Il atteint presque une intensité pathologique. Il n'y a probablement pas d'égal parmi les réalisateurs vivants aujourd'hui. ”; Et cinéaste expérimental Stan Brakhage a été pratiquement frappé, le pourchassant au Festival du film de Telluride en 1983 pour projeter son travail et l’appeler, “; le plus grand cinéaste narratif vivant. ”;

Les éloges de Tarkovsky, l'un des cinéastes les plus influents de la Russie, sont généralement des applaudissements élogieux, inspirant une ardeur qui verrait le travail du réalisateur culte examiné et étudié pendant des années. Mais presque aussi zélés sont ses détracteurs; un public et des critiques qui trouvent son travail lent, langoureux et impénétrable ennuyeux et impénétrable. Ces opinions extrêmement divergentes l'adorent ou le détestent ne peuvent signifier qu'une chose: les films de Tarkovsky représentent l'apothéose d'un certain type de cinéma et, finalement, votre prédisposition à aimer ce genre de film conditionne votre réaction à Tarkovsky. Même ceux qui détestent les films lents, méditatifs et oniriques ne peuvent pas nier la maîtrise de la forme par Tarkovsky. Et avec l'histoire du cinéma en constante révision, le travail de Tarkovsky, comme l'eau ruisselante à la recherche d'une sortie, trouve toujours des pistes de ré-appréciation. Cette semaine, Kino International publie sa dernière photo, “; The Sacrifice ”; sur Blu-Ray, et plus tôt cette année en mai, la Criterion Collection - qui a trois de ses films dans son catalogue - a sorti son classique de science-fiction, 'Solaris' au format Blu-ray.



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Fasciné à l'infini par le spirituel, le métaphysique, la texture des rêves et de la mémoire, Tarkovsky a évité la narration et l'intrigue conventionnelles, et a plutôt cherché à éclairer l'essence de l'inconscient à travers un cinéma patient, énigmatique et réfléchi qui pour beaucoup borde la divinité poétique.



Bien que leurs méthodes et leur esthétique soient distinctement différentes, on peut se demander pourquoi les films de Terrence Malick et les méditations similaires sur le grand format sont rarement évoqués dans les conversations sur Tarkovsky. Il semble qu'il y ait une certaine parenté entre leur travail, bien qu'il soit peu probable que le cinéaste russe ait daigné inclure une voix off qui pose littéralement chaque question métaphysique à voix haute; c'était plutôt son style de poser implicitement ces énigmes souvent existentielles, laissant l'imagerie faire le travail, tranquillement, rêveusement.

Créant seulement sept longs métrages en vingt-quatre ans, Tarkovsky a permis à ses films de respirer, puis certains - ils sont souvent caractérisés par leur durée exorbitante (“; Andrei Rublev ”; est de 3 heures et 25 minutes), leur rythme sans hâte et l'utilisation de des plans de suivi prolongés qui pouvaient durer de 7 à 10 minutes, qui prêtaient habituellement à ses images une atmosphère hypnotique somnolente, hallucinatoire. Tarkovsky croyait que le cinéma était la seule forme d'art qui pouvait vraiment préserver l'écoulement du temps - ce qui explique peut-être quelque peu la durée de ses films - et tandis que son ténor de rêve envoûtant et sa stimulation sédative peuvent endormir le cinéphile moyen, sa sculpture de “; temps ”; ethos (le nom de son livre posthume de 1989) inspire généralement la crainte, l'émerveillement et un sentiment de belle ambiguïté chez ceux qui ont suffisamment de patience et de curiosité pour se livrer à l'expérience. Comme John Gianvito Pour le dire dans son livre Tarkovsky Interviews de 2006, le corpus de son travail est la «poursuite quasi messianique de rien de moins que la rédemption de l'âme de l'homme».

“;Enfance d'Ivan”; (1962)
Peu de cinéastes ont été aussi intimidés intellectuellement que Tarkovsky, mais les novices méfiants en prennent note: son premier long métrage expressif, “;Enfance d'Ivan”; montre des scintillements de sa marque de fabrique et de ses thèmes, mais trouve le réalisateur à son plus accessible, son récit presque linéaire arrivant à 95 minutes efficaces. Ivan, joué avec brio par Nikolay Burlyaev, est un jeune garçon russe au visage d'ange et au cœur de lion qui, devenu orphelin de guerre, devient éclaireur pour l'armée soviétique. Il rêve, il fait semblant, il se rebelle contre la protection bien intentionnée de ses aînés - bref, c'est un enfant, dans un temps et un lieu qui ont peu de respect pour l'enfance. L'histoire est simple et dévastatrice, mais ce que le mythe de Tarkovsky (ses films sont “; difficile ”; et “; digne ”;) peut ne pas vous préparer, c'est la joie cinétique pure d'être glanée à partir d'images qui, par le biais de placement de caméra, la chorégraphie ou l'éclairage lumineux d'un visage, ne ressemblent à rien d'autre que vous aurez vu. Pour invoquer la comparaison Malick, il s'agit, comme “; The Thin Red Line, ”; un film de guerre à part, mais ironiquement, étant donné qu'il travaillait sous un régime communiste, c'est le film de Tarkovsky qui est le plus individualiste et personnel. Lorsque Malick a créé un chœur, un inconscient collectif en temps de guerre, Tarkovsky rend “; Ivan ’; s Childhood ”; comme un portrait net et doux-amer d'un garçon: son corps, son visage, ses rêves, ses souvenirs et toutes les autres choses que nous perdons si nous perdons juste celui-là innocent. Parce qu'au final, c'est un film non pas sur l'enfance, mais sur la fin de l'enfance; sous la forme de Kholin, l'officier fringant qui se lie d'amitié avec Ivan mais n'a jamais grandi lui-même; ou le lieutenant Galtsev, dont le visage juvénile et beau devient marqué et hanté; ou le petit Ivan dont l'enfance se termine, semble-t-il, plusieurs fois, et peut-être à chaque réveil. Belle et triste, et ponctuée d'images qui persistent dans l'esprit, “; Ivan ’; s Childhood ”; est peut-être le plus remarquable pour être un début que son jeune réalisateur irait au sommet à plusieurs reprises, tout en étant, en soi, un merveilleux film. [UNE-]

“;Andrei Rublev”; (1966)
Étant donné que le cinéma est désormais fermement établi en tant que forme d'art, il est curieux qu'il ne traite pas vraiment bien l'art en tant que sujet: les films sur les écrivains, les musiciens, les peintres et même d'autres cinéastes ont tendance à être simplistes et réducteurs. La grande exception (dans tous les sens) est «Andrei Rublev», Qui, sur une durée de plus de trois heures, dramatise épisodiquement la vie du grand peintre médiéval russe des icônes religieuses. Mais ne commettez pas l'erreur de penser que le film lui-même sera pittoresque: le monde que Tarkovsky dépeint est brutal, insensé et chaotique (la célèbre mort d'une scène de cheval garantit que ce n'est pas un film pour les amoureux des animaux). Mais comme son protagoniste, le réalisateur trouve la beauté dans l'obscurité, du vol en montgolfière dans le prologue du film, au plan large étonnant et ininterrompu de la cloche levée à l'apogée, l'incident qui convainc Rublev de revenir à la peinture. Plus important encore, c'est un film sur le rôle d'un artiste dans le monde qui l'entoure: il ressort clairement de l'arrestation d'un bouffon dans une scène précoce que ce n'est pas un climat heureux pour le type créatif, et Rublev regarde sans se plaindre, mais, après se détournant de l'art pendant une grande partie de sa vie, il finit par persuader que ce qu'il fait a une valeur réelle, que c'est une nécessité. Et lorsque la fin du film montre le travail de Rublev (la seule partie du film en couleur), personne ne pouvait être en désaccord. Sans surprise, les autorités n'étaient pas satisfaites du film fini de Tarkovsky: il n'est sorti en Union soviétique qu'en 1971, dans un montage réduit, et n'est arrivé aux États-Unis que deux ans plus tard dans une version encore plus brutalisée. Mais le Collection de critères a sorti la coupe originale en 1999, renforçant la réputation du film - The Guardian l’an dernier l’a voté le deuxième plus grand de tous les temps. Fait amusant et légèrement déroutant: co-auteur Andrei Konchalovsky a continué à diriger 'Tango & Cash. '[A +]

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“;Solaris”; (1972)
Suite donnée par Tarkovsky à «Andrei Rublev»Est rarement mentionné dans une phrase sans que le mot« 2001 »n'apparaisse en même temps. Mais, en plus d'être un film de science-fiction réfléchi, spirituel et au rythme méditatif, basé sur un roman de l'un des plus grands du genre (écrivain polonais Stanislaw Lem), ils ont peu en commun: comme le soulignait J. Hoberman dans The Village Voice, le film ressemble en fait à un autre chéri critique, Alfred Hitchcock«S»vertige. 'Il n'y a aucun gadget ou CGI à trouver, juste des gens, dans l'histoire de Kelvin, un psychologue envoyé pour enquêter sur des événements bizarres sur une station spatiale qui orbite autour de la planète océanique Solaris, seulement pour y être accueilli par une manifestation de son défunt. femme, qui s'est suicidée des années plus tôt. Malgré sa redoutable réputation et sa durée de vie, c'est un simple récit de chagrin et d'amour perdu, même s'il est épicé de questions d'identité de science-fiction et de la nature de l'humanité. Hari, l'épouse de Kelvin, est construite à partir de neutrons, mais a tous les souvenirs, les pensées et les sentiments de son homologue décédé - cela ne la rend-elle pas tout aussi humaine? C'est une histoire dévastatrice (la deuxième tentative de suicide de Hari est vraiment déchirante), et sans doute l'histoire la plus profondément ressentie de Tarkovsky. Il y a un argument à faire valoir que Steven SoderberghLe remake de 2002 est le film supérieur - à près de la moitié de la longueur, c'est une image plus serrée et plus focalisée, qui ne perd rien de vraiment essentiel - mais couper l'original serait de la folie: comme dans tout son travail, le les meilleurs moments, comme l'ouverture languissante et liée à la terre, ou la superbe séquence de gravité zéro, sont presque transcendants. Soderbergh déclarera plus tard qu'il adaptait le roman, sans refaire le film “; Solaris, ”; et a comparé l'image de Tarkovsky à un séquoia “; ”; alors que son était un petit bonsaï. ”; [UNE]

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“;Miroir”; (1975)
Travailler d'une manière profondément personnelle et de courant de conscience (un lointain ancêtre de Terrence Malick«S»L'arbre de la vie'À coup sûr, sauf sans dinosaures malveillants), l'avant-dernier film soviétique de Tarkovsky évite l'intrigue traditionnelle et fonctionne à son propre rythme et logique, en corrélation directe avec le cœur battant sentimental du cinéaste. Basculant entre trois périodes différentes (avant-guerre, guerre et après-guerre), le narrateur du film revient sur sa vie sur son lit de mort, rêvant de tout, y compris des disputes avec son ex-femme et d'un moment plutôt stressant impliquant sa mère chez elle. travail de jour de relecture. Jugé incompréhensible et irrévocable par Gosinko, le comité d'État russe pour la cinématographie, 'Miroir»Est une composition cinématographique étonnamment touchante, un film dense étonnamment dépourvu des difficultés que les récits minimalistes lents ont tendance à exiger. Cela pourrait être dû au talent de Tarkovsky pour se concentrer sur l'essence d'un moment particulier, que ce soit une séance télévisée étrange impliquant un garçon bégaiement guéri de sa déficience (qui doit également être l'une des meilleures ouvertures sur le celluloïd) ou la simple acte d'une figure maternelle se lavant les cheveux dans un bassin. Ou cela pourrait simplement être la pure maîtrise du médium exposé, car sa cinématographie et sa conception sonore 'sculptant dans le temps' (à la fois la sélection de musique classique et l'attention aux airs de la nature) n'ont jamais été aussi bonnes. Ce n'est pas seulement l'âme de quelqu'un capturée sur pellicule, c'est la vie à l'état pur; un chef-d'œuvre certifié de bout en bout. [A +]

“;Stalker”; (1979)
Alors que “;Solaris”; est probablement le film le plus connu de Tarkovsky en raison de ses associations de genre et de son remake de 2002, le cadre post-apocalyptique de “;Stalker”; détient autant de pièges de genre, mais est sans doute plus de succès (le cinéaste lui-même a affirmé autant). Situé dans un monde qui semble être une Russie post-nucléaire (mais cela n'est qu'implicitement impliqué), le film relate le voyage de deux hommes dans la Zone - un endroit étrange, mystique et abandonné gardé par des barbelés et des soldats, qui abrite une pièce qui contiendrait l'utopie opaque de ses espoirs et de ses rêves les plus intimes. Non limitée par les lois de la physique et dangereuse de manière inexplicable et invisible, la Zone ne peut être parcourue qu'avec l'aide d'un Stalker - une personne dotée de dons mentaux spéciaux qui risque l'emprisonnement du gouvernement pour avoir emmené les désespérés ou les curieux dans cette zone interdite. Contre les souhaits de sa femme, un Stalker en particulier accompagne un écrivain dans une crise existentielle et un scientifique silencieux dans la zone où, alors que les trois hommes descendent en spirale dans les profondeurs du bâtiment, chacun d'eux fait face à la morale, psychologique, existentielle, philosophique et même des questions physiques et des conflits. Aussi énigmatique et mystérieux que n'importe quelle photo de Tarkovsky, comme dans “; Solaris, ”; les vagues éléments de science-fiction lui donnent suffisamment de récit pour en faire l'une de ses images les plus engageantes, mais il ne transige jamais avec les thèmes métaphysiques et spirituels qui hantent tout son travail. Marqué par une conception sonore tactile, de magnifiques tons sépia monochromes bruns et une atmosphère délabrée à la fois pourrie et gorgée d'eau, c'est presque un miracle que “; Stalker ”; est arrivé, étant donné que Tarkovsky a travaillé pendant une année entière à tourner des séquences en plein air avec un directeur de la photographie différent, enregistrant des images qu'il a finalement brûlées. On pourrait dire que l'image est un cœur de voyage de type obscurité dans l'inconnu, bien qu'une image beaucoup plus surréaliste et métaphysique que Joseph Conradl’histoire que je voulais. [UNE]

“;Voyage in Time”; (1982)
Après des années à faire face à une censure intenable dans son pays natal, la Russie, Tarkovsky ferait défection en Italie en 1982, faisant le coup de 1979 “;Voyage In Time”; documentaire un instantané formatif de l'histoire personnelle du cinéaste. Visite à son ami, le scénariste italien Tonino Guerra - l'homme responsable de Michaelangelo AntonioniLa tétralogie classique de 1960-1964 - le documentaire fait partie du repérage des lieux pour “;Nostahlgia”; (il s'installe finalement dans la campagne désolée de Bagno Vignoi), en partie récit de voyage italien et en partie morceau de conversation de forme libre entre deux amis discutant de l'art du cinéma et de la vie. Le couple discute des cinéastes préférés de Tarkovsky - Alexander Dovzhenko, Robert Bresson, Antonioni, Fellini, Jean Vigo, Sergei Paradzhanov - donner des conseils aux jeunes cinéastes et aborder des sujets tels que l'architecture italienne, la poésie et la “; fiction ”; de récit et d'action. Si la conversation est intéressante, elle n'est pas particulièrement éclairante pour ceux qui ne sont pas fervents de Tarkovsky-ites, bien qu'il y ait quelques révélations mineures. Tarkovsky prétend qu'il n'aime pas les films de genre ou commerciaux et, en ce sens, dit “;Solaris”; - considéré comme son meilleur film par beaucoup - est son moins réussi car il “; n'a pas pu échapper aux [pièges] du genre, aux détails fictifs. ”; Cependant, dans le cas de “;Stalker, ”; il croit que cela fonctionne parce qu'il s'est complètement débarrassé de tous les signes de science-fiction. Cela me fait grand plaisir. ”; Comme tous les films de Tarkovsky, le rythme est lent et méditatif qui se prête en quelque sorte moins au format documentaire qu'à ses films de fiction. En tant que tel, c'est vraiment uniquement pour les complets hardcore Tarkovsky. [C +]

“;Nostalghia”; (1983)
Une crise cardiaque, une caractéristique avortée et une censure flagrante, ont empêché Tarkovski de pouvoir travailler sainement dans son pays d'origine, mais ce fut sa première production à l'étranger qui confirma son véhément refus de revenir, une décision qui ne fit que se renforcer lorsque les machinations de l'image de la délégation soviétique ont fait campagne avec succès contre ses chances à une Palme d'or ou gagner au Festival de Cannes cette année. Co-écrit avec Tonino Guerra ('L'éternité et un jour, ''Exploser, 'Etc.), l'œil envoûtant du film suit un poète russe en Italie (les lieux capturés dans la cinématographie qui ne se contente pas d'aimer, mais adore son sujet). Le poète est censé y rechercher le compositeur décédé Pavel Sosnovsky, mais à la place, il tombe amoureux d'un vagabond dérangé qu'il rencontre (Domiziana Giordano), et, rempli d'un désir de rentrer chez lui et en proie à des rêves dans lesquels il est le nomade troublé, il s'engage finalement à effectuer un rituel spirituel qui, selon l'étranger, sauvera le monde de la damnation. Abstrait et opaque, on ne peut pas nier à quel point il reflète entièrement le conflit intérieur du cinéaste sur l'abandon du pays et de la famille pour travailler en toute sécurité à l'étranger. Plus qu'un simple commentaire sur une luxure sentimentale, le mot “; Nostalghia ”; signifie la même chose en russe et en italien, et évoque ainsi l'observation du film de la façon dont deux éléments séparés peuvent se composer, pour en faire un 'plus' plus / plus extrême. Ce thème de l'unité de la dualité est également mis en évidence par 'Nostalghia”Mettant en vedette non pas un substitut pour le réalisateur, mais deux - le mal du pays, pourtant rationnel, artiste et le fou; tous deux incroyablement dédiés à une seule philosophie. C'est le contraste entre ces deux qui reflète directement Tarkovsky l'homme de famille contre Tarkovsky l'auteur, mais dans une dualité, un côté prévaut généralement et ici, la rationalité perd: le poète meurt et le cinéaste, dans la vraie vie, laisse son famille pour son art. La «nostalghie» peut certes être considérée comme un désir mélancolique de rentrer chez elle, mais elle peut également être lue comme une œuvre hautement autocritique, pleine de remords et de châtiments pour avoir choisi la liberté artistique plutôt que ses proches. Quoi qu'il en soit, c'est un tour de force déchirant. [UNE]

“;Le sacrifice”; (1986)
Achevé peu de temps avant sa mort d'un cancer du poumon en phase terminale en 1986, le dernier film de Tarkovsky pourrait être l'apogée de tout ce qu'il a tenté de réaliser au cinéma. Le penchant de Bergman pour Tarkovsky a été bien documenté et le sentiment était réciproque; l'image suédoise a joué Erland Josephson - un acteur clé de Bergman qui a dirigé plusieurs des photos du Suédois, y compris 'Scènes d'un mariage, ''Sonate d'automne' et 'Fanny & Alexander”; - et a présenté la cinématographie picturale de Sven Nykvist. La foi et l'absence de spiritualité ont toujours été les thèmes centraux de Tarkovsk et tous deux sont examinés et testés dans ce drame de moralité hypnotique. Josephson incarne un journaliste et ancien philosophe dont l'anniversaire est interrompu par la nouvelle que la troisième guerre mondiale a éclaté et que l'humanité n'est qu'à quelques heures de l'anéantissement. Athée dévot, dans son désespoir, Josephson prie Dieu, offrant même la vie de son fils si la guerre peut être évitée. Il dort avec une sorcière pour montrer sa fidélité à Dieu, mais le lendemain tout va bien et il n'est pas clair si les événements précédents n'étaient qu'un rêve. Tourné à Tarkovsky, le film prend généralement un peu plus de trois heures (certains atteignent près de 10 minutes) et est peut-être le réalisateur le plus rêvé du cinéaste, dans une carrière caractérisée par des films hypnagogiques. Une gigantesque maison a été construite spécialement pour la production et lorsque les caméras n'ont pas réussi à capturer son incinération dans un long plan de suivi, la maison a ensuite été fidèlement reconstruite et brûlée à nouveau au sol - Terrence Malick et Jack Fish serait fière. Au Festival de Cannes cette année-là, le film reçut le prix du Grand Jury et les prix FIPRESCI et Jury œcuménique. [UNE]

- Rodrigo Perez, Jessica Kiang, Christopher Bell, Oliver Lyttelton



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