Les films de Robert Bresson: une rétrospective

“; Nous nous entendons toujours avec Robert Bresson, et la puissance et la beauté particulières de ses films, ”; Martin Scorsese a déclaré dans le livre de 2010 “;Une passion pour le cinéma, ”; décrivant le cinéaste français souvent ignoré comme «l'un des plus grands artistes du cinéma» ”;



Mais alors qu'il peut être vénéré par certains comme le meilleur cinéaste français Jean Renoir, en dehors des cercles cinéphiles hardcore, lui et ses films sont pratiquement inconnus (peut-être considérés comme trop opaques ou nébuleux). Considérez simplement le fait que presque tous les livres définitifs sur le réalisateur insaisissable ont été publiés pendant les auges pour ressentir toute la vérité de la déclaration de Scorsese sur la façon dont nous sommes toujours en train d'apprécier et de comprendre sa vie et son travail. Même la date de naissance réelle de Bresson est contestée, ajoutant encore les ambiguïtés entourant le réalisateur.

“; Rendre visible ce qui, sans vous, n'aurait peut-être jamais été vu, ”; le méticuleux Bresson l'a dit jadis, faisant allusion à ce qui aurait pu être sa raison d'être: transcender les attributs et les conventions de l'image en mouvement et distiller toutes choses jusqu'à leur essence de toutes choses. Cette quête sans fin, presque religieuse, d'un type de divinité cinématographique - le désir d'aller au-delà du corporel - couplée au catholicisme de Bresson a contraint de nombreux critiques à le décrire comme un cinéaste spirituel ou même, plus catégoriquement, un plat-out religieux. Et bien qu'il y ait, comme le dit Scorsese, un “; pouvoir particulier ”; à l'art énigmatique de Bresson, une qualité ineffable qui Est-ce que porter un mien spirituel insaisissable, enfermer Bresson comme un cinéaste religieux est beaucoup trop réducteur. Auteur Kent Jones a également rejeté cette notion, préférant plutôt se concentrer sur ce qu'il a décrit comme “; les détails sensuels ”; l’art de Bresson dans son livre BFI de 2008 sur le cinéaste.



Décrit comme un “; peintre ”; de films et connu pour son austérité formelle, sa rigueur économique, sa distance contemplative et son approche minimaliste, Bresson est toujours l'un des cinéastes les plus contre-intuitifs de tous les temps, s'éloignant là où d'autres voudraient intervenir et abandonnant de puissantes techniques de cinéma, comme le gros plan et soulignement musical. Pourtant, de façon perverse, en employant à peu près le contraire de la grammaire traditionnelle du film, il a presque toujours obtenu l'effet particulier de contraindre le spectateur à accorder une attention plus profonde.



Cette singularité d'approche s'étendait à tous les aspects de ses productions: Bresson a cessé d'utiliser des acteurs professionnels après son film de deuxième année et a même commencé à se référer à ses espions en tant que “; models ”; au lieu d'acteurs. “; Les films ne peuvent être réalisés qu'en contournant la volonté de ceux qui y apparaissent, en utilisant non pas ce qu'ils font, mais ce qu'ils sont, ”; il a dit une fois de plus, parlant de son désir de dépouiller toutes choses à une quintessence, un soi, une âme. Sa vision a toujours été idiosyncrasique et sans compromis.

Réalisant seulement treize films (et un court-métrage manquant) au cours des 40 dernières années, Bresson a évolué à un rythme délibéré, mais a créé une œuvre durable et indélébile qui est toujours à l'examen, débattue et examinée. En l'absence d'autobiographie et d'un manque d'interviews disponibles - du moins par rapport à l'auteur moyen - le cinéaste a atteint une mystique encore plus profonde, obligeant les téléspectateurs à projeter leurs propres interprétations émotionnelles et psychologiques sur ses images de rechange. C'était peut-être le point depuis le début: la nature ascétique, objective et clairsemée de son travail crée une grande toile qui invite et enveloppe le spectateur attentif, et nous laisse ravis.

Mais quelles que soient les réponses individuelles, les méditations poétiques austères de Bresson sur la souffrance, le salut, l'aliénation et la condition humaine sont des œuvres profondes et frappantes qui opèrent sur un plan que peu de cinéastes peuvent toucher. Après une renaissance à Forum du film plus tôt dans l'année, nous pensions Bam CinematekLa rétrospective en cours sur le travail du cinéaste était un moment opportun pour explorer et examiner l'œuvre de ce titan sous-jacent. Et donc, ci-dessous, nous commençons par ses premières œuvres presque conventionnelles, passons à ses portraits spartiates de deuxième phase de la misère et de la souffrance humaines, et nous vous emmenons jusqu'au troisième acte de sa carrière, comprenant des critiques sociales non sentimentales, souvent basées sur les livres de Dostoïevski. Nous espérons que cela inspirera certains d'entre vous à rechercher son travail.

'Les Anges du Péché»(1943)
Fabriqué en 1943 lors de l'occupation nazie de la France, neuf ans après son court, “;Les Affaires Publiques, ”; (qui était une comédie, pas moins), “;Les Anges du Péché”; était le premier long métrage de Bresson. Une collaboration avec le dramaturge Jean Giraudoux et prêtre et écrivain dominicain, Père Bruckberger, l'histoire suit une jeune femme aisée Anne-Marie (Renestet Faure) qui décide de rejoindre un couvent, où les religieuses travaillent à la réhabilitation des prisonnières (le couvent avait un modèle réel). À la prison, elle rencontre Thérèse (Jany Holt), qui refuse l’aide des religieuses, car elle soutient qu’elle est innocente du crime dont elle a été condamnée. Après sa sortie de prison, Thérèse se venge de son ancien amant, l'homme qui l'a encadrée, et se cache ensuite dans le couvent, pour le plus grand plaisir d'Anne-Marie, qui croit qu'elle cherche le salut plutôt que de simplement se cacher de la police. C'est quelque chose d'un thriller spirituel, les deux femmes conduisant à la fois la rédemption à partir de deux perspectives différentes, celle de pécheur et de future sainte. Cependant, à la fin, ils trouvent leur rédemption l'un dans l'autre, bien que Bresson refuse les absolus, et ne trouve ni femme entièrement bonne ni entièrement mauvaise. Contrairement à la plupart de ses films, les acteurs sont ici des acteurs professionnels, et les deux rôles principaux brillent, en particulier Jany Holt. Il est considéré comme le réalisateur le plus conventionnel ”; en termes d'acteur, de musique (son seul film avec une partition originale), de dialogue et d'intrigue, mais le sujet spirituel et la relative rareté du style de tournage préfigurent les futurs films de Bresson. [B]

“;Les Dames du Bois de Boulogne”; (1945)
Si les films de Robert Bresson se caractérisent par leur minimalisme ascétique, leur son diégétique et leur austérité générale, alors sa deuxième image, “;Les Dames du Bois de Boulogne,”; est peut-être son plus dynamique, et est donc une anomalie jusque dans son milieu opulent. Bien que toujours relativement calme et au rythme lent, nous obtenons ici une floraison de partitions dramatiques, d'humeur et de récit qui ressemblent au moins à un mélodrame hollywoodien ou à un film qui aurait peut-être pu être réalisé par Jean Cocteau (qui l'a écrit) ou même Jean Renoir. C'est en grande partie parce que ‘ Bois de Boulogne ’; était le dernier film de Bresson à présenter un casting entièrement composé d'acteurs professionnels et le véritable dépouillement de son travail ne commencerait pas avant son prochain film. L'histoire est celle d'une femme méprisée, et si l'enfer n'a pas de fureur comme celle-là, vous n'avez rien vu avant de voir cette musaraigne vengeresse. Le film se déroule comme une tragédie presque romantique centrée sur deux amants de longue date mais décontractées, Hélène (Maria Casares) et Jean (Paul Bernard), qui apprécient également les relations avec les autres. Mais les choses changent soudainement lorsque Jean avoue à Hélène que son amour est en train de décliner et qu'il aimerait réduire leur relation à un `` juste amis ''. statut. Trop orgueilleuse pour montrer ses vrais sentiments consternés, elle feint l'indifférence et approuve, et ils décident de se séparer. Mais plutôt que de pleurer leur amour, Hélène prévoit d'exiger un châtiment cruel en pêchant la douce et jeune Agnès (Elina Labourdette), danseuse de cabaret et prostituée sur le chemin de Jean. Dans un prétexte manipulateur de générosité et de compassion, Hélène décide de payer les dettes de la mère de la jeune fille pour qu'elle emménage dans un appartement voisin - mettant en jeu un plan magistral qui accroche rapidement le Jean fou qui ne sait rien d'Agnès ’; passé. Quand son secret est révélé après leur mariage, déshonorant Jean, Hélène prend sa vengeance lente et méchante avec une satisfaction profonde et diabolique qui a dû être choquante pour son époque. Cependant, une fin heureuse en larmes ressemble à Bresson devinant sa vraie nature - quelque chose qu'il ne ferait pas souvent à partir de maintenant. [B]

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“;Journal d'un prêtre de campagne”; (1951)
Servant de prototype au langage cinématographique ferme de Bresson, son troisième film est un récit incroyablement émouvant d'un saint homme sans pudeur (une étonnamment bonne Claude Laydu) s'occupant de sa première paroisse dans un village de campagne peu accueillant. Le prêtre note des pensées franches dans son journal: il souffre dès le premier jour: son estomac a du mal à manipuler autre chose que du pain rassis imbibé de vin rouge sucré, les prédicateurs les plus âgés le rabaissent souvent et les habitants lui donnent souvent l'épaule froide. Le manque d'hospitalité des citadins découle probablement de sa jeunesse et aussi d'un moment malheureux, car sa première vue à Ambicourt est celle d'un comte bavardant avec le tuteur de sa fille. Compte tenu de la nature bavarde de presque tout le monde dans le film, il est certain que Laydu a été victime d'une méchante campagne de chuchotements, mais le prêtre dévoué refuse de renoncer à sa responsabilité envers les gens, qu'ils répondent ou non. Bien que la philosophie du réalisateur sur le cinéma, qui laisse libre cours pour la première fois ici, semble initialement aliénante (en particulier, il a exigé d'innombrables prises pour vider ses «modèles» de toute émotion calculée), en fait, cela se traduit par quelque chose d'immensément puissant. En s'appuyant sur le look naturel de son modèle principal - Laydu, dont le visage est le summum de l'innocence et de la patience - il donne naissance à une réponse émotionnelle très pure, où même une scène impliquant la course d'une moto (et le sourire qu'elle éveille) devient incroyablement impressionnant. Malgré les nombreux éléments qui frappent le clerc, il conserve plus ou moins sa foi, et cette assurance positive se retrouve dans l'esthétique du film: au milieu du cadrage isolant, Bresson relie fréquemment des scènes avec des dissolutions croisées anormalement longues qui donnent au film un qualité douce et apaisante. Ce choix fait également ressortir celui-ci du lot, évitant la sensation pessimiste que beaucoup de ses films dégagent. Le style de travail de Bresson sur cette image influencerait et résonnerait tout au long de sa carrière, mais le film est et était également un triomphe autonome: à la suite de son “;Les Dames du Bois de Boulogne”; il a ensuite remporté huit prix internationaux, dont le Grand Prix du Festival international du film de Venise. [A]

“;Un homme s'est échappé”; (1956)
Les effets profonds des expériences personnelles de Bresson au cours de ses 18 mois dans un camp de prisonniers de guerre allemands sont profondément ressentis dans ce qui est sans doute le sommet de son catalogue, “;Un homme s'est échappé. ”; Sur la base des mémoires de André Devigny, qui s'est échappé de Fort Montluc à Lyon en 1943 pendant la Seconde Guerre mondiale, le quatrième long métrage de Bresson est intense, à couper le souffle et pourtant peut-être l'un des thrillers ” les plus silencieux et les plus minimalistes. jamais fait. Aussi nu et clairsemé que n'importe lequel de ses films, d'un côté des murs de la prison se trouvent des soldats nazis avec leurs pistolets, tandis que de l'autre se trouve une âme dévastée et décharnée d'un homme, avec une ardente volonté de survivre. Dit dans le silence chuchoté des prisonniers essayant de ne pas attirer l'attention sur eux-mêmes, la quiétude dans " Un homme échappé ”; est énervant et, de manière typiquement contre-intuitive, Bresson augmente la tension pouce par pouce avec des silences, des moments de détails intimes et la menace toujours présente d'être pris. Certain que son sort est l'exécution, le lieutenant Fontaine (un souvenir inoubliable Francois Leterrier) vise à s'échapper par tous les moyens nécessaires, qu'il s'agisse de collusion avec d'autres évadés potentiels ou de construction d'ingénieux outils artisanaux à partir de cuillères volées. Comme dans “;Pickpocket, ”; Bresson est fasciné par le processus, les détails et les mécanismes de l'évasion, et bien que le film puisse être une étude presque atroce de l'incarcération, il est également un examen éclairant et profondément ressenti du moi intérieur. Malgré tous les discours sur la divinité et la religion dans son travail, ce portrait profondément austère et claustrophobe d'un homme en quête de délivrance existe vraiment dans un état de grâce et est la plus sacrée des expériences de Bresson. [A +]

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'Le procès de Jeanne d'Arc»(1962)
L'une des œuvres les plus courtes de Bresson, qui ne dure que 61 minutes, il est évident qu'avec «Le procès de Jeanne d'Arc»Le réalisateur a compris le pouvoir de l'économie et a refusé de recouvrir inutilement l'histoire. Cela commence par Joan (Florence Delay) déjà capturée et jugée par le système judiciaire anglais pour son rôle dans la conduite des troupes françaises contre les Anglais. Pendant le procès, Jeanne, 19 ans, révèle qu'elle a agi sur l'insistance des saints, Dieu lui-même apparaissant devant elle en visions. Joan, attaquée pour tout, de ses vêtements à ses allégations de virginité, est accusée de sorcellerie. Cependant, elle s'en tient à ses armes, même si cela signifie être brûlé vif. Comme pour Dreyer 'La passion de Jeanne d'Arc,'Bresson ’; s “; Le Procès de Jeanne d'Arc ”; s'appuie sur le matériel source de la transcription historique du procès pour hérésie de Joan. Avec un naturalisme bressonien classique et des performances neutres et discrètes, le film a une qualité restreinte, dépouillé de tout embellissement imaginable pour le dialogue, les décors et les costumes. Cependant, comme il l'avait prouvé à plusieurs reprises, Bresson prospère dans la simplicité, et le cadrage monochrome est contrôlé et précis, tandis que son admiration et sa sympathie pour Joan sont clairement indiquées tout au long du film, ce qui rend sa victimisation presque insupportable à regarder. Le film est réalisé avec la plus grande fidélité à la réalité, sans plans exagérés ou artificiels, et les transcriptions sont livrées presque mot pour mot, donnant à la vie sobre la gravité solennelle du procès. Cela s'étend même à son héroïne; Le retard semble petit et faible de stature, ni la pseudo-guerrière Joan que l'on nous donne souvent dans les images et les films ailleurs, ni la Jeanne éthérée de Dreyer. Sa force, pour Bresson, réside dans l'esprit de ses convictions et de sa foi. [B]

'Pickpocket»(1959)
“; Une vieille chose devient nouvelle si vous la détachez de ce qui l'entoure habituellement, ”; Bresson a dit un jour, se référant peut-être à ce film de 1959. Un voleur arrogant qui flirte avec l'appréhension des autorités, la petite fille sage qu'il va adorer et le flic patient attendant que le criminel fasse son faux pas: tous ces ingrédients sont les ingrédients classiques d'un film policier. Mais entre les mains de Bresson, ces éléments traditionnels sont tout sauf, et ce qui se passerait frôlerait une déconstruction de la forme si une telle chose intéressait le cinéaste. Librement inspiré par Dostoïevski«S “;Crime et Châtiment”; et prétendument influencé par Sam Fuller’; s “;Prise en charge sur South Street, ”; Bresson ’; s “;Pickpocket”; inspire un zèle presque religieux à ses nombreux admirateurs ardents. Dans son “;Style transcendantal”; tome sur Bresson, Carl Theodor Dreyer et Yasujiro Ozu, réalisateur / scénariste Paul Schrader (scénariste de “;Conducteur de taxi”;) décrit ce portrait unique de l'esprit criminel, qu'il appelle son œuvre la plus influente, comme un chef-d'œuvre sans atténuation. »Un peu de 75 minutes (beaucoup de ses films étaient précis et précis), et naturellement, un conte du crime et de la rédemption, “; Pickpocket ”; se concentre sur un jeune voleur arrogant (Urguayan inconnu Martin LaSalle) qui devient tellement épris et accro à l'art du vol à la tire qu'il devient une contrainte qu'il ne peut pas arrêter, même s'il sait qu'il flirte avec le désastre. Presque silencieuse (la plupart des dialogues sont en voix off), et comme le protagoniste, presque fasciné par l'art du legerdemain, la chorégraphie tendue de Bresson est à couper le souffle; presque une étude zen du tour de passe-passe. Mais alors que les séquences axées sur la mécanique de la prestidigitation et le frisson de presque se faire attraper sont profondément absorbantes et saisissantes de tension, le film est plus que bien conçu. Bresson joue son propre jeu émotionnellement distant de chat et de souris avec le spectateur, nous remplissant d'effroi anxieux jusqu'à l'explosion d'émotions inattendues dans le point culminant final et lumineux du salut. [B +]

“;Au Hasard Balthazar”; (1966)
'Tous ceux qui verront ce film seront absolument étonnés, car ce film est vraiment le monde en une heure et demie', écrit Jean-Luc Godard, un fervent admirateur de ce chef-d'œuvre de 1966. Sans doute sa meilleure heure à côté de “;Un homme s'est échappé,”; Le cinquième long métrage de Bresson est également son plus compatissant et émotif, tout en conservant cette réserve de marque, dans l'observation sombre du destin tragique de ses honnêtes et innocents protagonistes. S'inspirer de Dostoïevski«S “;L'idiot, ”; l'intrigue raconte la vie de Marie (Anne Wiazemsky, l'un des rares non-pros de Bresson qui a ensuite poursuivi une carrière d'acteur notable), une fille de ferme timide, et suit l'histoire de son âne bien-aimé (qu'elle nomme Balthazar) alors qu'il se transmet de propriétaire en propriétaire - certains inhumains, d'autres légèrement sympathiques, mais tendant surtout au sadique. Malheureusement et ironiquement, l’existence infernale de Balthazar est parallèle à celle de Marie, la jeune fille étant également maltraitée émotionnellement, psychologiquement et physiquement au fil des ans. Une image déchirante et profondément émouvante, qui présente l'une des performances les plus nobles et les plus puissantes ”; par un animal à l'écran, l'interprétation largement acceptée de ‘ Balthazar ’; est comme une allégorie pour un saint qui atteint la transcendance spirituelle en portant ses épreuves sans se plaindre face à l'exploitation et à la méchanceté. Quoi qu'il en soit, on ne peut nier que Bresson est un monde cruel, cruel et cet examen des souffrances humaines injustes et injustes est dévastateur, profond et déchirant. [A +]

“;Mouchette”; (1967)
Le réalisateur est revenu sur le travail de Georges Bernanos pour son premier long métrage suivant le point de repère “;Au Hasard Balthazar, ”; dans un revirement rapide qui a probablement influencé le ton tout aussi sombre. Réprimandée à l'école et forcée de prendre soin de sa mère malade et de son petit frère à la maison, le personnage titulaire (Nadine Nortier) a peu de raisons d'être gai, avec même un moment de connexion humaine potentielle légitime à un carnaval rapidement écrasé par son père ivrogne. Cependant, elle se retrouve avec un bref objectif après une nuit avec un braconnier épileptique - pensant qu'il a peut-être tué un gardien de jeu dans une échauffourée, il la fait partie de son alibi et procède ensuite à la déflorer. Cet événement change la jeune fille, qui par la suite se tient avec plus de confiance. Malheureusement, son changement intérieur n'affecte pas le monde morne et appauvri qui l'entoure, et elle continue à trouver le fardeau de vivre cette existence tout à fait insupportable. Bresson est souvent noté comme étant de forme minimaliste, mais bien qu'il réduise la graisse comme il est un cadre de Yahoo, il est important de noter la différence entre lui et les cinéastes plus minimalistes: les scènes sont remplies de nombreux mouvements et actions, toutes amplifiées par la caméra curieuse du réalisateur, et découpés ensemble à un rythme précis. Ce film a sans doute certaines des scènes les mieux construites qu'il n'ait jamais faites: le gardien de jeu observant le braconnier infâme au travail est calme et mystérieusement suspense (Hitchcock serait fier), tandis qu'une bagarre entre Mouchette et son institutrice à propos de son chant ressemble à une tranche de vie, un souvenir inconfortable que nous oublions tous. Encore une fois, Bresson travaille sur des figures isolées par leurs sociétés, mais il évite d'être répétitif par son imagerie toujours frappante, comme le dernier moment de Mouchette se donnant au lac (une séquence à nouveau immortalisée en 2003 pour Bernardo Bertolucci’; s “;Les rêveurs”;). Un portrait concentré de la souffrance humaine, “; Mouchette ”; est souvent tenu en haute estime à côté de son frère ‘ Balthazar ’; et a également reçu le timbre d'approbation de Jean-Luc Godard, qui a coupé une bande-annonce du film, qui montre son respect, dans son propre (bien sûr) “; cute ”; peu de chemin. [UNE]

“;Une femme douce”; (1969)
Le premier film en couleur de Bresson, “;Une Femme Douce”; ('Une femme douce“), Se fonde sur Dostoïevski histoire courte “;Une douce créature. ”; L'histoire se concentre sur le monde intérieur inconnaissable de ‘ la femme douce, ’; Elle, que nous rencontrons au début du film juste après son suicide. L'histoire est racontée dans des flashbacks racontés par son mari prêteur sur gages, Luc, alors qu'il essaie de comprendre ce qui l'a amenée à se suicider. Ils se sont rencontrés dans son magasin et lui, frappé par sa beauté, l'a suivie jusqu'à la maison, l'a épousée malgré ses protestations initiales. Un couple étrange depuis le début, le prêteur sur gages se trouve incapable de comprendre pleinement sa femme comme il le veut: il fait appel à elle pour des voyages à l'opéra, achetant ses disques et ses livres, mais elle n'est toujours pas heureuse. Luc devient plus oppressif et Elle devient plus renfermée, jusqu'à ce qu'une nuit, elle cherche un pistolet pour le tuer, mais est incapable d'appuyer sur la détente. Au lieu de cela, elle s'échappe de la seule façon qu'elle peut, par la mort - une évasion courante pour les personnages de Bresson. Comme on nous raconte l'histoire du point de vue du mari, le monde de sa femme reste mystérieux, toujours caché juste hors de vue. Fait intéressant, bien que Bresson ait qualifié tous ses acteurs de «modèles», celui-ci présentait un véritable modèle des années 1960, Dominique Sanda dans ses débuts à l'écran (elle a ensuite joué dans bertolucci’; s “;Le conformiste”;), bien qu'assez étrangement Sanda a été jeté sur la base de sa voix. Les performances sont typiquement bressoniennes, avec peu d'émotion ou de réaction dégagée par l'expression, bien que les subtiles subtilités du visage et des mouvements de Sanda suggèrent son agitation intérieure. La vision de Bresson sur le matérialisme contre l'accomplissement spirituel est claire dans ce film, avec des indices que l'obsession du prêteur sur gages pour l'argent et les choses ”; conduit au désespoir de sa femme et à sa mort. [B +]

“;Quatre nuits d'un rêveur”; (1971)
Bresson est revenu à nouveau sur les nouvelles de Dostoïevski pour trouver l'inspiration avec 'Quatre nuits d'un rêveur', Basé sur une histoire intitulée'nuit blanche'; un regard discret et hautement stylisé sur le pouvoir inexpliqué de l'amour, qu'il soit retourné ou non. Le film suit Jacques, le rêveur du titre, un peintre solitaire, dont le processus artistique consiste à s'enregistrer lui-même et à rejouer les enregistrements à haute voix. Il parcourt les rues de Paris mais est toujours seul. Au Pont Neuf, il rencontre Marthe, une jeune fille debout au bord du pont sur le point de sauter. Son amant est parti en Amérique et était censé la rencontrer sur le pont cette nuit-là mais ne s'est pas présenté. Ensemble, ils décident de contacter l'amant de Marthe, Jacques agissant comme messager. Dès lors, Jacques ne peut échapper à la pensée de l'inatteignable Marthe, enregistrant son nom et l'écoutant constamment. Il la rencontre sur le pont pendant les trois prochaines nuits sans réponse de son amant pour livrer, jusqu'à ce que la quatrième nuit, Jacques lui avoue son amour, quoique avec une retenue bressonienne classique. Alors que Marthe essaie de comprendre ses sentiments, ils parcourent les rues de Paris ensemble et Marthe rencontre son ancien amant. Après avoir hésité un instant, elle court dans ses bras, laissant Jacques retourner dans son atelier, encore une fois seul, pour peindre. 'Quatre nuits d'un rêveur' pourrait être considéré comme le film le plus romantique de Bresson, à la fois en termes de sujet et de style visuel, et les scènes nocturnes éthérées où les deux se rencontrent sont incroyablement évocatrices de la première rougeur de la romance, unilatérale ou non. Cependant, il y a un sentiment absolu d'absurdité et d'ironie en faisant peut-être son effort le plus ludique. Tout semble exacerbé, la ville de Paris, les gens, les lumières, les rivières et les chansons - ici, nous avons la seule utilisation de la musique populaire par Bresson, mais encore une fois, tout est diégétique, des musiciens ambulants errants au groupe maison sur un bateau qui passe, à un cercle de hippies assis et chantant. “; Quatre nuits d'un rêveur ”; est également l'un des rares films de Bresson encore indisponible sur DVD ou VHS, qui, espérons-le, pourra être corrigé le plus tôt possible. [B-]

“;Lancelot du lac”; (1974)
Alors que pour les amateurs de Bresson “;Lancelot du lac”; est souvent cité comme la distillation la plus pure du langage unique de l'image et du son du réalisateur, les nouveaux venus pourraient bien trouver le film un défi particulier. Conçu au début des années 50 et finalement sorti en 1974, le troisième long métrage de Bresson voit le réalisateur adopter une approche résolument révisionniste de la légende arthurienne, bouleversant toutes les attentes de chevalerie et de spectacle viscéral. Particulièrement lorsqu'il est expérimenté pour la première fois, son “; cinématographique ”; le style donne un mélange discordant: un décor d'époque somptueusement réalisé, peuplé par une troupe de robots somnambulants claquants et blindés. En plus des acteurs ’; performances sans affections, Bresson s'éloigne de la tradition en commençant le film avec les chevaliers de Camelot déjà vaincus et en revenant les mains vides de leur poursuite folle du Saint Graal. Le peu qui est montré de leur quête réelle se limite à un Monty Python-un montage d'ouverture, qui, avec ses échanges d'une barbarie acharnée, prévient immédiatement les notions conventionnelles d'héroïsme chevaleresque. L'intrigue à peine esquissée concerne les liaisons illicites entre Lancelot (Luc Simon) et Guenièvre (Préservatifs Laura Duke), bien que de façon typiquement bressonienne, celles-ci sont complètement dénudées. La véritable préoccupation de Bresson concerne le déclin moral que représente l’affaire et la manière dont les allégeances caduques menacent de déstabiliser l’entourage déjà désenchanté d’Arthur. Sans doute, cependant, “; Lancelot ”; est surtout connu pour une scène centrale célèbre, qui résume un tournoi de joutes en une boucle audiovisuelle hypnotique de cornes, de drapeaux flottants et de sabots cliquetants. [B-]

Le diable, probablement”; (1977)
Le film le plus sombre et le plus controversé de Bresson, 1977, “;Le diable, probablement”; a été parmi les plus grands bénéficiaires de la réévaluation critique qui a eu lieu depuis James Quandt a organisé la première grande rétrospective de Bresson en Amérique du Nord en 1998. Ce qui ne veut pas dire que le film était entièrement dépourvu de ses premiers champions. Au 1977 Berlinale, Cinéaste allemand Rainer Werner Fassbinder célèbre menacé de boycotter le jury du festival si le film n'était pas reconnu, et il a dûment reçu le prix spécial du jury. Mais les censeurs de la France natale de Bresson ont été moins reconnaissants et ont interdit à «Devil» d’exposer aux téléspectateurs de moins de 18 ans comme incitation au suicide. L'auto-annihilation est le destin choisi de Charles (Antoine Monier), le protagoniste du film, un jeune intellectuel qui conclut avec résignation qu'il ne peut ni affecter le changement ni s'adapter à un monde en déclin physique et social irréversible. L'échec de la recrudescence du radicalisme étudiant mondial en 1968 pèse lourdement sur «Diable», Charles désabusé ne pouvant embrasser ses cohortes. activisme politique. Il se trouve également insatisfait par la religion organisée, la camaraderie sexuelle et la psychanalyse, protestant allègrement auprès de son thérapeute que sa seule maladie est de voir trop clairement. ”; Et il est difficile de contester son appréciation, telle est la puissance de la condamnation assourdissante de Bresson de la société contemporaine, rythmée par des extraits documentaires de pétroliers sinistrés, des essais de bombes nucléaires et le matraquage d'un bébé phoque. Mais si, sur le plan thématique, «Diable» menace parfois de soumettre les téléspectateurs à un martèlement similaire, le détachement habituel du réalisateur garantit qu'il ne deviendra jamais une chape dominatrice et moralisatrice. La complainte de Bresson est résonnante, mais aussi empreinte d'ironie morte, jusqu'au fait que c'est le thérapeute sans cervelle qui finit par conseiller Charles à la manière parfaite de se détourner de lui-même. [UNE-]

“;L’argent”; (1983)
Sa dernière photo, réalisée à l'âge de 82 ans (il a survécu encore une décennie et demie, décédée à l'âge de 98 ans en 1999), “;L’argent”; est l'un des films les plus décourageants et les plus sombres de Bresson. Mais le décrire simplement comme cynique ou comme une censure morale, c'est manquer la distance froidement objective du cinéaste (et son sens caustique de l'ironie). Gagner son créateur le Prix du réalisateur au 1983 Festival de Cannes, “; L ’; argent, ”; est vaguement inspiré par “;Le faux coupon,”; une courte histoire du romancier russe Leo Tolstoy, et illustre comment la cupidité déclenche une chaîne d'événements qui affecte la vie de dizaines de personnes. Un billet de 500 francs contrefait est utilisé par une paire d'élèves du collège calleux et aisés dans un magasin de photographie et d'appareil photo, mais au lieu de traquer leurs parents, le gestionnaire de photos sans scrupules promet de faire passer le billet lui-même. Yvon, un homme du gaz honnête et sans méfiance (Christian Patey) paie le prix quand il arrive avec une facture, est dupe, puis est arrêté plus tard pour avoir essayé d'acheter un dîner dans un restaurant avec cette fausse note. Bien qu'il soit épargné des peines de prison lors du procès, le désespoir de perdre son emploi et les moyens de subvenir aux besoins de sa famille conduisent finalement cette victime à devenir le conducteur de l'escapade lors d'une tentative (et déjoué) de vol de banque d'un ami. Pendant sa peine de trois ans de prison, Yvon apprend que sa jeune fille est décédée et que sa femme le quitte maintenant. Et cela ne devient plus sombre et plus déchirant qu'une fois Yvon sorti de prison. Alors que son mordant prend la classe, l'injustice sociale et sans doute les maux de l'argent peuvent être vus à travers une lentille marxiste, comme Vincent Canby a écrit en 1983, son point de vue est en fait beaucoup trop poétique - trop intéressé par les mystères de l'esprit. ”; En fin de compte, “; L ’; argent ”; est l'une des blagues astringentes et cruelles de fin de carrière de Bresson; profondément déprimant et obsédant, c'est un regard non sentimental et dissocié sur l'amoralité et la façon dont ses effets se répercutent vers le bas. [UNE-]

Le film perdu: Tout ce qui manque à l'œuvre de Bresson est «Les Affaires Publiques,»Un court métrage de comédie de 1934 dont la seule copie survivante est évidemment légèrement abrégée (sans ce qui est dit être un ou deux numéros musicaux). Malheureusement, cela a été absent de la plupart ou de toutes les rétrospectives de Bresson.

Vous n'êtes pas convaincu du mystérieux pouvoir de Bresson? 'Je ne m'intéresse qu'aux opinions de deux personnes: l'une s'appelle Bresson et l'autre Bergman', a dit le grand cinéaste russe. Andrei Tarkovsky dit une fois. Alors que “; Robert Bresson est le cinéma français, comme Dostoïevski est le roman russe et Mozart c'est la musique allemande » Jean-Luc Godard. Et il convient de noter: si amoureux était le «À bout de souffle'Cinéaste avec'Au Hasard Balthazar, 'il continuerait à jeter son étoile inconnue Anne Wiazemsky dans ses propres films par la suite (à partir de 1967 'La Chinoise“) Et l'épousa la même année. - Rodrigo Perez, Julian Carrington, Samantha Chater et Chris Bell

Une mise à jour: Criterion a sorti 'A Man Escaped' sur Blu-Ray / DVD (enfin une version formidable) et a livré sa vidéo 'Three Reasons: A Man Escaped' et l'essai vidéo 'David Bordwell et Kristin Thompson Listen to A Man Échappé. »Regardez ci-dessous.

histoire d'horreur américaine non éditée









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