Les films de Roman Polanski, classés du pire au meilleur

Peu de réalisateurs ont eu un plus grand impact sur les thrillers d'horreur ou d'art et d'essai modernes que Roman Polanski. Ses films vont de l'étalement de «Chinatown» à la profonde claustrophobie de «Répulsion», mais presque tous conservent la même vision du monde fracturée, le même sens de l'humour sombre et absurde, et la même concentration sur les jeux de pouvoir. La controverse sur les crimes réels de Polanski éclipse parfois ses films, mais il reste un réalisateur vital et important dans sa sixième décennie en tant que cinéaste. En prévision de son dernier «Vénus en fourrure», qui s'ouvre ce vendredi, voici un classement de ses films, du pire au meilleur.



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20. 'Quoi? »(1972)




Eric Kohn, d’Indiewire, a fait un très bon argument en faveur de «Quoi?» Comme autre chose qu’un idiot écœurant. J'aimerais pouvoir faire de même. Tourné en Italie après que le producteur Carlo Ponti a donné à Polanski une carte blanche et une belle villa italienne avec laquelle travailler, 'Quoi?' Est présenté comme un riff sexy sur 'Alice au pays des merveilles' en passant par Fellini. Cela le rend cependant plus cohérent qu’il ne l’est, et ne prépare pas à la misogynie endémique du film. S'ouvrant sur une tentative de viol collectif qui est joué pour rire (ce n'est pas bon signe), le film voit une Synde Rome légèrement vêtue dans un état de violences sexuelles perpétuelles de la part de Marcello Mastroianni (dans un peu de triste auto-parodie) et Polanski lui-même. Là où les efforts antérieurs de Polanski comportaient une certaine empathie pour les femmes utilisées par les hommes, «Quoi?» N'a pas de véritable perspective sur la laideur exposée, jouant comme un peu inquiétant préfigurant comment le style et le style de vie décadents de Polanski se sont transformés en quelque chose de méchant .




19.
«Pirates» (1986)

affiche du film atout


Sorti après sept ans d'absence du cinéma, «Pirates», la tentative de Polanski de film à succès, suggère que le réalisateur était un peu rouillé. L'idée fausse du film commence avec la fausse interprétation surréaliste de Walter Matthau en tant que pirate, qui voit l'acteur de personnage éminemment sympathique enterré sous des charges de cheveux et de maquillage, sa voix reconnaissable échangée contre un horrible accent de pirate. Pire encore, 'Pirates' n'a pas le genre de ligne narrative qui sert le mieux le sens de l'humour absurde du réalisateur, au lieu de cela, composé d'un tas de scènes rassemblées qui, selon Polanski, seraient drôles. Et bien qu'il y ait des moments impressionnants de pur spectacle, notamment le galion à grande échelle construit pour la production, les scènes d'action sont saccadées et difficiles à suivre, ce qui fait des arguments de vente du film une tâche ardue.



18. «Oliver Twist» (2006)


Compte tenu de la propre enfance tumultueuse de Polanski, il est facile de voir comment l'adaptation de «Oliver Twist» de Charles Dickens aurait pu être une proposition tentante. Mais le point de vue de Polanski sur Twist n'est pas particulièrement distingué, en adoptant la même palette visuelle terne qui a travaillé sur 'The Pianist' sans le drainage progressif de la couleur du film précédent qui a rendu le choix efficace. Le film couvre autrement sans vie les mêmes points de l'intrigue que ceux vus dans les adaptations précédentes du roman, avec le martelé Fagin de Ben Kingsley fournissant le seul point d'énergie. Ce n'est pas un film terrible, mais c'est trop sacrément familier pour se démarquer à côté de la version indélébile de David Lean en 1948 ou du film gonflé mais charmant de Carol Reed de la comédie musicale 'Oliver!'



17. «La mort et la jeune fille» (1994)


Peu de réalisateurs tirent plus de kilomètres de la limitation des films à un seul endroit que Roman Polanski, mais il a parfois du mal à adapter les pièces. 'Death and the Maiden' a une configuration ingénieuse: une ancienne révolutionnaire (Sigourney Weaver) souffrant du SSPT croit avoir trouvé l'homme (Ben Kingsley) qui l'a torturée et violée il y a des années et le prend en otage; son mari (Stuart Wilson) est moins certain. Le problème est que l'insularité de la pièce semble artificielle à l'écran, et elle est beaucoup trop sur le nez avec ses points sur la puissance, la folie et la paranoïa. Le casting est également inégal: Kingsley est excellent en tant qu'otage parfois sympathique, parfois nébuleux, mais Wilson ne fait pas grande impression et Weaver est inhabituellement surchauffé, ce qui mine un script déjà fragile qui pivote sur l'ambiguïté de savoir si oui ou non elle a raison.



16. «Carnage» (2011)


Polanski a eu plus de chance d'ouvrir «Carnage», une adaptation de la pièce âcre de Yasmina Reza «God of Carnage», dans laquelle deux couples séparés par classe se rencontrent pour discuter d'un incident entre leurs enfants et finissent par se déchirer les gorges de l'autre . Polanski joue l’incapacité des couples à quitter l’appartement et le laisse simplement aller comme une terrible blague absurde, laissant les acteurs prendre le contrôle de l’écran. Mais seulement la moitié du casting est à la hauteur: où Christoph Waltz est hilarant condescendant et Kate Winslet à la fois irritante et sympathique, Jodie Foster surpasse son caractère aigu, tandis que John C.Reilly ne peut pas vendre le passage soudain de son éternel au rauque. Et même si le casting était sur la même page, 'God of Carnage' est, Tony Award être damné, pas une très bonne pièce, un wannabe à faible loyer d'Edward Albee qui pense à l'idée que les gens cachent leur misanthropie sous une façade de civilité est nouveau et perspicace plutôt que bien usé et joué.



15. «La neuvième porte» (1999)


'The Ninth Gate' est un film stupide, mais il y a quelque chose de pervers à ce sujet. Bien sûr, l'intrigue, à la recherche d'un livre littéralement écrit par le diable, est ridicule, et le film se termine par un bruit sourd où le mystérieux méchant (Frank Langella) commence soudainement à agir comme un idiot. Mais cela n'a guère d'importance au début, ce qui voit Polanski mélanger le classicisme effrayant avec un ton voûté à un effet enivrant. Il est utile que Johnny Depp, de retour dans la phase «réellement éprouvante» de sa carrière, apporte la bonne note de scepticisme et de ruse pour que le film «Chinatown» rencontre «Rosemary ’; s Baby». En tant que drame, c'est insatisfaisant et plus qu'un peu maladroit. En tant qu'exercice stylistique, c'est une explosion.



14. «Frantic» (1988)


'Frantic' est le film le plus simple jamais réalisé par Polanski, une imitation légère d'un thriller hitchcockien avec un macguffin faible, des méchants immémoriaux et une performance vierge de la future épouse de Polanski, Emmanuelle Seigner, en tant que mystérieuse femme qui aide Harrison Ford à sauver sa femme kidnappée. Mais Polanski obtient un travail solide de Ford aux yeux larmoyants et de plus en plus exaspéré alors qu'il traite des bureaucraties inefficaces et de l'épuisement croissant. Polanski retire également quelques décors de dynamite, dont un où Ford doit éviter d'être vu ou entendu sur le toit de Seigner. C’est un film jetable, mais à peine mauvais.



13. «Tess» (1979)


Conçu comme un retour pour Polanski après son exil des États-Unis, 'Tess', une adaptation de 'Tess of the D’Urbevilles' de Thomas Hardy, le réalisateur est brièvement revenu au sommet de son art, ce qui lui a valu sa deuxième nomination au titre de meilleur réalisateur. C'est un film de nombreux plaisirs, de Geoffrey Unsworth et Ghislain Cloquet, une cinématographie magnifique et brumeuse à Nastassja Kinski, une performance admirablement timide, et Polanski, un regard profondément sympathique sur la déshumanisation de Tess, un ajout bienvenu à Polanski. avec le pouvoir et les mondes injustes. Mais 'Tess' se déplace à un rythme d'escargot, se sentant souvent comme un livre sur le film richement imaginé mais essentiellement sans forme, et Polanski est mieux adapté aux films d'une terreur et d'un danger omniprésents qu'il ne l'est aux pièces d'époque pittoresques. C’est un film admirable, mais pas toujours captivant.



12. «L'écrivain fantôme» (2010)


Pendant un court laps de temps, il ressemblait à 'The Ghost Writer ”; pourrait être le dernier film de Polanski, car le réalisateur a été presque extradé aux États-Unis pour son viol de 1977 d'une mineure. Ce ne devait pas être le cas, mais ça n'aurait pas été un mauvais film de se terminer. En ouvrant avec un mouvement élégant digne de Hitchcock - une voiture ne quitte pas le ferry et un corps se lave à terre - Polanski maintient une humeur de terreur qui mijote tranquillement et qui ne lâche jamais. Polanski n'a pas beaucoup d'intérêt pour les implications politiques de Tony Blair-substitut de Pierce Brosnan, mais il obtient un excellent travail de sa distribution (en particulier une mystérieuse Olivia Williams), et sa maîtrise d'une perspective limitée fait pour une grande mauvaise orientation un sentiment de isolement pour un protagoniste qui est un homme sans existence, un homme qui peut facilement disparaître ou être contrôlé.



11. “Cul-de-sac” (1966)


Éclipsé par les autres films des années 60 de Polanski et indisponible jusqu'à la sortie de Criterion il y a quelques années, 'Cul-de-sac' est un film de transition pour Polanski, mais un effort mémorable à part entière. Une sorte de «Waiting for Godot» rencontre «Little Caesar», le film est un jeu de puissance entre le gangster américain effronté Lionel Stander, qui attend un collègue qui ne se montre jamais, et l'inefficace Brit Donald Pleasence, dont le château Stander tombe sur . Stander domine et émascule Pleasence devant sa femme surexcitée (Françoise Dorleac) alors que Polanski utilise le château pour un effet saisissant, transformant une bataille d'esprit en un regard démesuré sur la domination masculine. Si les derniers instants de cette comédie noire sont plus dérangeants que drôles, c’est parce qu’ils sont comiques au sens le plus méchant du terme, poussant la vision du monde morne de Polanski à sa plus jaunisse.



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10. «Vénus en fourrure» (2013)

Alors que l'acte à deux du film gagnerait probablement à voir les acteurs dans la chair, 'Vénus en fourrure' ne ressemble jamais à un théâtre en conserve, avec des changements subtils de Polanski dans l'éclairage et des compositions décalées convenant parfaitement à ce psychodrame délicieusement luride. Le sujet est parfait pour lui aussi, distillant ses vues sur le sexe et le pouvoir dans l'art en une dose concentrée et mettant en vedette la meilleure performance d'Emmanuelle Seigner en tant qu'actrice qui passe constamment de l'actrice au personnage, soumise à dominante, manipulatrice à … plus manipulatrice.



9. «Le locataire» (1976)


Le dernier film de Polanski avant son exil permanent des États-Unis est également le plus dérangeant et sans doute le plus troublant. La dernière partie d'une trilogie lâche 'Apartment Trilogy' qui a commencé avec 'Repulsion' et 'Rosemary ’; s Baby', le film met en vedette Polanski en tant que comptable d'origine polonaise vivant à Paris qui croit que ses voisins xénophobes tentent soit de le forcer à suicide comme le locataire précédent (femme) ou, plus bizarrement, en essayant de le transformer en locataire précédent. Le film commence à devenir fou et devient plus fou, mélangeant un surréalisme effrayant (Polanski laissant tomber des ordures alors qu'il sort ses ordures, pour ensuite les retrouver manquantes), la terreur (le locataire précédent apparaissant inexplicablement en face et lui donnant un effrayant sourire), et bizarrerie (Polanski giflant un petit enfant sans raison perceptible). La thèse du film n'est pas aussi claire que ses efforts antérieurs, mais c'est toujours une histoire très efficace sur la façon dont la folie du monde empoisonne l'esprit.



8. «Bitter Moon» (1992)


Le film le plus sous-estimé de Polanski, «Bitter Moon», est un peu une refonte de son premier «Knife in the Water» - tous deux se déroulent sur des navires (celui-ci sur un bateau de croisière), et tous deux traitent de relations tendues par une sexualité accrue . «Bitter Moon» pousse l'esthétique de Polanski à un niveau encore plus extrême, à commencer par une brume softcore ironique et un ton campagnard qui culmine avec Emmanuelle Seigner versant du lait sur ses seins au rythme de «Faith» de George Michael, puis faisant sortir le public de leur faux sentiment de sécurité vers un territoire inconfortable comme Peter Coyote portant un masque de porc et rampant à quatre pattes ou la cruauté émotionnelle intense de Coyote et Seigner les uns envers les autres. Leur lâcheté décomplexée contraste parfaitement avec le couple milquetoast de Hugh Grant et Kristen Scott Thomas, montrant comment une relation extrême peut refléter une relation plus douce, les deux reposant finalement sur des jeux de pouvoir entre amants.



7. «Le pianiste» (2002)


Le film le plus personnel de Polanski est également l'un de ses meilleurs, un film sur l'Holocauste qui parle autant d'un monde devenu fou que de l'événement. Il a certaines des touches les plus subtiles de Polanski, du changement de costumes des vêtements d'époque vifs aux gris et bruns humides à l'utilisation d'une perspective limitée de Wladyslaw Szpilman (un Adrien Brody hanté dans un rôle gagnant d'un Oscar), qui ne peut jamais savoir à qui faire confiance ou vers qui se tourner et qui est impuissant à faire quoi que ce soit pour résister aux nazis s'il veut survivre. Polanski voit également l'absurdité sombre (si impossible de rire) dans la situation de Szpilman, car il est constamment épargné par la mort non pas par son intelligence, mais par une pure chance stupide. Il conserve un sens de l’ironie amère jusqu’à la fin, quand la bonne action d’un Allemand n’est pas suffisante pour le sauver de l’oubli. Le film a valu à Polanski une victoire surprise aux Oscars du meilleur réalisateur, et une victoire largement méritée.



6. «Les vampires tueurs sans peur» (1967)


Probablement le film le plus polarisant de l’œuvre de Polanski, 'The Fearless Vampire Killers' est sa comédie la plus réussie dans une promenade, une parodie irrévérencieuse mais affectueuse des films d’horreur Hammer. L'humour est large, mais Polanski le filtre à travers un cadre de genre finement réglé, et beaucoup de ses touches sont vraiment inspirées, en particulier un vampire juif qui rit d'une femme avec une croix («Oy vey, as-tu le mauvais vampire! ») Et évite d'être moins bien traité que les riches vampires goy. Polanski tempère également l'humour sexuel de débauche avec une douceur authentique lorsque son personnage tombe amoureux de la radieuse Sharon Tate (qui ne rencontrerait tristement son destin par la famille Manson que deux ans plus tard). Même cette douceur, cependant, mène à l'une des meilleures terminaisons ironiques de la filmographie de Polanski, ce qui suggère que c'est par l'amour que le mal peut vaincre, quelque chose sur lequel Polanski reviendrait dans 'Rosemary ’; s Baby'.



5. «Macbeth» (1971)


On peut dire que la version cinématographique définitive de la pièce de Shakespeare (seul le «trône de sang» d'Akira Kurosawa la rivaliserait), «Macbeth» de Polanski est le Barde par voie d'horreur atmosphérique. Doom and dread plane sur le monde comme un spectre omniprésent, et la scène la plus sombre du film, le massacre de la famille Macduff, ressemble étrangement aux descriptions du meurtre de Sharon Tate, comme si Polanski exerçait ses pires cauchemars. Les libertés de Polanski avec la pièce ne font que la rendre encore plus troublante, avec une fin qui suggère que le cycle de la violence, de la trahison et de la mort se poursuivra jusqu'à la fin des temps.



4. «Un couteau dans l'eau» (1962)


Un des plus grands débuts de réalisateur de tous les temps, 'Knife in the Water' est un film où les jeux d'esprit entre jeunes et vieux, bourgeois et prolétariat deviennent physiques. Contrastant brillamment l'ouverture de la mer avec la claustrophobie du bateau sur laquelle un couple marié et un auto-stoppeur viril sans nom restent, Polanski ne leur donne pas d'autre choix que de traiter entre eux, jusqu'à ce qu'un concours pour l'affection de la femme de l'homme riche se transforme méchant car la possession d'un couteau (grand, phallique et brutal) devient un symbole de pouvoir et de domination sexuelle. C'est un film pessimiste où personne n'est innocent, tout le monde joue à un jeu, et aucun d'entre eux ne peut retourner à sa vie ordinaire sans être ébranlé. Pourtant, c'est aussi l'un des thrillers les plus divertissants des années 1960, avec Polanski montrant un talent pour travailler avec une mise au point profonde et un montage ludique.



3. «Répulsion» (1965)


Les films de Polanski traitent souvent d'innocents rendus fous par le monde, mais il y a quelque chose de terriblement mal avec le personnage de Catherine Denueve dans 'Repulsion' depuis le début. Quand elle entend les orgasmes de sa sœur, elle a l'air d'être torturée. Toute sexualité est un viol pour Denueve - ses rêves d'hommes qui la dominent et ses visions de murs agrippant ses seins ne sont que des tremplins vers sa descente dans la folie. C'est le film d'horreur rare où les éléments surréalistes sont presque réconfortants par rapport aux réalistes - le regard froid de Deneuve, ses rêves vifs de violation sexuelle et la franchise des scènes de meurtre. Polanski joue avec l'idée qu'elle est une femme hors de propos - une fille européenne refoulée face à la permissivité sexuelle du swing de Londres - mais un dernier tir déroutant laisse ouverte la question de savoir si cette peur provient de l'expérience passée ou de la répression générale. C'est ce qui rend la «répulsion» si efficace et dérangeante - il n'y a pas de réponse.



2. «Le bébé au romarin» (1968)


Le génie de «Rosemary's Baby» commence avec certains des casting les plus habiles de la carrière de Polanski: une merveilleusement expressive Mia Farrow en tant que fille d'à côté devenue mère maladroite et terrifiée, Daffy Ruth Gordon en tant que voisine doucement satanique et cinéaste indépendante et parfois acteur principal John Cassavetes comme un homme qui vend son âme pour une pause. La domination de Rosemary est l'un des jeux de pouvoir les plus parfaitement réalisés de Polanski, car les personnages dominants ne sont plus les figures ouvertement méprisantes ou méprisantes de 'Knife in the Water' et 'Repulsion', mais les personnes auxquelles Rosemary fait le plus confiance: les médecins, les amis voisins, son mari. Polanski nous met dans la perspective limitée de Rosemary, où nous ressentons sa paranoïa mais nous demandons à quel point nous pouvons faire confiance à ce que nous voyons. Et la fin effrayante du film est dérangeante non pas parce qu'elle suggère l'existence du mal, mais que le bien peut se résigner à l'accepter. Plus que «Psycho», qui se termine par une explication, «Rosemary’s Baby» est la naissance de l’horreur moderne, où le «pourquoi» de la situation est impossible à répondre.



1. «Chinatown» (1974)

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Joyau de la couronne dans la filmographie de Polanski, 'Chinatown' est un chef-d'œuvre froid et craquelé, une histoire d'origine révisionniste pour l'Amérique moderne. Travaillant avec Jack Nicholson à l'apogée de son charme intelligent avec un scénario presque parfait de Robert Towne, Polanski troque les noirs et les blancs du noir pour un look ensoleillé sur le côté sombre et sournois de Los Angeles. 'Chinatown' fonctionne à la fois comme une apothéose du noir et une subversion de celui-ci, où l'œil privé lisse ne fait qu'empirer les choses et la femme fatale est le seul personnage vraiment altruiste. C'est le regard ultime sur l'intérêt de Polanski pour le pouvoir et un monde devenu fou, où la raison de l'exploitation de la terre et de la confiance personnelle est simplement parce que le méchant en était capable, et où le héros ne peut même pas éclairer la vérité . 'Oublie ça, Jake, c'est Chinatown.'



Bouts: Les premiers courts métrages de Polanski, tous réalisés pendant son mandat à la National Film School de Lodz, sont disponibles sur l'édition Criterion de 'Knife in the Water'. Ils sont tous excellents, mais le court-métrage absurde 'Two Men and a Wardrobe' est particulièrement intéressant. Il se prépare actuellement à réaliser son 21e long métrage, 'D', sur l'affaire Dreyfus. Et comme pour tout metteur en scène, il a une flopée de projets défaits fascinants, notamment des adaptations de 'Le Double' de Dostoïevski et de la satire stalinienne de Mikhaïl Boulgakov 'Le Maître et Marguerite', que Polanski considérait comme le meilleur scénario qu'il ait jamais écrit. Tant pis.



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