Les films de Sidney Lumet: une rétrospective

Cela fait un an que Sidney Lumet est décédé le 9 avril 2011. Voici notre rétrospective sur le cinéaste légendaire pour honorer sa mémoire. Publié à l'origine le 15 avril 2011.



Près d'une semaine après les faits, nous, comme tous ceux qui aiment le cinéma, pleurons toujours le décès du grand maître américain Sidney Lumet, l'un des véritables titans du cinéma.

Lumet n'a jamais été chic. Il n'a jamais eu besoin d'être, en tant que maître du blocage, des mouvements de caméra économiques et du cadrage qui ont permis l'émotion et / ou la ponctuation exacte d'une scène particulière. D'abord et avant tout, comme vous l'avez probablement entendu dire des nausées - mais bon sang, c'est vrai - Lumet était un conteur, et celui qui préférait son New York bien-aimé aux scènes sonores (bien que ne le romantisons pas trop, il fait sa juste part de travail sur les plateaux de tournage en studio, comme la plupart des compagnons de télévision et des premiers cinéastes de studio)



Sa carrière de réalisateur a duré plus de 50 ans, du théâtre à la télévision en direct en passant par la vidéo numérique avec son dernier film, l'exceptionnel «Avant que le diable ne sache que vous êtes mort» de 2007. Pendant ce temps, Lumet a été nominé pour cinq Oscars, dont quatre pour la réalisation (“; 12 Angry Men, ”; “; Dog Day Afternoon, ”; “; Network, ”; “; The Verdict ”;) et une pour la scénarisation adaptée (“; Prince of the City ”;), mais étonnamment. Bien qu'il ait reçu un Honorary Academy Award en 2005, comme Spike Lee (l'influence sur qui de Lumet peut être ressentie sur chaque image) a tweeté en entendant la nouvelle, «Sidney a été nominé 5 fois pour le meilleur réalisateur et a été ROBBED. Finalement, il a obtenu un Oscar pour l'ensemble de sa carrière. Ils font toujours cette merde. '



Nous n'allons pas enrober le tout - tous les films n'étaient pas un classique glacé. Il y a de mauvais films sur cette liste, et même pires que nous ne pouvions pas nous permettre d'écrire - le nadir étant un potboiler de Rebecca DeMornay / Don Johnson, 'Guilty As Sin'. Mais Lumet était un pragmatiste, comme il l'a écrit dans son livre de 1995 «Making Movies» (un Doit lire pour quiconque souhaite sérieusement réaliser un film), 'J'ai fait deux films parce que j'avais besoin d'argent. J'en ai fait trois parce que j'aime travailler et je ne pouvais plus attendre. Parce que je suis un professionnel, j'ai travaillé aussi dur sur ces films que sur tous ceux que j'ai faits. »Et, tout au long de sa carrière, le bon loin, de loin l'emporte sur le mauvais, et il a dû se démarquer avec le 2007 saisissant image, “; Avant que le diable ne vous sache &resquo; mort ”; qui semblait démontrer tous les traits que les cinéphiles aimaient dans la main ferme et mature de Lumet.

Au-delà de toute autre chose, Lumet aimait le cinéma, consacrant son érudit, remettant le discours d'acceptation des Oscars à ses pairs et au médium, disant: «Je voudrais remercier les films. Je sais que cela semble général, mais c'est très réel pour moi. J'ai le meilleur travail, dans la meilleure profession du monde, et je veux juste remercier tout. »Comme Martin Scorsese l'a dit avec le décès de Lumet,« la fin d'une époque. »Il nous manquera énormément. , mais son œuvre vénérable perdurera.

Ci-dessous, l'équipe Playlist a rassemblé une sélection de cette carrière titanesque. Avec près de 100 crédits de mise en scène d'écran, en incluant son vaste travail télévisé, il semble que nous ayons à peine effleuré la surface - mais, alors que nous aurions pu passer des mois avec bonheur, le temps et l'espace ne le permettaient pas. J'espère que nous avons réussi à couvrir les images les plus importantes. Et quelle meilleure façon de rendre hommage à l'homme qu'en s'asseyant avec un pendant le week-end?

“; 12 hommes en colère ”; (1957)
C'est un début que peu de réalisateurs ont eu: après une demi-décennie de réalisation de télévision, Lumet a eu sa chance dans un long métrage et est devenu un classique. Un drame humain saisissant et brillant qui épouse le plus haut des idéaux, “; 12 Angry Men ”; a également exposé le décrochage de nombreuses préoccupations récurrentes de Lumet: culpabilité, innocence, préjugés, libéralisme, système judiciaire et rôle de l'individu. L'effervescence du cadre principal du film (il figurait en bonne place dans notre long métrage sur les films à un seul endroit), ses racines en tant que jeu télévisé et le fait que, eh bien, il s'agit d'environ 12 hommes qui se disputent sans poursuite en voiture, sans gangsters et sans du sexe pour égayer les choses, ajoutez un film qui sur papier a tous les ingrédients d'un repas peu appétissant, si possible nourrissant. Au lieu de cela, il s'agit d'un banquet de performances magistrales (en particulier de la part d'Henry Fonda, qui, notoirement autocritique, le croyait l'un de ses trois meilleurs), une scénarisation tendue et intelligente et un montage d'une netteté remarquable, montrant la maîtrise du rythme par un maître. Bien que certains détails de l'intrigue soient maintenant un peu dépassés, cela ne nuit guère aux mécanismes de pouvoir, de persuasion et de manipulation très observés. Mais ce qui est peut-être le plus surprenant à propos d'un film aussi intelligent, c'est qu'il ne confond jamais le cynisme avec l'intelligence. Ses conclusions ultimes - que les idéaux valent la peine d'être combattus, qu'un seul homme peut faire la différence et que même le pire des gens peuvent être doucement poussés vers la décence - sont tranquillement dévastateurs dans leur humanisme et leur positivité, mais sont entièrement gagnés et tout le contraire de banal. “; 12 hommes en colère ”; est tout ce que le film d'une personne qui pense devrait être, et seulement le premier exemple du genre de cinéma intelligent, sobre et adulte que Lumet continuerait à nous apporter encore plus de fois au cours de sa longue carrière. Dans les mots chuchotés de Fonda lui-même lors d'une projection d'une coupe précoce, “; Sidney, c'est magnifique. ”; [UNE]

“; Le genre fugitif »(1960)
Puisqu'il est le seul Sidney Lumet film sur le Collection de critères et il met en vedette le grand Marlon Brando, ce doit être son meilleur film, non? Bien que semi-convaincant et bien agi sur les thèmes de la solitude et de la mauvaise connexion humaine, mmm, pas tout à fait. Basé sur Tennessee Williams ’; En 1957, il interprète «Orpheus Descending» (il a co-écrit le scénario avec Meade Roberts), ce conte du gothique méridional est centré sur un vagabond / musicien portant une veste en peau de serpent (Brando) qui a du mal à errer dans une ville sans nom du Mississippi. Et comme quelques-uns de Williams ’; de moindres adaptations cinématographiques y sont pleines de passion en sueur, de désirs non satisfaits et de mélodrame tumultueux, mais les récits ont tendance à être un peu sans gouvernail. Brando est jeté en prison très tôt et essaie de sortir de cette ville à deux bits, mais s'implique rapidement avec deux sortes de femmes sans défense; l'enfant sauvage alcoolique (Joanne Woodward) et la femme aigrie d'un vendeur de chaussures mourant pour lequel il commence finalement à travailler (Anna Magnani). Ces deux femmes fournissent leurs conflits, mais seule cette dernière se sent partie intégrante de l'histoire. En tant que critique Jonathan Rosenbaum observé, Lumet se sent hors de son élément de la côte est sur cette photo et malgré les références des as des principaux, cet effort décevant ne gèle jamais vraiment. [C +]

“; Long Day’s Journey Into Night »(1962)
Il n’est guère surprenant, compte tenu de la longueur et de la brutalité émotionnelle de son travail, qu’Eugene O’Neill n’ait jamais vraiment été la manne de l’adaptation cinématographique de la manière qui, par exemple, Tennessee Williams était. Mais il existe de bonnes œuvres sur grand écran pour O’Neill - John Frankenheimer et Lee Marvin se sont avérés une version sous-estimée de «The Iceman Cometh», par exemple. Mais la tête et les épaules au-dessus des autres sont la version de Lumet de 1962 du chef-d'œuvre du dramaturge 'Long Day's Journey Into Night', pour lequel il a réuni un casting de rêve de Ralph Richardson, Dean Stockwell, Jason Robards et, plus imposant, de la grande Katharine Hepburn. Le quatuor a partagé les prix d'acteur à Cannes cette année-là, et c'est bien mérité - tous les quatre sont fascinants et sans faille, même pendant la pénible durée de trois heures du film; un témoignage du dévouement de Lumet au processus de répétition, quelque chose dont presque tous les films pourraient bénéficier, mais très peu en réalité. Le film a d'abord été critiqué pour ne pas avoir ouvert la pièce, mais, comme pour «12 hommes en colère», Lumet joue habilement avec les lentilles et l'éclairage pour rendre le film aussi claustrophobe qu'il le devrait. Toute personne sérieuse à agir doit le rechercher sans délai. [UNE]

“; Le Prêteur sur Gages »(1964)
Sidney ’; s LumetLa carrière de ’ a ses flux et reflux, mais à part sa période des années 70 plus connue, aucune autre époque n'est aussi incomparable que sa phase du début des années 60 qui l'a vu livrer des classiques tels que “; Fail Safe, ”; “; Long Day’s Journey Into Night, ”; et dans une moindre mesure “; The Hill ”; et “; The Pawnbroker », qui présente ce qui est sans doute la meilleure performance de Rod Steiger en tant que survivant de l'Holocauste émotionnellement retiré vivant à New York (bien que l'Académie ne l'ait pas vu de cette façon - il a remporté un Oscar pour “; Dans le Heat of the Night ” ;, mais n'a été nominé que pour le film Lumet). Alors que l'histoire se déroule lentement, nous découvrons qu'un Sol Nazerman aigri a vu sa femme et ses deux enfants mourir dans des camps de concentration nazis et s'est depuis pris distraitement du monde en se taisant tranquillement dans son prêteur sur gages situé à Harlem. Fuir la foi et toute croyance en ce qu'il appelle la “; scum ”; de l'humanité, Sol est apathique envers tout le monde, y compris son employé de magasin portoricain (Jaime Sanchez) qui l'idolâtre et son entreprise. Geraldine Fitzgerald joue un client fréquent et un travailleur social compatissant qui essaie de réveiller sa propre humanité, mais la tragédie shakespearienne de ses actions - la prise de conscience que son prochain a de la valeur - arrive beaucoup trop tard. Les leçons et la moralisation de Lumet sur le papier peuvent sembler un peu trop moralisatrices (et cela ne fonctionne pas dans toutes les images), mais “; The Pawnbroker ”; est un regard puissant et obsédant sur la façon dont la mort peut nous faire réaliser que la vie vaut la peine d'être vécue. [UNE-]

“; Fail Safe »(1964)
La guerre froide et la menace d'extinction nucléaire étaient dans l'esprit des politiciens et des cinéastes à la fin des années 50 et au début des années 60, mais sans doute cette crise a atteint son paroxysme au cinéma en 1964. Plus tôt dans l'année, Stanley Kubrick s'est tourné de près le genre en plein essor sur sa tête avec le Dr très satirique et mordant. Strangelove ou: Comment j'ai appris à arrêter de m'inquiéter et à aimer la bombe, ”; c'est peut-être la raison pour laquelle le sérieux “; Fail Safe ”; est moins bien connu, et était moins bien considéré quand il est arrivé dans les salles 10 mois plus tard (si vous ne saviez pas mieux, vous supposeriez que ‘ Strangelove ’; est presque une parodie car il s'agit du même sujet avec une inquiétante inquiétude et des scènes et des archétypes incroyablement similaires, quoique essentiellement réalisés en même temps). Bien que sombre et terriblement réel - le film se joue presque comme une horreur suspensive - “; Fail Safe ”; n'est pas la version sans humour du chef-d'œuvre de Kubrick. Il s'agit en fait d'un chef-d'œuvre en son genre. Un portrait saisissant, mordant et intense de la course aux armements en spirale hors de contrôle - et c'est étonnant que ce drame troublant ne se soit pas produit dans notre histoire. Henry Fonda joue le leader sérieux et compatissant des États-Unis, Walter Matthau joue un scientifique impitoyable lié par les statistiques et la logique froide, et la photo contient également d'excellentes performances de Dan O'Herlihy, Frank Overton et Edward Binns, ainsi que les premières apparitions de Dom DeLuise, Larry Hagman et Fritz Weaver. Besoin d'une dissuasion nucléaire à toute épreuve? Regardez simplement “; Fail Safe, ”; l'un des meilleurs récits d'avertissement de guerre (nucléaire ou autre) jamais fait. [A +]

“; La Colline »(1965)
Situé dans une serre nord-africaine britannique “; ”; pendant la Seconde Guerre mondiale (le nom d'un centre de détention militaire anglais) au milieu du désert libyen brûlant, le film de guerre de 1965 de Lumet poussiéreux et blanchi au soleil se concentre sur les injustices de la guerre et ses règles dépassées en se concentrant sur cinq nouveaux des soldats ont été emprisonnés et punis pour une litanie d'infractions telles qu'aller à la dérive, voler de l'alcool et, dans un cas spécial, avoir défié les ordres directs et attaqué son commandant. L'idée est que les chiens de guerre doivent être battus et brisés, et les esprits et les volontés sont presque écrasés dans cette image de prison militaire de 1965. Mais un soldat incorrigible, Sean Connery - qui a pris ce détour, le premier de cinq équipes avec Lumet, au milieu de sa course Bond entre 'Goldfinger' et 'Thunderball', au grand dam de la plupart des critiques - ne fait pas rsquo; t faciliter la tâche à ses supérieurs tyranniques et assoiffés de sang, lui-même ou ses codétenus, l'un d'eux étant le regretté grand Ossie Davis. L'insubordination de Connery signifie que sa tenue épuisée et desséchée est humiliée, rabaissée et punie au bord des limites humaines par ses sergents barbares (les acteurs britanniques Ian Hendry et Harry Andrews jouent les monstres de la discipline). Un homme meurt pendant les abus qui déclenchent une chaîne de rébellion et rendent Connery encore plus intraitable. Alors que “; The Hill ”; est un film à message et porte sa moralité sur ses manches, c'est néanmoins une œuvre très engageante et sous-estimée dans le corps de Lumet. La fin tragique écrasante et son ironie amère le rendent d'autant plus frappant. [B +]

“; L'affaire mortelle »(1966)
Plus tard cette année, le personnage le plus connu de John Le Carre, George Smiley, l'anti-bond espion, atteindra enfin le grand écran, joué par Gary Oldman dans la version très attendue de Tomas Alfredson de «Tinker, Tailor, Soldier, Spy. 'Mais Smiley était en fait le personnage central d'un film avant - en quelque sorte. Le premier livre du Carré, 'Call for the Dead', a été adapté par Lumet en 1966 dans 'The Deadly Affair' en tant que véhicule pour James Mason, et, bien que le personnage ait été renommé Charles Dobb, c'est Smiley en tout sauf son nom. Bien que Lumet et l'écrivain Paul Dehn puissent prendre quelques libertés avec l'histoire, il est très fidèle à l'esprit du Carré, et Mason est particulièrement bon en tête - c'est sans doute l'une de ses meilleures performances à l'écran. Les acteurs autour de lui, en particulier Maximilian Schell en tant que collègue dormant avec la femme de Dobbs, sont tout aussi bons. C'est un petit thriller d'espionnage soigné - probablement pas assez bourré d'action pour le public contemporain, mais surtout formidable, et encore un autre film de cette époque du travail de Lumet qui mérite une réévaluation. [B-]

“; Le goéland »(1968)
Pour la plupart, le contexte théâtral de Lumet le tenait en bonne place dans le monde du cinéma, avec un certain nombre de ses meilleurs premiers films dérivés de tubes. La principale exception est «The Sea Gull», une version pour la plupart désastreuse Anton TchekhovGrande pièce (une pièce qui, de l’avis de cet écrivain, est parmi les meilleures de tous les temps). Lumet a assemblé un casting impressionnant, dirigé par James Mason, Vanessa Redgrave, David Warner, Denholm Elliot et la grande star française Simone Signoret, et a tourné dans un endroit suédois luxuriant, mais semble avoir quelque chose d'une oreille d'étain pour Tchekhov. L'écrivain a toujours décrit la pièce comme une comédie, et les meilleures productions ont toujours été celles qui la jouent comme telle, mais la distribution de Lumet semble submergée par la tragédie, aussi condamnée que le protagoniste de Rod Steiger dans «Le prêteur sur gages». sans goût, pour un homme qui a fait tant de grands choix: la photographie doucement pastorale de Gerry Fisher est mal jugée, rendant le film joli au détriment de la vérité, tandis que la célèbre fin est entièrement bâclée par la décision du réalisateur de couper le corps de Konstantin. Signoret et Redgrave semblent tous les deux un peu mal faits, bien que Warner et Elliott en particulier soient superbes. Un pour les Tchekhov uniquement, vraiment. [D +]

“; The Anderson Tapes »(1971)
Sean Connery a toujours eu une réputation d'acteur qui aurait une relation tumultueuse avec les réalisateurs, et même au début téléphonait parfois dans une performance, mais il avait toujours une relation de premier plan avec Lumet, travaillant avec le helmer à cinq reprises, il n'est donc pas surprenant que, quand il a voulu prouver que son principal homme coupe en dehors de la franchise Bond, il est allé à Lumet et à 'The Anderson Tapes'. Un thriller diaboliquement complexe avec des commentaires soignés, plus pertinents que jamais. du côté de la société de surveillance, cela implique l'acteur en tant que cambrioleur de carrière contraint de retirer le cambriolage de la foule sans savoir que le bâtiment est surveillé par un certain nombre de sources concurrentes. Connery a plus que prouvé qu'il pouvait emporter un film loin de 007, et le film reste assez agréable, même si c'est un mélange difficile du genre de photo de crime graveleux que Lumet ferait son stock-dans-le-commerce, et le film plus léger de câpres donc populaire à l'époque. Des points bonus pour la première apparition à l'écran de Christopher Walken et pour la partition, la deuxième collaboration avec la légende du jazz Quincy Jones, et, bien que pas aussi ambitieux que son travail sur 'The Pawnbroker', c'est toujours un classique. [C +]

“; L'infraction ”; (1972)
Alors qu'une grande partie des films de Lumet centrés sur la police traitaient de la corruption qui les entourait, cette entrée curieuse et minimale demandait ce qui se passerait si un officier était compromis par quelque chose venant de son esprit. Avec Sean Connery en tant que sergent-détective Johnson, “; The Offense ”; s'ouvre sur une séquence au ralenti qui rendrait Zack Snyder fier, le détective battant sauvagement et tuant un suspect dans une salle d'interrogatoire. Le film revient alors en arrière et, dans la première demi-heure, nous montre les événements qui ont mené à ce que nous venons de voir. Johnson et le reste du département sont à la recherche d'un agresseur d'enfants en série s'attaquant aux enfants locaux, et après une chasse à l'homme exhaustive, ils amènent quelqu'un que Johnson et même ses collègues pensent être leur homme - basé non pas sur des preuves, mais sur leur instinct. Johnson est tellement déterminé à obtenir une réponse qu'il finit par tuer l'homme. À partir de là, le film n'a plus que deux scènes prolongées. Dans l'un d'eux, qui arrête presque le film, Johnson rentre chez lui et se dispute avec sa femme qui veut qu'il partage ses sombres secrets et sentiments avec elle et quand il le fait, elle est horrifiée au point de vomir . Le suivant, est une entrevue au poste de police avec un enquêteur chargé d'obtenir la version complète des événements de Johnson. Enfin, le film se termine en revenant à l'entretien que Johnson a eu avec le suspect et l'explication sombre et inquiétante de sa réaction excessive est posée. Il s'agit d'un matériel audacieux et stimulant, mais il est finalement dépassé par le récit de saut dans le temps qui traite la révélation comme une torsion, trompant le film d'une plus grande richesse dramatique. Et tandis que Connery est en grande forme, l'image de deux heures trop bavarde traîne parfois et ne correspond jamais tout à fait à l'intensité du crépitement que l'acteur apporte à la pièce. Une inversion intéressante mais pas entièrement gratifiante sur l'étude continue de Lumet sur l'application des lois. [C]

“; Serpico »(1973)
Lorsque le film 'Brooklyn’s Finest' réalisé par Antoine Fuqua a été abandonné en 2009, son mélange de flics et d'escrocs complotant sur les projets de Brooklyn a sonné avec une inauthenticité. Cet écrivain se demande ce que Lumet aurait pu faire avec le même film - et si 'Serpico' est une indication, la touche du défunt réalisateur aurait pu être le facteur déterminant qui a fait pencher la balance, produisant un véritable film né à New York. Utilisant d'innombrables sites au début des années 1970 à New York, 'Serpico' s'en tient principalement aux faits de la vraie vie de Frank Serpico et Pacino achève sa fulgurante post- 'Parrain«Se dresser avec une représentation complexe et multicouche d'un bon flic, mais souvent conflictuel. 'Serpico' est parfois (et probablement à juste titre) éclipsé par la prochaine collaboration de Lumet / Pacino 'Dog Day Afternoon', mais la qualité rugueuse du film est difficile à secouer, et plus difficile à critiquer. [UNE-]

“; Meurtre de l'Orient Express »(1974)
Le terme «ils ne les font plus comme ça» est devenu une sorte de cliché, et il est très rarement utilisé correctement. Pour quelque chose comme l'adaptation d'Agatha Christie 'Meurtre à l'Orient Express', c'est particulièrement faux - le film revient délibérément à une époque glamour qui n'a jamais vraiment existé. Mais il est certainement difficile d'imaginer une collection de stars de ce calibre - Albert Finney, Lauren Bacall, Jacqueline Bisset, Jean-Pierre Cassel, Sean Connery, John Gielgud, Vanessa Redgrave et une Ingrid Bergman oscarisée, entre autres - en cours de montage pour une image comme celle-ci, ou même pour n'importe quel film. Regarder Finney, la création la plus célèbre de Christie, Hercule Poirot, fouiner l'ensemble alors qu'il enquête sur le meurtre titulaire, est le genre de plaisir qu'il est difficile de trouver sur grand écran ces jours-ci: pas d'explosions ou de créations CGI, juste de grands acteurs étincelant les uns contre les autres, et magnifiquement filmé par le réalisateur. C'est très léger, bien sûr, mais cela fait partie de la joie somptueuse de celui-ci. Et si vous avez en quelque sorte réussi à éviter de connaître la solution et que vous allez au froid, cela vous empêchera de deviner jusqu'à la fin. [B +]

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“; Dog Day Après-midi ”; (1975)
Lumet était souvent considéré comme un cinéaste qui transcendait les genres, ce qui est vrai, mais cela semble être le genre de compliment qui ignore comment cela a mis en lumière son plus grand trait, qui était une maîtrise du ton. Nulle part cela n'est plus évident que ce film de suspense sur le vrai crime, traitant d'un vol de banque de grande ampleur à Brooklyn dans les années 1970 qui a évolué pour devenir une impasse d'otages alimentée par les médias. En tant que Sonny, le voleur trompé qui se met rapidement au-dessus de sa tête, Al Pacino rit, mais il plonge aussi sans crainte au plus profond de la psyché de cette personne endommagée, une représentation humaine d'un homme avec une passion mal placée, inconscient de sa propre imprudence. Lumet n'obscurcit jamais la période de l'événement, un moment de douze heures dans l'histoire, mais le film est rythmé si étroitement que ses changements de tonalité ne donnent pas l'impression que la mise en scène s'épanouit autant que les rythmes naturels de la vraie conversation. Parmi les classiques des années 70, “; Dog Day Afternoon, ”; avec son comportement criminel, son langage dur et sa fin optimiste, se sent toujours comme l'un des plus affectueux et généreux, car Lumet et le scénariste Frank Pierson restent dévoués à raconter une histoire sur un crime, et non sur des criminels. [UNE]

“; Réseau ”; (1976)
En règle générale, nous ne sommes pas des gens qui demandent des recomptes d'Oscars ou considèrent les émissions de récompenses comme autre chose que des véhicules de promotion. Mais peut-être que la collaboration de Lumet avec Paddy Chayefsky aurait dû triompher de “; Rocky ”; pour gagner le prix du meilleur film aux Academy Awards, ne serait-ce que pour obtenir correctement le “; Network ”; devant les bonnes personnes. Parce qu'en 2011, “; Network ”; n'est plus drôle. Cette histoire scabreuse de cadres de télévision qui refaçonnent les informations en “; infotainment ”; et transformer un vétéran présentateur en un faux prophète du tube de boob était autrefois une satire cinglante du show business. Maintenant, il semble étrange, en particulier dans la façon dont il représente un monde que nous connaissons déjà, où les producteurs de télévision feront tout pour un point d'audience, où les événements actuels vils deviennent des rendez-vous aux heures de grande écoute, et où les imbéciles déchaînés peuvent gagner une chaire et devenir respectable au mieux, célébrités au pire. La vie a imité l'art. “; Réseau ”; est devenu réalité. Effroyable. [UNE]

“; Equus »(1977)
Déjà une production de scène précieuse lorsque Lumet l'a adopté, «Equus» a vu Peter Shaffer dépasser les limites de la scène pour aller à l'écran, aidé par la compréhension omniprésente de Lumet de la minutie qui définit, et parfois ressuscite, la limitation de la vie quotidienne. . Richard Burton et Peter Firth s'affichent respectivement en tant que psychiatre et mutilateur pathologique du cheval et Lumet fait un choix courageux pour montrer la violence animale suffisamment efficacement pour qu'elle surprenne encore aujourd'hui. Un puissant mélange de drame et d’horreur, on pourrait dire qu’au début, «Equus» se profile à l’extérieur de Lumet’s ouvre. Le conseil de cet écrivain: revoyez le dernier film du maître, «Avant que le diable ne sache que vous êtes mort». L'homme savait ce que nous avons tous peur de découvrir, enfoui profondément en dessous. [B +]

“; Prince de la ville ”; (1981)
Alors que “; Serpico ”; et “; Après-midi du chien ”; ont tendance à obtenir tout l'amour chaque fois que le nom de Lumet est mentionné, pour leur approche granuleuse et leur ambiance new-yorkaise, aucun film n'est peut-être plus sous-estimé dans son canon que “; Prince of the City. ”; Initialement diffusé à la télévision dans une version tentaculaire de 196 minutes (toujours inédite) et finalement sorti en DVD dans une version théâtrale de 167 minutes, la puissance du film n'en est pas moins diminuée. Avec Treat Williams (qui a obtenu le rôle après qu'Al Pacino l'a refusé), il est difficile d'imaginer quelqu'un d'autre dans la partie - sa naïveté au visage frais est cruciale pour jouer Daniel Ciello, un flic qui se rend lentement compte que son département est jusqu'aux genoux dans la corruption et qui accepte à contrecœur de devenir un revers contre ses collègues. Avec près de trois heures pour s'étirer et raconter l'histoire, Lumet construit lentement le film à un point de fièvre hérissée, aidé par un excellent casting de soutien qui comprend Jerry Orbach, Bob Balaban et un tas de grands acteurs de personnages qui donnent au film un vibrant authenticité. A mains levées, il faut voir aux côtés des œuvres les plus connues de Lumet, & Prince of the City ”; est tout simplement l'une des meilleures procédures policières jamais élaborées, un exemple de manuel et une référence pour le genre. [UNE]

“; Le verdict ”; (1982)
Un drame morose et intense dans la salle d'audience, tandis que de nombreuses parties de “; The Verdict ”; se sentir galvaudé ces jours-ci - avocat grandissant et hurlant, tropes juridiques de thriller de plaque de chaudière, etc. - troisième film de Lumet des années 1980 (oui, il en cadrait un par an et a fait 10 films cette décennie, dont deux sont sortis en 1986 ) est toujours l'un des nombreux joyaux de sa couronne d'œuvres et était extrêmement bien considéré pendant sa journée, ce qui témoigne de sa pertinence à l'époque (il a été nominé pour 5 Oscars, dont celui du meilleur réalisateur, acteur, film et scénario). Centré sur un avocat grisonnant et alcoolique (encore un autre virage solide de Paul Newman), le film se concentre sur ses tentatives de rachat et d'effacement de sa réputation professionnelle ternie alors qu'il se transforme d'une ambulance pirate poursuivant un avocat en un défenseur juste lorsqu'un cas de faute professionnelle flagrante qui aboutit à un une femme à l'état végétatif pour la vie déclenche une étincelle en lui. L'un des éléments qui permet à cette image de s'élever au-dessus des clichés de la salle d'audience est le puissant script de David Mamet (celui qui a été rétabli après plusieurs réécritures lorsque Lumet est entré à bord), et Newman est doté de formidables monologues. Co-mettant en vedette le grand acteur avunculaire Jack Warden, James Mason, Milo O'Shea et Lindsay Crouse, l'image peut être un peu maladroite - il y a une suspension précoce mineure des éléments d'incrédulité avec le personnage de Charlotte Rampling, qui sont expliqué plus tard, mais je ne me sens pas tout à fait bien quand même - alors que le verdict ”; rétrospectivement ne fait peut-être pas partie des 5 meilleurs films de tous les temps de Lumet, c'est encore un autre exemple de ses contes de morale finement élaborés, et vaut largement le coup d'œil. [B]

“; Daniel »(1983)
Cette adaptation de E.L. Le roman de Doctorow de 1971 'Le livre de Daniel' était en quelque sorte un projet passionnant, à la fois pour Lumet et pour le romancier, qui a lui-même écrit l'adaptation du scénario. Échec critique et commercial, le film est considéré comme l'une des plus grandes déceptions de Lumet, et pourtant le réalisateur l'a toujours considéré comme l'un de ses films préférés. Alors, catastrophe bien intentionnée ou joyau caché? La réponse se situe quelque part entre les deux. À la suite du titulaire Daniel, le fils d'un couple juif reconnu coupable d'espionnage pour l'Union soviétique et exécuté (sur la base des Rosenberg), le film a été plutôt mal compris, critiqué pour son ambiguïté concernant les parents de Daniel et leur possible trahison - mais c'était beaucoup l'intention de Lumet et Doctorow, le film sur l'idée des «péchés du père», et la relative complexité tient bien aujourd'hui. Les performances sont, comme toujours, très fortes, avec Timothy Hutton fraîchement sorti de 'Ordinary People', Mandy Patinkin et Lindsay Crouse particulièrement bons en tant que parents, et une excellente performance précoce d'une jeune Amanda Plummer. Mais en même temps, le film est inégal et débordé, essayant de couvrir toute la portée du roman, et se sentant un peu mince par conséquent. Pourtant, il ne mérite pas d'avoir été oublié de la façon dont il l'a été. [C +]

“; Power »(1986)
Autre image injustement négligée, «Power» est encore un autre film remarquablement prémonitoire de Lumet, jetant un regard cynique sur le monde des consultants en médias politiques, incarné par Pete St. John (Richard Gere, dans une moustache quelque peu malheureuse). Peut-être le réalisateur le plus proche de revenir au sujet de 'Network' et bien qu'il soit à peine une ombre de cette image (l'esprit de Chayefsky est cruellement manqué - le film est un peu austère), encore un autre casting exceptionnel, y compris également Julie Christie, Gene Hackman et un rôle très précoce pour Denzel Washington - montrant à nouveau l'œil de Lumet pour le talent - jouent leurs petites chaussettes. Gere en particulier a rarement joué un aussi bon rôle depuis - et il joue magnifiquement avec Hackman et Christie. Il perd son chemin dans la seconde moitié, se sentant un peu sans but, et la toute fin est un peu émoussée, mais 'Power' est plus une étude de personnage qu'autre chose, et il reste un film complètement absorbant, qui est devenu plus pertinent que jamais au fil des ans. [B-]

“; Le lendemain matin ”; (1986)
Il n’aurait pas pu y avoir de titre plus approprié pour ce thriller mystérieux de Jane Fonda de 1986 (peut-être «Paycheck Gig»), car la gestion générale de chaque histoire et idée est tout aussi compliquée qu’une gueule de bois provoquée par l’absinthe. L'ex-actrice alcoolique Alex Sternbergen (Fonda) se réveille à côté d'un cadavre sans savoir comment elle y est arrivée ou ce qui s'est passé la nuit précédente. Elle trouve du réconfort dans un ex-flic (Jeff Bridges) qui décide de l'aider par gentillesse / excitation, et ensemble ils se couchent et jouent au détective tout en trouvant en quelque sorte le temps d'avoir des dîners romantiques et de longues conversations détaillant l'histoire d'Alex. Un personnage recherché pour meurtre ne pouvait pas être de plus gros enjeux; pourtant, ces enjeux sont rapidement ignorés alors que l'intrigue attend patiemment afin que deux personnages puissent approfondir leur relation. Nous pensons qu'il y avait peut-être une scène supprimée qui expliquait une sorte de défaut cérébral que les protagonistes avaient, les rendant incapables de percevoir au hasard le problème dans lequel ils se trouvaient, sauf que chaque détail du personnage n'a pas été divulgué deux fois dans le dialogue. Maintenant, ce serait une chose si seulement l'intrigue wannabe-pulpy ne fonctionnait pas, mais même l'histoire d'amour est de mauvaise qualité, ne contenant en quelque sorte aucune chimie entre la Fonda habituellement charmante et des ponts jeunes et fringants. Pour couronner le tout, le tout est émaillé de musique des années 80 qui embarrasserait même le compositeur le plus délirant de la décennie, et la panne de Fonda sur sa dépendance à la bouteille est «Mommie Dearest» mauvaise (mais a été jugée digne d'un Oscar ...). Si vous n'êtes toujours pas convaincu d'oublier celui-ci, même IMDB ne peut pas offrir plus qu'un haussement d'épaules, ce qui constitue en quelque sorte un trivial valable. Tenez-vous éloigné à tout prix. [RÉ]

“; Fonctionnement à vide ”; (1988)
Probablement impressionné par ses virages solides dans «Stand by Me» et «The Mosquito Coast», Sidney Lumet a rapidement mis le jeune acteur River Phoenix au cœur de son drame de 1988, aux côtés d'un post-«Taxi» Judd Hirsch et d'un pré-«Chicago Espérons ”Christine Lahti. La prémisse ici est qu'Arthur (Hirsch) et Annie (Lahti) ont fait exploser un laboratoire qui créait du napalm pour la guerre du Vietnam à leur apogée activiste, aveuglant un concierge innocent dans le processus. Depuis lors, ils ont fui, déplacé et changé d'identité chaque fois qu'Arthur ressent la chaleur. Cette vie un peu ne laisse certainement pas beaucoup de temps à Michael (Phoenix) pour faire des trucs d'enfants réguliers, y compris mettre ses talents extraordinaires au piano à bon escient. Les choses se compliquent dans leur nouvelle ville lorsque ses compétences sont reconnues par un professeur de musique, ce qui conduit finalement le garçon à tomber amoureux et à être amené vers Julliard - au grand désarroi de sa famille, qui souhaite plutôt continuer à vivre ensemble et en secret. Le refus catégorique de Lumet de retirer des scènes déchirantes de l'intrigue est rafraîchissant compte tenu de la sottise mûre et innée de l'histoire. Cela dit, le script de Naomi Foner (alias Mamma Gyllenhaal) est complètement sans puzzle, écrit comme si elle essayait de réveiller son professeur de scénario en empruntant toutes les routes appropriées et en frappant toutes les notes apropros. Les acteurs se sentent très à l'aise dans leurs personnages, ce qui donne des performances crédibles, mais comme tout est beaucoup trop prévisible si tôt, même ils ne peuvent pas empêcher le film de glisser. [B-]

“; Entreprise familiale ”; (1989)
Quelle que soit la façon dont vous avalez la prémisse de ce câlin de crime discret, cela dépend de votre volonté de supporter le casting. Nous devons croire que Dustin Hoffman est le fils de Sean Connery, bien qu'il n'ait que sept ans de moins et qu'il reçoive des gènes très, ah, différents. Peut-être plus difficile à accepter est que Matthew Broderick, ici en tant que jeune homme entreprenant qui aspire à être impliqué dans l'un des stratagèmes criminels de son grand-père, pourrait arborer un juif et des lunettes à monture épaisse et jouer de manière convaincante une personne bénéficiant de droits acquis par le Connery toujours lisse. Malgré la faible différence d'âge, il est amusant de regarder Hoffman et Connery s'affronter, leurs styles d'acteur extrêmement différents suggérant des amis pour la vie mais offrant toujours une chimie convaincante. Le braquage lui-même est un peu étouffant, cependant, et l'image chevauche la ligne entre le drame mou et apathique et la comédie humide qui suggère que l'ensemble est devenu beaucoup plus divertissant une fois que quelqu'un a dit “; cut. ”; [C]

“; Q&A »(1990)
Lumet a été l'un des grands réalisateurs de New York, mais jamais de manière aussi extravagante que, disons, Woody Allen était. Mais il a compris le rythme cardiaque de la ville d'une manière éminemment véridique, et en «Q&R», Il livre une image de crime qui montre une vision d'un melting pot multiculturel new-yorkais dont Spike Lee, un fan autoproclamé du réalisateur aîné, serait fier. L'intrigue - un flic recrue (Timothy Hutton) enquêtant sur le meurtre d'un enfant portoricain par un flic légendaire et brutal (un Nick Nolte semblable à un morse, peut-être dans le meilleur travail de sa carrière) - peut sembler familière, et elle l'est. Mais Lumet, adaptant le roman du juge de la Cour suprême de New York, Edwin Torres lui-même, lui donne un riche ventre, montrant les liens raciaux qui ont toujours divisé NYC, et ne dépeint jamais un personnage à grands traits, jusqu'au lord de la drogue d'Armand Assante, qui est étant donné beaucoup plus de profondeur que la plupart des personnages similaires. C'est une version incroyablement riche, presque romanesque du genre du crime - dans la mesure où, si vous avez une plainte à propos du film, c'est qu'il est presque surchargé. C'est l'un des films les plus personnels de Lumet, il a même tiré une Coppola et jeté sa fille Jenny Lumet comme l'intérêt amoureux du personnage de Hutton - comme Sofia Coppola, elle continuerait à faire des films, plutôt qu'à agir, en écrivant le script de l'excellent de Jonathan Demme «Rachel se marie» [A-]

“; Night Falls In Manhattan »(1996)
La troisième de la trilogie de Lumet sur les efforts autodépendus sur la corruption à New York est, malheureusement, la moindre d’entre eux. Le film a une approche plus pulpeuse du sujet que 'Prince of the City' ou 'Q&A', grâce au matériel source de Richard Daley, et tandis que le réalisateur l'aborde avec sa sincérité habituelle, les artifices de l'intrigue, qui implique une assistant DA (Andy Garcia) poursuivant un trafiquant de drogue qui a tiré sur son père flic (Ian Holm), brille toujours. Plus important encore, Garcia n'est pas aussi fort que ses prédécesseurs, mal interprété et parfois un peu jouer le rôle. Mais encore, la portée de style James Ellroy est admirable, et Lumet a aussi un œil et une oreille attentifs pour la ville et les gens qu'elle a jamais eu. Comme toujours, le casting de soutien est plein des meilleurs acteurs de personnages autour, et aussi décevants que Garcia et Lena Olin comme son amant, les belles performances de Holm, James Gandolfini et, en particulier, Richard Dreyfuss, compensent cela. . Il ne s'agit peut-être pas de Lumet de premier ordre, compte tenu des normes élevées qu'il s'est fixées dans ce genre, mais nous prendrons tout de même plus d'un millier de films de flics corrompus, disons de David Ayer. [C +]

“; Me trouver coupable ”; (2006)
Enterré sous ce qui à l'époque était une avalanche d'amour pour Lumet à la suite du prix Thalberg au Oscars, cette dramatique discrète était considérée comme un canard étrange par les distributeurs, qui l'avaient discrètement dans et hors des théâtres avant que quiconque ne le remarque. Et bien qu'il s'agisse résolument de matériel hors-produit du directeur de plusieurs classiques, “; Find Me Guilty ”; parvient à être étrangement touchant. Une histoire vraie très improbable, “; Find Me Guilty ”; met en vedette Vin Diesel dans le rôle du gangster Jackie DiNorscio, mis en jugement et contraint de vendre ses associés. Au lieu de cela, DiNorscio refuse de devenir rat, devenant son propre représentant légal dans une affaire qui durerait 21 mois sans précédent. Malgré l'absurdité de l'affaire et le personnage plus grand que nature de DiNorscio, la vie du parti, Lumet tourne le matériel de manière professionnelle et coupée, permettant aux acteurs de faire le gros du travail. Et ils se mettent à la tâche, avec la paire de Diesel dépareillée (qui porte plusieurs kilos en trop et une perruque) et le petit Peter Dinklage (en tant qu'avocat de la défense assiégé) générant une quantité surprenante de chimie. “; Me trouver coupable ”; se sent épisodique et décousu, comme s'il y avait un bricolage de dernière minute bâclé dans la suite de montage qui est resté inachevé, mais il a tous les traits des films précédents de Lumet, dans sa représentation aux yeux clairs d'inconduite criminelle et de comédie humaine chaleureuse. [B-]

“; Avant que le diable ne sache que vous êtes mort '(2007)
Il est franchement stupéfiant de penser que Lumet a pu commencer sa carrière avec un classique froid comme '12 Angry Men' et pour couronner le tout, un demi-siècle plus tard, avec un film aussi formidable et vivant que 'Avant le diable' Knows You're Dead. »Sorti lorsque le barreur avait 83 ans, le film (tourné numériquement, avec Lumet prédisant que le film serait bientôt rendu obsolète) donne l'impression qu'il aurait pu provenir d'un réalisateur un quart de son âge - sauf que nous pouvons» Je ne pense pas à une vingtaine d’années qui aurait pu assembler un casting du calibre de Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Albert Finney, Marisa Tomei, Rosemary Harris, Brian F.O Byrne, Michael Shannon et Amy Ryan, ou extraire de telles performances de chacun d'eux. Lumet investit son petit conte de genre sinistre et sinueux (tiré d'un scénario du dramaturge Kelly Masterson) sur deux frères qui se débattent pour de l'argent qui décident fatalement de voler la bijouterie de leurs parents avec le poids d'une tragédie grecque; comme une enquête sur les mauvaises décisions que les mauvaises personnes prennent, c'est sans pareil. Cela a été trop sale pour beaucoup, mais en ce qui nous concerne, c'est presque un miracle. [UNE]

Wes anderson nouveau film

Et le reste: comme nous l'avons dit, nous n'avions tout simplement pas le temps ni l'espace pour tout intégrer, même sans mentionner que certains de ses films moins connus sont difficiles à obtenir. Alors qu'avons-nous manqué? Il y a le mélodrame théâtral «Stage Struck», le deuxième long métrage mal reçu de Lumet, un remake du véhicule de Katharine Hepburn «Morning Glory», qui a renversé Henry Fonda et un jeune Christopher Plummer. Il a été rapidement suivi de «That Kind of Woman», une romance en temps de guerre mettant en vedette Sophia Loren, qui a connu une sorte de reprise - étant nominée pour l'Ours d'or à Berlin.

«A View From the Bridge», parfois connu sous le nom de «Vu du Pont», une adaptation de l'une des meilleures pièces d'Arthur Miller, se situait entre de grandes versions d'autres dramaturges américains de premier plan, Tennessee Williams et Eugene O'Neill, mais jamais tout à fait a le même cachet que ces films. 'The Group' en 1966, et 'Bye Bye Braverman' en 1968 étaient tous deux des films que Lumet sentait souffrir d'un manque de légèreté du toucher de sa part, bien que ce dernier, d'après ce dont nous nous souvenons, ne soit pas mal du tout.

1969 'The Appointment', quant à lui, était un film que Lumet a admis qu'il avait seulement pris parce qu'il voulait apprendre à tirer en couleur, malgré une histoire terrible - ne le prenant que s'il était capable d'utiliser AntonioniLe directeur de la publicité Carlo Di Palma. Il est bien retourné au Tennessee Williams, avec moins de succès que «The Fugitive Kind», pour «Last of the Mobile Hot Shots», une adaptation de l'écrivain «The Seven Descents of Myrtle» avec un script de Gore Vidal, rien de moins. . Il a également codirigé le Martin Luther King documentaire «King: un enregistrement filmé… de Montgomery à Memphis» la même année.

'Child’s Play' était une adaptation du thriller de Broadway et devait initialement faire équipe avec le réalisateur Brando, qui a abandonné dans un accès d'ego sur la taille du rôle de la co-star James Mason. Il est généralement considéré comme l'une des pires images de Lumet et n'a jamais été publié sur vidéo ou DVD aux États-Unis. 'Lovin 'Molly' est venu la même année que 'Murder on the Orient Express', une adaptation d'un roman de Larry McMurtry, destiné pour profiter du succès de 'The Last Picture Show', même au point de jeter Beau Bridges, le frère de la star de ce film, Jeff. Comme vous l'avez peut-être deviné, cela n'était pas du tout le cas.

'The Wiz' est peut-être le film le plus connu que nous n'avons pas écrit - un remake musical à gros budget de 'The Wizard of Oz' avec Diana Ross, Michael Jackson et Richard Pryor. Il est surtout connu pour avoir réuni Jackson avec Quincy Jones pour la première fois, mais le film lui-même est principalement défait par un scénario terrible, par pas moins de Joel Schumacher. Elle a été suivie d'un autre flop, la comédie d'Ali MacGraw «Just Tell Me What You Want» - Lumet a toujours moins bien réussi avec la comédie.

Son adaptation finale était le thriller 'Deathtrap', un thriller agréablement sinueux avec Christopher Reeve et Michael Caine. 'Garbo Talks!' De 1984 était une autre tentative de comédie maladroite, avec un casting légèrement curieux dirigé par Anne Bancroft, Ron Silver et Carrie Fisher.

Et puis sont arrivées les années 1990, pour la plupart des années un peu maigres pour Lumet. Le thriller juif hassidique 'Un étranger parmi nous', avec une horriblement mal interprétée Melanie Griffith et le 'Guilty As Sin' susmentionné étaient apparemment strictement des chèques de paie, et devraient être traités comme tels. La satire médicale «Critical Care» est considérée comme légèrement meilleure, avec un casting impressionnant comprenant James Spader, Albert Brooks, Kyra Sedgwick, Jeffrey Wright et Helen Mirren, mais il y a une raison pour laquelle vous n'en avez probablement jamais entendu parler - c'est sur Netflix Instant , si vous êtes curieux. Il a clôturé les années 1990 avec «Gloria», un remake du film John Cassavetes / Gena Rowlands, entièrement redondant, avec Sharon Stone.

Et puis est venu le 21e siècle, qui a vu Lumet revenir à la télévision pour la première fois depuis des décennies. Il a co-créé le drame juridique «100 Center Street», une série sur A & E qui a dominé Alan Arkin et Bobby Cannavale, et a été généralement bien reçu, même si cela n'a duré que deux saisons. Il a ensuite fait équipe avec l'écrivain 'Oz' Tom Fontana pour la HBO film 'Strip Search', un drame post-11 septembre mettant en vedette Glenn Close, Maggie Gyllenhaal et Ken Leung, montrant que même lorsqu'il est entré dans ses années 80, la conscience de Lumet ne l'abandonnerait jamais.

Oliver Lyttelton, Jessica Kiang, RP, Kevin Jagernauth, Gabe Toro, Mark Zhuravasky, Christopher Bell.



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