Culpabilité et décombres: 15 films essentiels d'après-guerre

Cette semaine, 'Phénix' Christian PetzoldL’enquête noirâtre sur l’identité, la loyauté et la culpabilité dans l’immédiat après-guerre en Allemagne arrive dans les salles de cinéma (notre critique élogieuse du Festival international du film de Toronto de l’année dernière se trouve ici). C’est une histoire enivrante, magnifiquement tournée et profondément mystérieuse, mais peut-être plus que tout, il s’agit de l’ignorabilité du cœur d’une personne et du caractère trompeur des apparences. Ce sont des thèmes particulièrement retentissants étant donné le cadre et le lieu fascinants du film: dans cet environnement riche d'évocation, les gens deviennent plus que des personnages de drames interpersonnels - ils deviennent des métaphores de la culpabilité, de la honte ou du ressentiment de l'Allemagne à propos du passé nazi récent ou des symboles du désir oublier tout simplement.



Pour quiconque s'intéresse aux points où l'histoire du film croise irrévocablement l'histoire du monde, la Seconde Guerre mondiale marque une césure abrupte, un moment avant et après qui a fondamentalement refait le monde, ainsi que le cinéma. Les films de et sur la guerre elle-même sont une catégorie en soi, mais les films qui sont arrivés juste après 1945 ou qui traitent de l'immédiat après-guerre sont peut-être encore plus vitaux et fascinants. Les certitudes de la guerre telle qu'elle est menée et des luttes pour la vie et la mort qui éclipsent toutes les autres considérations sans importance ont disparu. Au lieu de cela, voici la longue, longue gueule de bois du conflit le plus coûteux de l'histoire humaine, et la soudaine terrible connaissance que, à mesure que la poussière retombait, chacun devait compter avec sa propre part, peu importe de quel côté il était, ou cependant qu'ils avaient combattu ou perdu.

short nominé aux Oscars 2018

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C'est une période qui a forgé certains des mouvements cinématographiques les plus importants et les plus influents du XXe siècle, et qui a vu certains des plus grands réalisateurs de tous les temps produire une œuvre extraordinaire. Donc, pour célébrer la sortie de «Phoenix» et s'inspirer du film en termes de période de temps (les années juste après 1945, avant que la guerre froide ait vraiment commencé à prendre racine) et en termes d'expériences de pays sur la côté perdant - Allemagne, Italie, Autriche, Japon - nous avons compilé cette sélection de films connexes. Parmi les nombreux, beaucoup plus qui existent, voici 15 films qui traitent, ouvertement ou tacitement, de l'héritage de culpabilité et de destruction laissé au lendemain de la guerre la plus dévastatrice de l'histoire humaine.



“; Le mariage de Maria Braun ”; (1979)
Trouver l'un de ses mélodrames les plus classiques et les plus accessibles de l'après-guerre (en fait trois d'entre eux: `` Maria Braun '' était le premier d'une trilogie thématique de films se déroulant dans la nouvelle Bundesrepublik Deutschland qui a conçu l'Allemagne comme une femme désirable mais moralement ambiguë , à la fois manipulateur et manipulé), Rainer Werner Fassbinder a trouvé un mélange parfait de contenu miteux, de style sombre et d'un décor désespéré et dramatique dans ce film. Sa luxuriance déchirée par les marques de commerce transparaît dans les bâtiments en ruine et les compartiments de train défraîchis, au milieu desquels Maria (Hanna Schygulla) se prépare et fait la moue en chapeaux et talons et en rouge à lèvres écarlate. C’est l’histoire déformée d’une Berlinoise qui finit par abandonner son mari soldat pour la mort, et s’engage dans une série d’affaires pour lesquelles la promesse de bonne nourriture, de beaux vêtements, d’argent et de sexe sont des justifications manifestes et sans excuse. Lorsque sa bien-aimée finit par revenir vivante et finit par aller en prison pour elle, elle continue ce comportement vide au nom de construire une vie pour eux deux, seulement pour lui de conclure un contrat secret avec son amant actuel qui les séparera encore plus long. Le film a été un tournage extrêmement troublé et, comme tout le travail de Fassbinder, il porte la marque d’une hâte intense (à base de cocaïne): peu de couverture; un amateur-dramatique ressent parfois le jeu; un brillant artificiel, parfois collant dans les images. Mais il déborde également de films et de commentaires inventifs: sur l'esprit allemand déformé de l'après-guerre dans lequel toute interaction n'est que transaction; sur la non-fiabilité du comportement comme indicateur de sentiment; et sur l'impossibilité du bonheur dans une telle atmosphère de désastre moral. Même si l'énergie est synthétique et induite chimiquement, la grandeur erratique et éclaboussante de «Maria Braun» ne peut être niée; il deviendrait l'un des textes évangéliques de base du nouveau cinéma allemand.

“; Je vis dans la peur ”; (1955)
Pris en sandwich entre des classiques comme “;Sept samouraïs”; et “;Trône de sang, ”; il n'est pas difficile de comprendre pourquoi Akira Kurosawa’; s “; Je vis dans la peur ”; est sous-estimé et sous-estimé. Et comparativement, il peut être le moins activement “; après-guerre ”; drame sur cette liste, mais de tous les films de l'après-guerre de Kurosawa, ses craintes liées à l'âge atomique en font le plus directement lié au sujet. Situé dans le sillage d'Hiroshima, le film se concentre sur un médiateur du tribunal de la famille alors qu'il tombe sur un cas extrêmement étrange et dramatique: une famille essayant de déclarer son riche patriarche mentalement incompétent parce que le doyen âgé recèle une profonde illusion et une paranoïa concernant la guerre atomique. Le père, Kiichi Nakajima (le grand Toshiro Mifune), a dépensé des millions pour déplacer ses opérations dans le nord du Japon et construire des abris souterrains, mais pire encore, Kiichi a une plus grande obsession: un plan pour déplacer toute la famille (plus ses maîtresses et tous les enfants illégitimes qui en résultent!) Le Brésil, sans doute en train de gaspiller toute sa fortune familiale dans l'effort. Le film de Kurosawa raconte ensuite l'état mental misérable et déséquilibré du père, ainsi que le clan aigri, dont certains souffrent véritablement de la même maladie (et de l'embarras humiliant de la défaite du Japon) qui hante leur père, tandis que d'autres le sont s'inquiète opportuniste de leur coupure, tandis que l'arbitre sympathique contemple sobrement ce dilemme gênant qui pèse sur ses épaules. Le retenu mais lugubre “; I Live In Fear ”; est donc une tragédie mineure douce mais pointue remplie d'une mélancolie discrète et douloureuse qui retrace tranquillement les retombées invisibles et encore plus bouleversantes de la fin de la guerre; l'angoisse culturelle et la terreur de vivre dans l'ombre inquiète de la bombe.

'Europe' (1991)
Avant il y avait 'nymphomane», Avant Dogme et avant Cannes scandales dans lesquels il a plaisanté à propos d'être un nazi, Lars Von Trier fait 'Europa' (publié sous le nom de 'Zentropa' aux États-Unis mais maintenant plus communément connu sous son titre original). Dernier film d'une trilogie thématique, qui traitent tous de façon plus ou moins hallucinatoire et métaphorique de la dévastation de l'Europe d'après-guerre, «Europa» est le plus pertinent à cet égard, détaillant un Américain idéaliste et pacifiste (Jean-Marc Barr) venant en Allemagne immédiatement après la guerre pour occuper un poste de gardien de voitures de nuit sur le chemin de fer. Rapidement impliqué dans un bourbier d'influences politiques contradictoires, il tombe amoureux de la fille (Barbara Sukowa) du propriétaire du chemin de fer / industriel, dont les mains ne sont peut-être pas à l'abri de l'implication nazie, tout en étant un pion involontaire dans le jeu d'échecs joué par des occupants alliés corrompus et des Allemands partisans, connus sous le nom de «loups-garous» résistant à l'occupation. Tourné en monochrome saisissant et avec des fioritures technicolores (l'étonnant tir sous-marin de sang rouge dégoulinant dans un bain est plus impressionnant que tous 'Sin City ”), le film est fortement redevable au film noir, et de là aux décors rehaussés de l'expressionnisme allemand et à l'éclairage directionnel sévère. Et parce que c'est Von Trier, c'est un film profondément pessimiste, poussant avec une sorte de dégoût de soi enroulé en réservant son jugement le plus cinglant non pas aux Alliés ou aux Nazis, mais au peuple qui n'a jamais choisi son camp. C'est l'ère d'après-guerre imaginée comme une post-apocalypse, un lieu de doomie dans lequel le passé récent est si incontournable qu'il atteint le présent pour étouffer l'idée même d'un avenir. Étonnamment, l’une des réussites les plus réussies du film, la voix off à la deuxième personne de Max Von Sydow, n'a été ajouté que pour une sortie internationale, mais son motif de compte à rebours est approprié: dans 'Europa', le temps est toujours sur le point de s'épuiser et l'avenir est un tunnel noir venant en sens inverse dont nous ne sortirons peut-être jamais.

“Hiroshima, Mon Amour” (1959)
L'un des films les plus beaux et les plus émouvants jamais réalisés, Alain Resnais«Excavation influente de la mémoire et de l'oubli,« Hiroshima, Mon Amour »est une œuvre d'art extraordinaire qui localise les cicatrices psychologiques de la guerre qui vient de se terminer dans la relation éphémère entre une française et un japonais. Déroulement à travers des images étonnamment évocatrices (cendres scintillantes tombant sur des membres nus entrelacés, bâtiments imminents, signalisation japonaise au néon, Emmanuelle RivaLes cheveux, Eiji OkadaLe visage), le film est raconté dans une série de conversations entre les deux, principalement Elle racontant ses souvenirs fragmentaires, pour être fréquemment contredit par He. C'est indéniablement une arche, une construction consciemment expérimentale d'un film, mais elle se précipite avec la logique non pas d'un rêve mais d'un souvenir que vous essayez de conserver, même si l'acte de mémoire peut vous faire mal, et pourrait soulever la honte enfouie. À certains moments, l'air manipulé et impliqué du mélodrame poétique peut presque sembler trop, trop écrasant pour tout sens du réalisme du film, mais Resnais, travaillant à partir de Marguerite Duras«Un script complexe et indulgent, recule toujours au bord du débordement, jetant bon nombre de ces échanges presque absurdement intensifiés contre Sacha ViernyDes visuels riches mais d'une simplicité trompeuse, et même, à l'occasion, en utilisant des images documentaires des survivants de la bombe atomique pour nous replonger dans l'immédiateté. C'est le cinéma comme intoxication, ivre de culpabilité et de passion (le film est désespérément impliqué dans la folie de l'amour condamné) et plein de chagrin pour tout ce qui touche à la bombe et à la guerre, tués ou mutilés. Ici, l'ère d'après-guerre semble tellement plus écrasante pour ne pas face à des enjeux de vie ou de mort, mais à la tragédie de la survie. Il devient un poème et un scandale pour ceux qui ont vécu, et la culpabilité du survivant endémique vécue par toute une génération.

“; Allemagne, année zéro ”; (1948)
Tourné sur place en Allemagne seulement deux ans après la fin de la Seconde Guerre mondiale, Roberto RosselliniLe drame d'après-guerre de ”; Allemagne Year Zero, ”; le dernier chapitre de sa trilogie de guerre, n'est pas seulement un chef-d'œuvre néo-réaliste dévastateur, c'est peut-être le plus grand film d'après-guerre jamais raconté. Dans un Berlin bombardé, pratiquement post-apocalyptique, toutes les familles peinent à survivre. La photo du réalisateur italien, qui présente tous les acteurs non professionnels, se concentre sur une famille prise dans les conditions les plus sombres: la famille Kohler, embourbée dans le drame au-dessus de rations limitées, électricité décroissante, chaleur et manque d'autres fondamentaux. Le père souffrant de malnutrition est un fardeau malade et alité, la sœur s'est tournée vers la prostitution et le fils aîné, un ancien soldat devenu lâche, craint qu'il ne soit emprisonné pour s'être battu jusqu'au bout et n'est pas disposé à s'inscrire à sa carte de rationnement pour aider nourrir la famille qui souffre. L'autorité du logement les oblige à vivre dans l'appartement d'une autre famille, plus aisée, qui en veut à leur présence. La charge incombe ainsi au plus jeune de la famille, Edmund (Edmund Meschke), un garçon de douze ans forcé de creuser des tombes et de gratter tout travail subalterne pour de l'argent supplémentaire. Alors qu'Edmund erre dans les rues à la recherche de travail, il tombe avec de jeunes adolescents voleurs et son ancien enseignant vil et vaguement pédophile qui exploite l'enfant pour vendre la propagande fasciste aux soldats d'occupation et lui remplit la tête de mendacités construites sur Hitler ’; s twisted philosophies sur les faibles. “; Allemagne, année zéro ”; non seulement la lente disparition de la famille Kohler, mais la désintégration des valeurs morales d'Edmund et sa perte poignante d'innocence, car, sous l'influence du sympathisant nazi répugnant, il est conduit sur une voie des plus déchirantes. Une tragédie déchirante et un rappel effrayant des dégâts causés par de nombreuses générations subséquentes par le fascisme, aussi angoissant soit-il, sa compassion tacite pour le peuple allemand vivant dans la foulée en font également un travail inoubliable de l'humanisme dominant.

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«Dix secondes pour l'enfer» (1959)
'The Hurt Locker'Pour la génération d'après-guerre, Robert AldrichSombres, crasseux 'Ten Seconds to Hell' est une image étrangement optimiste, mais il contient des tronçons qui sont aussi tendus et impliquant que tout thriller. Combinant de nombreux éléments du style particulier du réalisateur sous-estimé, il préfigure même son titre le plus célèbre 'La sale douzaine»Dans la construction, détaillant les exploits héroïques à contrecœur d'un groupe de parias, une escouade de bombes inadaptée chargée de sécuriser les engins non explosés qui jonchent les rues de Berlin immédiatement après la guerre. Ici, cependant, ce sont des parias de l'armée allemande, auxquels les forces d'occupation alliées font confiance au moins en partie parce qu'ils étaient détestés par leurs supérieurs de l'armée allemande au point de recevoir le détail ingrat et probablement suicidaire de l'élimination des bombes. Et ils sont tout sauf unifiés, maintenus lâchement ensemble par un intérêt commun, mais chacun ayant des motivations très différentes pour entreprendre un travail aussi périlleux. Leur leader naturel (joué par Jack Palance, aussi stoïque qu'un Moai de l'île de Pâques) est un brillant expert en bombes, mais se heurte à son suave commandant, à la fois amoureux et guerrier, quand ils tombent tous les deux pour la même femme. Comme souvent avec Aldrich, le film patine près du statut de film B, et est beaucoup plus impressionnant dans le micro que dans la macro de son intrigue: l'histoire d'amour ne s'engage jamais, trop de personnages de soutien sont des canons indifférenciés, et le des enjeux plus élevés du monde extérieur et la politique sont parfois perdus au milieu des egos masculins opposants de la troupe. Mais les scènes individuelles chantent vraiment, en particulier les scènes épurées, presque BressonLa précision des séquences d'élimination des bombes, tournées sur place à Berlin pour plus d'authenticité, dans laquelle le métier de percuteurs et de détonateurs et le besoin d'une main de chirurgien stable sont rendus avec une fascination procédurale et vous gardent totalement enfermé dans votre siège.

“; Le troisième homme ”; (1949)
Apportant une sensibilité plutôt britannique et une touche européenne au genre très américain du film noir, “; The Third Man ”; se présente comme l'un des plus grands (le BFI l'a nommé le plus grand film britannique de tous les temps en 1999), mais a dû être encore plus étonnant à l'époque, comme l'un des premiers films à percer le ventre sombre de la réalité des Alliés - diriger l'Europe. Écrit directement pour l'écran par “;Brighton Rock”; auteur Graham Greene (qui en a fait une nouvelle peu de temps après), Joseph Cotten comme Holly Martins, un écrivain américain des occidentaux de la pâte à papier qui vient à Vienne après la guerre à la recherche de son vieux copain, Harry Lime (Orson Welles), seulement pour apprendre que son ami est mort. Bien sûr, ce n'est que le début de l'un des grands intrigues de thriller cinématographique, construisant une tournure qui est toujours surprenante, même compte tenu de la présence du plus grand acteur sur les affiches, révélée dans une entrée d'écran indélébile pour Welles comme Lime. C'est sacrément proche d'un film parfait à tous les niveaux, grâce à Carol Reed’; s sans graisse, direction précise, la magnifique photographie de Robert Krasker (inventant virtuellement l'angle néerlandais), et la partition emblématique de Anton Karas, qui est devenu un succès populaire majeur. Mais aussi inoubliable que Welles soit, comme l'un des méchants les plus emblématiques et complexes de tous les temps, il est presque éclipsé par Vienne elle-même, la façon dont Reed capture un moment très particulier de l'histoire de la ville, car elle est divisée entre les Alliés et devient un foyer et un aimant pour tout opportuniste sociopathe comme Lime. Capturé de manière obsédante, le film ne traite que de manière lâche de l'impact de la guerre dans le texte, mais avec l'action se déroulant à la fois contre l'architecture étonnante de l'histoire ancienne et les décombres de la récente, c'est une classe de maître pour enrichir votre film avec le bon réglage exact.

“; Le lecteur ”; (2008)
Le tournage d'un film dans l'après-guerre a conduit un certain nombre de classiques de certains des plus grands cinéastes à travailler dans le médium. Cela a également conduit à Stephen Daldry’; s “; Le lecteur. ”; Harvey Weinstein avait essayé de faire un film de Bernhard Schlinkroman semi-autobiographique de près de dix ans, trouvant enfin son équipe scintillante avec l'écrivain David Hare, le réalisateur Stephen Daldry et les producteurs Anthony Minghella et Sydney Pollack (les deux derniers sont décédés avant la sortie), plus les étoiles Kate Winslet et Ralph Fiennes. Installé principalement en Allemagne dans les années 1950 et 1960, il se concentre sur Michael (David Kross comme un jeune homme, Fiennes comme un plus âgé), qui a une liaison à l'âge de 15 ans avec une femme plus âgée, Hanna (Winslet). Des années plus tard, en tant qu'étudiant en droit, il assiste au procès d'une femme accusée d'un crime de guerre en tant qu'officier SS, et est choqué de constater que Hanna est l'un des accusés, d'autant plus quand il réalise un secret qu'elle garde longtemps que pourrait aider sa défense (un secret qui est spectaculairement évident du titre: elle est illettrée). La tentative, vraisemblablement, était de faire de l'analphabétisme de Hanna une métaphore de l'incapacité de faire face aux réalités de l'Holocauste, mais il est exécuté d'une manière incroyablement erronée: tentant parfois d'excuser ses actions et de ne pas révéler beaucoup sur la nature du mal nazi, banal ou autre. Mis à part le doute moral, il est également dramatiquement turgescent, tourné à plat pour un film qui a utilisé les talents des deux Chris Menges et Roger Deakinset Winslet de côté, pas même agi de façon mémorable. Néanmoins, il a fait ce qu'il avait l'intention de faire, c'est-à-dire qu'il a remporté Winslet un Oscar et a décerné au film une nomination pour le meilleur film, malgré ses précieuses connaissances à partager sur la culpabilité et la honte collectives de la génération nazie, ou celle qui a suivi.

“; Une affaire étrangère ”; (1948)
Très sous-estimé dans le Billy Wilder canon - peut-être parce qu'il est sorti la même année que le duff “;Emperor Waltz,”; a été dénoncé à l'époque et est venu juste avant sa course extraordinaire des années 50, en commençant par “;Sunset Boulevard”; - “; Une affaire étrangère ”; C'est le premier long métrage que Wilder avait tourné en Europe après avoir fui les nazis quinze ans plus tôt. Mais cela ne veut pas dire que Wilder se laisse aller dans son pays d'origine: c'est un genre complexe et mordant qui voit Wilder dénuder ses crocs avec un mépris total pour le but du film comme propagande, pour la plupart. Financé en partie par le gouvernement, qui cherchait un plateau de tournage en Allemagne occupée par les Alliés, il voit une députée Jean Arthur venir visiter les troupes et enrôler un capitaine de l'armée américaine (John Lund) pour essayer de retrouver un chanteur de cabaret (Marlene Dietrich, bien sûr) aurait été la maîtresse de Göring et / ou Goebbels, déclenchant un triangle amoureux. C'est ce mélange wilderien très particulier de tons, de romantisme sincère et de cynisme profond, un thriller en quelque sorte s'est écrasé dans une comédie romantique et le portrait d'une ville en train de se reconstruire à la fois dans le corps et dans l'âme, et même si on sent un toucher compromis par endroits (c'était un tournage difficile, avec Arthur en particulier en conflit avec à peu près tout le monde), c'est une image glorieusement intelligente et étonnamment complexe. Vous pouvez sentir la colère de Wilder contre les nazis, et sa douleur face aux dommages causés à Berlin, mais l'armée et les politiciens américains sont tout autant la cible de sa colère ici. Et alors qu'Arthur et Lund sont tous les deux très bons - ce dernier n'a pas vraiment eu la carrière qu'il méritait, à en juger par son tour ici - c'est à juste titre Dietrich, dans la première des deux collaborations entre elle et Wilder, qui brille vraiment, prenant un rôle difficile et le faire chanter (littéralement, dans un certain nombre de numéros de cabaret très mémorables).

“; L'idiot ”; (1951)
Le rôle du Japon dans la Seconde Guerre mondiale (et sa conclusion avec les bombardements de Nagasaki et Hiroshima), et sa nature changeante sous l'occupation américaine et au-delà, hantés Akira Kurosawale travail jusqu'à la fin de sa carrière, mais c'était dans les films réalisés immédiatement après (ceux recueillis par Critère dans ‘ l'après-guerre Kurosawa ’; boxset), qu'il a énormément grandi en tant que cinéaste. Parmi les plus intéressants se trouve “; The Idiot, ”; fait à la suite de sa percée internationale “;Rashomon, ”; et la seule chance que le réalisateur ait jamais pu adapter un livre de son écrivain préféré, Fyodor Dostoyevsky. Mise à jour de l'histoire de l'auteur russe au Japon au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, le film se concentre sur Kameda (Masayuki Mori), un ancien combattant et ancien interné du camp de prisonniers de guerre qui a été dans un asile pour épilepsie, qui, avec son nouvel ami, Akama (Toshiro Mifune, bien sûr), tombe amoureux de la maîtresse d'un autre homme, Taeko (l'envoûtante Setsuko Hara). Kurosawa a fait des films qui ont confronté plus directement l'existence d'après-guerre du Japon, mais il est indéniable qu'en faisant de Kameda un ancien soldat et captif, il transforme le film en une métaphore plus large pour une nation traumatisée, honteuse, détruite et souffrant d'une grave crise d'identité. Il est possible que cela ait même pu être plus explicite à un moment donné: le réalisateur avait initialement prévu que le film durerait près de cinq heures, et en deux parties, mais ses soutiens, Shochiku, couper en lambeaux, finissant un peu timide de trois heures. Malheureusement, la coupe originale de Kurosawa n'a jamais été trouvée, il est donc difficile de dire si la version prévue aurait été un chef-d'œuvre perdu ou une folie indulgente (il y a peu des deux dans la coupe survivante), mais ce qui survit encore montre Kurosawa qui commence à vraiment fléchir ses muscles de tournage et à utiliser une grande œuvre d'art pour en créer une autre, qui en dit long sur le monde dans lequel il vivait.

sortie du film été 2016

«Le bon allemand» (2006)
Steven SoderberghL’adaptation sans air de Joseph CanonLe roman fonctionne mieux comme une expérience d'hommage et de référence que comme un film, en fait au niveau des loisirs stylistiques, il est parfois assez brillant. Mais la différence entre celui-ci et les films auxquels il fait référence est que «Maison Blanche', Par exemple, (que la finale imite ici Cate BlanchettBord de chapeau) n’est pas un retour de conscience: c’était simplement la façon la meilleure, la plus immédiate et la plus astucieuse de raconter cette histoire avec les outils disponibles à l’époque. Cette authenticité est ce qui manque à «The Good German», la clarté et le punch émotionnel des films qu'il aime, mais ne peut pas l'être. Au lieu de cela, nous obtenons une sorte de réanimation clinique et intellectualisée des techniques que Soderbergh admire, jusqu'à lui de tourner une grande partie du film sur des scènes sonores, et dans des prises majestueuses, théâtrales et chorégraphiées plutôt que le format plus lâche que permet le cinéma moderne. Et donc ses acteurs semblent souvent mal à l'aise dans ce cadre rigide - George Clooney disparaît pratiquement Tobey Maguire, plutôt fausse de toute façon, semble visiblement inconfortable. Seul Blanchett semble vraiment prospérer dans ce registre - dommage que le film ne parle pas plus d'elle, plutôt que des hommes en carton. Un mystère de meurtre noirâtre avec une pincée d'intrigues internationales impliquant les tentatives des États-Unis de blanchir un criminel de guerre nazi afin d'utiliser son expertise dans la fabrication de fusées, cela devrait être un voyage captivant. Mais, mieux illustrée par la confession finale de Blanchett doomy femme fatale sur ce qu'elle a fait pour survivre, ce n'est pas une histoire sur les moraux noirs et blancs de la guerre, c'est un film sur les gris désordonnés de la confusion d'après-guerre. Mais ce sentiment vital d'incertitude et de relativisme moral est étouffé par tant de style ersatz.

«Jugement à Nuremberg» (1961)
Un récit d'une fiction remarquablement sérieux, voire exténuant, de plus de 3 heures et plus, sur l'un des procès pour crimes de guerre tenus à Nuremberg en 1948, Stanley KramerLe film chargé d'étoiles est une enquête majestueuse, bavarde et, si vous êtes intéressé, complètement saisissante sur la démarcation entre le nazisme à part entière et la défense du patriotisme «juste après les ordres» / que tant de membres du parti de rang inférieur et d'Allemands ordinaires présenté dans les années qui ont suivi la guerre. Avec Spencer Tracy sur une forme incomparable en tant que juge américain président, et Burt Lancaster en tant que l'un des quatre accusés allemands, lui-même juge, le film a un ensemble massif (et extrêmement impressionnant) comprenant également des oscars Maximilian Schell, Richard Widmark, Judy Garland, Marlene Dietrich, William Shatner et Montgomery Clift. Mais par son point culminant verbeux mais fascinant (Abby MannLe script a également remporté un Oscar), il apparaît presque comme un double, où les points de droit plus subtils se résument à un idéal étonnamment clair. Comme le dit le «bon allemand» de Lancaster au juge de Tracy à la fin: «La mort de tous ces millions - vous devez croire que je n'aurais jamais pensé que cela arriverait», ce à quoi Tracy répond: «C'est arrivé la première fois que vous avez condamné un homme innocent à mort. 'Malgré un bon travail via le brillant avocat de la défense de Schell, de contextualiser les atrocités nazies avec Hiroshima et d'autres opérations alliées, le film se sent traversé par une fureur froide, conduisant à sa conclusion sans équivoque:' juste suivre les ordres 'ne peut pas disculper quiconque de complicité dans un échec moral grotesque. Par rapport aux documentaires et films narratifs plus récents sur la guerre, cela peut sembler un peu compliqué, mais comme la première image majeure à traiter de ce problème (et la première fois que les images documentaires des camps de concentration ont été vues par beaucoup), et compte tenu de la période du film, avec la guerre froide qui bat son plein (l'un des accusés plaide pour la clémence au motif que les États-Unis auront besoin du soutien de l'Allemagne contre les Russes), c'est un film d'une intransigeance sans compromis.

«La recherche» (1948)
Le premier film d'un réalisateur américain à tourner à Berlin après la guerre, Fred Zinneman«The Search», avec Montgomery Clift, a récemment connu une résurgence de son Michel Hazanavicius, transposé à la guerre de Tchétchénie en 1999 et envoyé à Cannes avec Berenice Bejo. Ce remake, cependant, était un raté total, ne servant qu'à mettre en évidence à nouveau les forces de l'original - lui-même pas tout à fait un classique, le film de 1948 possède néanmoins des lieux habités terriblement authentiques au milieu des bases de l'armée et des décombres jonchés de postes. -Allemagne de la guerre, et un tour de star-making merveilleusement détendu de Clift. Il incarne un jeune GI américain, un peu feckless et vert peut-être, qui trouve et se lie d'amitié avec un garçon traumatisé et affamé errant au milieu des ruines, qui avait été séparé de sa mère dans le brouillard de la guerre. Le film est étrangement rythmé, se sentant parfois détendu et presque knockabout comme la paire à contrecœur, puis avec défi, un lien, mais la désinvolture sincère de la performance de Clift (apparemment Clint Eastwood cite ce rôle de Clift comme la plus grande source d'inspiration pour son propre style de comédien) prête même à la plus terne des scènes un naturalisme forcé qui est en soi remarquable, dans une histoire potentiellement mélodramatique. Et les détails impressionnants ne sont pas seulement dans sa performance et les bâtiments détruits et détruits; il y a aussi des notes intelligentes de compréhension psychologique, qui vont de l'humour, comme le peu d'interaction sur le sandwich qui initie leur amitié, au doucement déchirant, comme la façon dont l'enfant, surnommé Jim, s'est enfui de l'orphelinat pour la première fois quand il les ont vus charger des enfants dans des ambulances et se sont souvenus que c'était ainsi que les nazis avaient emmené des gens dans les camps. Sous-estimé, sans prétention et délicatement joué, 'The Search' est l'un des rares films traitant de cette période à avoir un peu d'espoir et d'optimisme en son cœur, ce qui en fait un trésor mineur au milieu de tant de gravats et de destructions.

«Lore» (2013)
Une dissection précise, poétique et puissante de la rupture spirituelle allemande d'après-guerre vue à travers les yeux d'une jeune femme allemande (excellente nouvelle venue Saskia Rosendahl), Cate Shortland«Lore» est l'une des entrées les plus récentes ici, mais aussi l'une des meilleures. Se déroulant avec une retenue silencieuse et un œil lyrique pour les paysages et les images de l'Allemagne rurale ravagée, démoralisée et vaincue (filmé par «Vrai détective'S Adam Arkapaw), il suit l'histoire de Lore (Rosendahl), dont les parents nazis fuient les forces de libération venant en sens inverse, la laissant prendre soin de ses frères et sœurs, dont un bébé. Ses voisins ostracisent bientôt les enfants et Lore est obligée de parcourir les 900 km sans train jusqu'à la maison de sa grand-mère. En route à pied, elle rencontre un garçon juif de son âge qui devient une sorte de figure paternelle pour les enfants, et son protecteur, pour un temps. Mais surtout, il s’agit des écailles qui tombent progressivement des yeux de Lore en ce qui concerne ses parents et son propre endoctrinement. Le film de Shortland est une enquête approfondie sur un aspect du passé nazi de l'Allemagne que nous ne voyons pas trop souvent représenté: l'histoire des enfants qui ont grandi entièrement sous le nazisme et pour qui la fin de la guerre était la fin du monde qu'ils avaient connu, et il est tranquillement terrifiant dans son évocation de l'absence d'âme, le genre de vide de l'humanité que Lore rencontre dans son odyssée de ski de fond. Se terminant par un rejet cinglant du genre d'ignorance volontaire complaisante et d'oubli sélectif de la génération de sa grand-mère, «Lore» nous rappelle que parmi les nombreuses victimes du régime nazi figuraient les propres enfants des fidèles du parti, élevés dans une idéologie toxique qui les a laissés , quand il a échoué, avec rien d'autre qu'un héritage de culpabilité indicible.

«Voleurs de vélo» (1948)
Le document fondateur du mouvement cinématographique déterminant de l'immédiat après-guerreVittorio De SicaLes «voleurs de vélos» sont peut-être aussi le summum du néo-réalisme italien. L'histoire au niveau de la rue du mari et du père Ricci (Lamberto Maggiorani) qui trouve semi-miraculeusement du travail comme affiche mais a besoin d'un vélo pour rester employé, la simplicité du récit ne parle guère à l'humanité océanique que le film évoque. Son vélo est bien sûr volé, forçant Ricci, traîné par son fils Bruno (Enzo staiola, dans l'une des meilleures performances de tous les temps pour enfants), dans des situations de plus en plus désespérées pour le retrouver. Les lignes rapides et nettes de l'intrigue signifient que le film peut se prélasser dans un sens du temps et du lieu, et il nous amène dans les rues de Rome d'après-guerre avec une immédiateté rarement atteinte. Mais surtout, l'urgence vient d'une identification complète avec le sort de Ricci et d'une conscience du niveau métaphorique sur lequel il peut être lu: Ricci est un symbole parfait d'un homme, d'une classe ou d'une nation entière s'éloignant du bon chemin quand le désespoir rencontre l'influence corruptrice d'une société injuste. Traçant les humeurs de Ricci de l'ennui, de l'exaltation, du désespoir, du désespoir, de la honte déchirante, le film englobe toutes les nuances de lumière et d'obscurité, même l'absurdité - comme le moment où le monde entier semble posséder un vélo alors que Ricci ne le fait pas. Fabriqué en 1948, on a le sentiment que l'Italie choquée n'a même pas commencé à se ressaisir après les traumatismes de la guerre et du fascisme, résumés dans cette magnifique fin ambivalente: Ricci échappe à la punition directe en raison des larmes de Bruno, mais comme ils sont engloutis par la foule insouciante une fois de plus, leur avenir est sombre, leurs problèmes non résolus, et pire encore, Ricci est entaché - il y a un pouvoir qui gonfle le cœur ici, que vous lisiez Ricci comme une allégorie de l'Italie écrasée, ou simplement comme un homme qui ne peut plus regardez son fils dans les yeux.

Il y a des titres vraiment époustouflants ici, et s'ils ont aiguisé votre appétit pour en savoir plus, voici quelques suggestions pour regarder plus loin: les autres films Kurosawa dans cet excellent coffret de critères sont 'Un merveilleux dimanche' et 'Pas de regrets pour nos jeunes», Et collègue réalisateur japonais Kon Ichikawa«S»La harpe birmane»Est également un puissant film de fin de guerre détaillant le lourd processus de capitulation et de capitulation dans un village japonais. 'J'étais une épouse de guerre masculine»Détaille de façon plus humoristique les tribulations et la bureaucratie parmi les forces d'occupation de Berlin d'après-guerre; Jacques Tourneur«S»Berlin Express'Utilise la photographie de localisation avec grand effet dans un thriller noir; tout comme le drame le plus simple 'The Big Lift'Sur le pont aérien de Berlin, qui avec deux autres titres mentionnés dans la liste principale, étoiles Montgomery Clift.

Si 'Le troisième homme'Avez-vous faim de plus d'intrigues basées à Vienne, George Sidney«S»Le Danube rouge' avec Walter Pidgeon et Ethel Barrymore ou 'Quatre en jeep'Avec Ralph Meeker pourrait convenir au projet de loi. Et 'Gens de nuit,' avec Gregory Peck a été le premier réalisateur du célèbre scénariste Nunnally Johnson c'est mieux que son statut largement ignoré ne le laisse penser. Si vous voulez quelque chose de plus dans la catégorie 'allégorie étendue', Luschino ViscontiC'est une formidable docufiction 'La Terre tremble»Traite de nombreux thèmes et problèmes abordés tout au long de ce reportage à travers le prisme d’un petit village de pêcheurs et la lutte des pêcheurs contre l’exploitation.

Et si vous préférez regarder comment les nations victorieuses ont fait face aux conséquences immédiates de la guerre, il y a tout un troupeau de films à ce sujet. Le plus connu des États-Unis est probablement 'Les meilleures années de notre vie», Alors qu'au Royaume-Uni, la comédie était une réponse très britannique, avec des classiques comme«Passeport pour Pimlico' et 'Je vais bien Jack», Et des films encore plus récents comme«Une fonction privée»Se moquant doucement des privations et des difficultés du rationnement et du serrage des ceintures d'après-guerre.

Ce ne sont que la partie émergée de l'iceberg, mais cette fonctionnalité a été un plaisir à rechercher, alors n'hésitez pas à citer d'autres titres que vous aimeriez que nous considérions si nous revenons sur le sujet à l'avenir.

–Avec Rodrigo Perez



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