Rétrospective: les films de David Cronenberg

Il y a quelques années, lorsque nous avons jeté un premier coup d'œil David CronenbergLa filmographie, nous nous avons écrit que cela avait été un long voyage vers la “; respectabilité ”; pour l'éminent réalisateur canadien. Mais c'était juste après une série de films («Une histoire de violence, ''Promesses orientales' et 'Une méthode dangereuse»), Ce qui laissait penser que Cronenberg avait peut-être raccroché définitivement ses éperons technophiles / technophobes psychologiques / corporels et qu'il entrait dans une phase plus majestueuse et accessible de sa carrière. Après seulement quelques dalliances antérieures avec le courant dominant, Cronenberg semblait prêt à s'installer et à se stabiliser.



Mais bien que nous soyons de grands fans de ces trois films, il a peut-être senti le courant sous-jacent de consternation lors de cette évaluation la dernière fois. Ses deux films depuis lors - «Cosmopolis' et 'Cartes vers les étoiles»- peut ne pas signaler une sorte de retour au malaise clinique mais viscéral de ses premiers travaux, mais ils ne sont pas non plus dans le vrai sens du terme. En outre, ils parviennent à être non traditionnels de manière très différente: «Cosmopolis» est lisse et impénétrable et gris acier; les 'Maps' parsemées d'étoiles sont éclaboussantes, désordonnées, grotesques et même (une première pour le cinéaste) un peu collantes. Peut-être que la chose la plus évidente à faire pour lui après cela aurait été de prendre une émission de télévision de prestige. Cependant, Cronenberg a esquivé la balle de la saison 2 de 'Vrai détective, 'Et pour tout cela il est un commentateur franc et souvent acerbe de l'industrie et a dans le passé proposé des suites à'Promesses orientales' et 'La mouche' et a longuement parlé de ce qui n’était pas fait, son prochain projet est vraiment à deviner. Pas seulement en termes de titre et de provenance, mais de type: cela pourrait vraiment être n'importe quoi, dans n'importe quel genre, et combien de réalisateurs de 72 ans peut-on dire cela? Cronenberg continue de surprendre, de diviser et de zaguer au moment même où nous pensons qu'il zigzagera de manière prévisible, et les énormes fans que nous sommes, nous ne l'aurions pas autrement.

Avec le brillant “La couvée»Nouvellement créé comme le cinquième (et certainement pas définitif) titre de Cronenberg à ajouter au Collection de critères (après 'Vidéodrome, ''Déjeuner nu, ''Scanners' et 'Dead Ringers') Voici notre évaluation de la carrière en constante évolution de Cronenberg.



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«Stéréo» (1969)
Comme pour de nombreux débuts de films d'auteurs de longue date, «Stereo» intéresse probablement principalement les finalistes et les fans soucieux de retracer l'origine de l'une des imaginations cinématographiques les plus originales et les plus idiosyncratiques de notre temps. Et à ce niveau, c'est un peu réconfortant, car «Stéréo», tout en débordant des mêmes préoccupations et thèmes étranges qui marquent certains des premiers et des meilleurs travaux de Cronenberg, n'est pas un chef-d'œuvre - c'est clairement le travail d'un jeune homme (Cronenberg avait 26 ans) apprendre le cinéma en faisant. C'est une sorte de concept de court-métrage qui s'étend sur à peu près la longueur du film (Cronenberg avait deux courts métrages sous sa ceinture avant de commencer, et `` Stereo '' ne dure que 65 minutes), le film est livré à titre éducatif / promotionnel vidéo sponsorisée par un grand conglomérat de plastiques et elle montre le cinéaste toujours cérébral dans sa plus grande émotion. Curiosité en noir et blanc, elle est centrée sur un homme sans nom (Ronald Mlodzik, un ancien collaborateur fréquent de Cronenberg) qui est amené dans un complexe pour participer à une série d'expériences où l'activité sexuelle est utilisée pour renforcer les capacités télépathiques au sein de groupes polymorphes conçus pour remplacer le modèle d'unité familiale «dépassé». Annulé par un air généralement détaché et par une longue narration étouffante (un facteur de prise de vue sans son de synchronisation en raison du bruit de l'appareil photo), `` Stereo '' (et sans doute son prochain long métrage aussi) est le plus précieux aujourd'hui comme document de Cronenberg l'étudiant, le cinéaste en gestation, cherche, mais ne trouve pas encore, cet équilibre parfait entre perversité, expérience de la pensée et divertissement réel. [C]



«Crimes du futur» (1970)
De la même écurie thématique et formelle que «Stereo», les «Crimes of the Feature» de 70 minutes mettent également en vedette Ronald Mlodzik et ont également été tournés en silence, avec une narration et divers effets sonores ajoutés après coup. Cette fois, cependant, nous obtenons une dose de couleur, dans le film, sinon nécessairement dans le script, un ton plus ouvertement satirique et le personnage de Mlodzik obtient un nom (et comment!): Adrian Tripod. Tripod est le directeur d'une clinique dermatologique nommée sournoisement The House of Skin, mais cette clinique existe dans une dystopie apocalyptique dans laquelle des cosmétiques mortels ont tué toutes les femmes sexuellement matures. Les hommes restants essaient de s’adapter à cette nouvelle réalité de façon prévisible cronenbergienne: parfois ils sont bénins, comme avec ceux qui se font peindre les ongles comme un embellissement féminin délicat; parfois, ils sont grotesquement envahissants, comme avec l'homme qui parodie l'accouchement en développant des organes supplémentaires modifiés dans son corps et en les faisant enlever. Et parfois, ils sont étrangement pervers comme avec le groupe de pédophiles tenant une fillette de cinq ans en otage qui essaie d'encourager Tripod, à la recherche de son ancien mentor, à s'accoupler avec elle. Oh, et ces hommes produisent également une mousse bizarre qui doit être siphonnée de leur corps, car il n'y a pas assez de merde bizarre ailleurs. Honnêtement, dans cette description et dans toutes les autres, «Crimes of the Future» semble beaucoup plus fascinant qu'il ne l'est en réalité: c'est un film plus intéressant à lire / écrire qu'à regarder, ce qui ne fait que montrer comment Cronenberg en ce début La scène était encore plus proche d'une sorte de narration littéraire, basée sur des idées, et n'avait pas encore maîtrisé l'aspect cinématographique de l'équation. Sur le plan des idées, c'est un voyage grisant, mais s'asseoir à travers 'Crimes of the Future', même avec sa durée de fonctionnement réduite, est un slog. [C]

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«Frissons» (1975)
Ce ne sont vraiment que nos impulsions completistes qui nous font inclure 'Stereo' et 'Crimes of the Future', à la fois à peine plus que des films étudiants, et ne déclarant pas 'Shivers', que Cronenberg a tourné après quelques années de travail à la télévision canadienne, son courant début. Produit dans un partenariat précoce improbable mais solide avec Ivan Reitman (un ami de Cronenberg qui produirait également 'Enragé' avant de lancer sa propre carrière de réalisateur de comédie), si vous considérez «Shivers» comme le premier long métrage commercial approprié de Cronenberg, cela donne un récit plus «génial»: c'est certainement le premier grand film du réalisateur. Résumé de son désir évident de nous faire affronter les pulsions les plus sombres de notre imagination, 'Shivers' est un film psychologiquement et physiquement violent, qui combine un degré de critique sociale avec la sensibilité aux éclaboussures d'un gorehound et à la vibration d'exploitation d'un chien de chair , comme ses titres originaux, “;Orgie des parasites du sang”; ou “;Les meurtres de parasites”; ou “;Ils sont venus de l'intérieur”; suggérer. Dans le style, cela marque un bond en avant par rapport à ses jours d'étudiant, même s'il grouille et grince et que certaines performances sont moins que polies - il y a une vision singulière à l'œuvre ici qui est si rare, troublante et troublante que même le sens de l'amateurisme dans certains domaines est facilement ignoré. Apparemment basé sur une seule image - une araignée émergeant de la bouche d'une femme endormie - que Cronenberg a imaginée, l'intrigue du film du bonkers implique des parasites engorgés qui sont à la fois un aphrodisiaque et une IST menaçant les résidents de la classe moyenne des tours Starliner. Il a provoqué un scandale mineur lors de sa sortie initiale au Canada, de la variété «interdire cette saleté malade», car elle était financée par l'argent des contribuables, mais les décennies qui ont suivi ont prouvé que l'investissement valait plus que quelques plumes ébouriffées, et c'est un le film qui, malgré les performances cronky et le dialogue grinçant, tient toujours aujourd'hui. [UNE-]

«Rabid» (1977)
Un peu une descente par rapport au début du haut filigrane 'Shivers', le quatrième film de Cronenberg est principalement remarquable en tant que modèle, pour de meilleurs films qu'il continuerait à faire dans un proche avenir. On pourrait dire qu'il présente un mélange de la micro / macro apocalypse de “;Scanners, ”; la politique sexuelle bizarre de “;Vidéodrome”; et le genre et le maquillage / gore de “;La mouche. 'Une vision oblique mais indubitable des genres vampire et zombie (un an avant Romarin reviendrait aux zombies avec “; L'aube des morts”;) il suit une femme (star du porno Marilyn Chambers, utilisable dans un rôle que Cronenberg espérait à l'origine donner à un inconnu à l'époque Sissy Spacek) qui survit à un accident de moto et reçoit ensuite des greffes de peau vitales dans une clinique de chirurgie plastique apparemment idyllique. Mais alors que l'opération est considérée comme un succès et que les greffes de peau sont acceptées, elle développe un dard phallique dans un pli de vulve sous son aisselle, qui mord et boit le sang de ses victimes, et les transforme en zombies enragés dont les morsures se propagent la maladie plus loin. Bientôt, une épidémie s'ensuit. Peut-être parce que c'est une sorte de prise sur les tropes d'horreur existants du zombiedom, du cannibalisme et du vampirisme. 'Rabid' ne se sent pas aussi choquant d'origine que 'Shivers' et bien qu'il ait un élément de satire sociale dans sa version subversive de la chirurgie plastique l'industrie et la société paresseuse et rapide qui l'a engendrée, elle ne se sent pas aussi lucide dans sa critique. Pourtant, il s'agit d'un manuel, s'il est mineur, du début de Cronenberg, et à sa manière, une entrée pointue dans le Cronenverse dans laquelle la modification du corps, et l'idée d'amélioration physique, de perfectibilité ou d'ajustement pour répondre à une impulsion perverse et ouvertement sexualisée est une acceptation largement acceptée. norme. Un récit édifiant marqué par des images psychosexuelles et une fin dépréciatement tragique et totalement méritée, 'Rabid', tordu comme il est, ressemble un peu à Cronenberg-lite à ceux d'entre nous qui s'attendent à ce que ses horreurs aient un réel poids ontologique, mais c'est encore une tranche divertissante de la vidéo de la fin des années 70 méchant. [B]

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«Fast Company» (1979)
En surface, 'Fast Company', un drame d'action coloré sur les coureurs de dragsters professionnels, semble être une anomalie dans le canon de Cronenberg, et certainement quand il est arrivé en 1979, il ne ressemblait à rien de ce que le réalisateur avait tenté à ce jour. Mais surtout avec le recul, il a sa place comme un marqueur important pour une image complète de Cronenberg - son premier travail en mode non-exploitation, brut-out, c'est aussi son premier film avec quelques collaborateurs notables, dont le directeur de la photographie Mark Irwin et concepteur de production Carol Spier. Mais ce qui intéresse le plus l'étudiant de Cronenberg, c'est la première exploration de la fascination de Cronenberg pour les voitures et la culture automobile - une préoccupation à la limite du fétichisme qui a trouvé une expression fréquente plus tard dans sa carrière, le plus étonnant avec son adaptation de JG Ballard«S»crash'Mais si ici, cependant, il n'y a pas grand-chose de ce genre de perversité psychosexuelle affichée, au lieu de cela, vous ressentez la fascination du réalisateur pour le matériel dans son approche presque documentaire: l'éclat des véhicules, le rugissement des moteurs et le tremblement du cockpit - il frise certainement l'obsession. Sur la piste des commentaires, Cronenberg décrit le film comme une «pièce de ton», jouant son imagerie occidentale archétypale qui suggère à quel point il est anormal au milieu des horreurs et des thrillers de science-fiction endettés qui étaient son stock à l'époque. Mais «Fast Company» peut être le plus atypique pour être en quelque sorte jetable - une balade amusante et aérée (mettant en vedette d'excellentes séquences de course, dont certaines sont réelles et dont certaines sont astucieusement reconstituées et tournées) et remplie de film B légèrement clinquant acteurs, y compris John Saxon et même un Playboy Playmate de l'année (Claudia Jennings, décédé tragiquement dans un accident de voiture quelques mois après le tournage du film). C'est assez banal, mais dans le catalogue tout sauf banal des films de Cronenberg, cela lui donne son propre charme étrange et sincère. [B +]

«La couvée» (1979)
Toutes les craintes (ou espoirs, si vous êtes le genre de cinéaste que nous ne sommes pas) que Cronenberg pourrait continuer dans la veine pétrolière de 'Fast Company' ont été rapidement annulées avec son tout prochain long métrage. 'The Brood', comme son statut de cinquième titre Cronenberg pour obtenir le sceau d'approbation Criterion pourrait impliquer, est formidable, et il tire au moins une partie de son pouvoir considérable de ce que nous pouvons lire comme un lien intensément personnel avec le matériau. C'est une allégorie parfois vraiment révoltante pour tout, des dangers de la psychobabble aux horreurs du divorce en passant par la monstruosité de la maternité, ce qui a plus de sens lorsque vous réalisez qu'elle a été faite lors d'une bataille prolongée et douloureuse pour la garde des enfants après le divorce de Cronenberg de son premier épouse. Dr. Raglan (Oliver Reed) est un psychiatre / charlatan pionnier dont la technique de «psychoplasmose» procure aux patients une catharsis mais induit également des transformations et manifestations physiques inexplicables. Son principal client est Nola Carveth (Samantha Eggar) qui procède à un divorce acrimonieux de son mari Frank (Art Hindle) qu'elle combat pour la garde de leur jeune fille Candice (Cindy Hinds). Si loin 'Kramer vs Kramer', Puis vient le groupe de créatures naines meurtrières sans nombril - un groupe de démons nés littéralement de la rage autrement non sublimée de Nola. Combinant chocs intellectuels, métaphoriques et viscéraux, et construisant à l'une des finales les plus inoubliables et les plus inquiétantes du cinéma d'horreur, 'The Brood' se démarque même au sein de l'oeuvre outré Cronenberg, en tant que Grand Guignol point haut. [UNE-]

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«Scanners» (1981)
C'est une marque des excès grossiers tachants de 'The Brood' que 'Scanners', même avec ses têtes explosives emblématiques peuvent se sentir comme une belle conversation au coin du feu si vous regardez ces deux titres contigus dos à dos. Beaucoup moins une horreur qu'un thriller, peut-être même le genre de thriller paranoïaque de conspiration b-movie qui pourrait aujourd'hui être appelé un «schlockbuster», “; Scanners ”; suit une société clandestine de télépathes (tous nés de femmes qui ont pris le même médicament expérimental pendant la grossesse) qui, après des années de parias sociales, sont organisés en une sorte d'armée par l'un des leurs, le méchant Darryl Revok (un film et une carrière -définir les performances de Michael Ironside, certainement le MVP du film). Mais peut-être parce que Cronenberg semble moins effrayé et plus fasciné par cette vision tordue de l'évolution, et ne nous fournit personne dans ce monde morne, impersonnellement corporatif et déshumisé qui mérite réellement d'être soigné, 'Scanners' s'arrête loin de la provocation totale habileté de ses meilleurs titres. Au lieu de cela, nous avons droit à une série de bonnes scènes prothétiques, à des freakouts visuels et à des moments remarquables plutôt qu'à quelque chose de plus cohérent ou globalement satisfaisant. C'est une expérience souvent intense, mais qui a curieusement peu de sustain - elle a presque été éclipsée par sa propre scène absurdement célèbre et agréable de casse-crâne - et autant de vertus et de préoccupations de Cronenberg qu'elle affiche, elle souffre également d'un cas extrême de son principal talon d'Achille, en l'absence totale de personnages dans le destin desquels nous pouvons réellement nous investir. [B-]

«Vidéodrome» (1983)
Marquant la fin du premier chapitre de la carrière en plusieurs phases de Cronenberg dans un style véhément et étonnant, «Videodrome» est une encapsulation précoce presque parfaite de nombreuses préoccupations qui surgissent maintes et maintes fois pour le cinéaste: le corps contre l'esprit, l'illusion contre la réalité, et le pouvoir érotique séduisant de la technologie. Et en tant que tel, il fonctionne toujours comme une clé qui ouvre sa filmographie: c'est peut-être le film le plus cronenbergien de Cronenberg. C'est peut-être aussi la première fois que le réalisateur atteint un équilibre convaincant entre le genre d'horreur corporelle dans lequel il travaillait et la cérébralité sublimement froide de son ton: même lorsque des armes à feu se greffent, comme des griffes sur les os (préfigurant les moins réussies 'eXistenZ'), Et notre protagoniste est aux prises avec sa réalité qui se désintègre, et Debbie Harry se tord de plaisir lors d'une brûlure de cigarette auto-infligée, le film reste froid au toucher, émotionnellement. Ce retrait intellectuel pourrait rendre les procédures moins viscérales, et pourtant cette corde raide est parcourue avec une intelligence caractéristique (comme ou détester ses films, il ne fait aucun doute que Cronenberg est fou et intelligent). Prescient au point de clairvoyance, mais entièrement de sa période aussi (Betamax!) L'histoire du marchand de lâche Max's (James Woods) la descente dans la folie induite par la technologie et le contrôle de l'esprit parvient en quelque sorte à récompenser encore plus à la lumière du travail qui viendrait plus tard. Daté, actuel et futuriste à la fois, 'Videodrome' était alors, est maintenant et sera toujours, formidable. Vive la nouvelle chair, en effet. [UNE]

«La zone morte» (1983)
1983 pourrait être juste une sorte d'annus mirabilis pour Cronenberg, car cette année-là, deux exemples précoces des pôles jumeaux des capacités et des intérêts de Cronenberg ont été publiés. Après la belle bizarrerie dérangeante de 'Videodrome', son premier voyage dans le monde relativement sûr, mais étranger (pour lui) du thriller hollywoodien à gros budget est arrivé. Une adaptation de Stephen KingLe roman court et souple de 'The Dead Zone' met en vedette un Christopher Walken dans un rôle sympathique atypique (atypique à la fois pour lui et pour Cronenberg dont les pistes sont plus souvent démoniaques de manière dissociable ou totale). Walken est Johnny Smith, un enseignant d'une petite ville qui, après un accident, sort d'un coma pour découvrir qu'il a de nouvelles capacités psychiques indésirables, qui lui permettent d'entrevoir l'avenir d'une personne simplement en les touchant. Jeffrey NoamLe scénario condense habilement le roman déjà serré tout en continuant à aimer l'espace pour l'atmosphère (un intermède où Smith assiste un flic, joué par Tom Skerritt, est particulièrement obsédante). Et Martin Sheenajoute également une touche de charme et de menace en tant que candidat politique qui deviendra un tyran fou de pouvoir s'il n'est pas contrôlé (le fameux Sheen libéral, de nombreuses années avant son «aile ouest'Fait ses débuts, le dépeint comme le président de l'époque Reagan). Les enjeux peuvent être élevés, mais les thèmes les plus importants du film (il demande directement dans quelles circonstances un assassinat politique pourrait être justifié, ainsi que de se demander si tuer pour éviter un crime peut jamais être moral) pour peut-être la seule fois dans la carrière de Cronenberg, sont éclipsé par le tiraillement des courants émotionnels du film. L'amour de sa vie de Smith (Brooke Adams) a évolué et est maintenant mariée avec un enfant, et Walken dépeint sa perte tout aussi obsédante que les images de mort et de malheur qui jaillissent à l'improviste. Parmi les films non particulièrement cronenbergiens de Cronenberg, 'The Dead Zone' est parmi les meilleurs et les plus sous-estimés. [UNE-]

«La mouche» (1986)
Comme une bonne reprise, un bon remake est celui qui est distinctement différent de ses prédécesseurs - il peut partager l'ADN mais il a ses propres empreintes digitales et est l'enfant de sa propre génération. Comme John Carpenter«S “;La chose, ”; qui est sorti quatre ans avant la brillante re-vision de Cronenberg, “; The Fly ”; était à la pointe des effets et des prothèses (Chris Walas et Stephan Dupuis a remporté l'Oscar du maquillage), mais surtout, il a pris les os nus d'une histoire plus ancienne et y a greffé la chair de la sensibilité unique du réalisateur. Ce faisant, Cronenberg a transformé l'hybride le plus réussi et le plus influent de sa carrière, faisant passer en quelque sorte une grande partie de son intelligence froide et contrôlée dans un drame romantique étroitement scénarisé qui se joue, avec une austérité presque classique comme une tragédie en trois actes. Contenant peut-être Jeff GoldblumLa plus grande et la plus touchante des performances, il apporte son énergie dégingandée et excentrique au scientifique obsessionnel Seth Brundle dans toutes ses manifestations psychologiques et physiques: du doux geek de génie gauche au trou du cul fou et enfin, un monstre psychotique grotesque. Il y a des couches de sous-texte qui conviennent à l'âge (le spectre de la panique du SIDA hante les franges de l'horreur corporelle dégénérative du film) et Geena Davis`` L'intérêt amoureux devient bien plus que l'intérêt amoureux, émergeant comme son héros le plus résilient, ainsi que la star de sa scène la plus effrayante (qui peut être une séquence de rêve, mais elle est toujours incroyablement grossière) tout en obtenant également son ligne la plus emblématique (tous ensemble maintenant): «Ayez peur. Ayez très peur. »[A]

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«Dead Ringers» (1988)
Inspiré par l'histoire plus étrange que la fiction (à moins que cette fiction ne soit celle de Cronenberg) de gynécologues jumeaux réels, ce film inquiétant tempère la fascination de longue date du réalisateur pour l'horreur corporelle avec certaines des énigmes les plus psychologiques et philosophiques de l'expérience humaine. Les protagonistes Elliot et Beverly Mantle (tous deux joués par Jeremy Irons), des jumeaux identiques si proches qu'ils sont presque une seule personne, partagent littéralement tout et prennent l'identité de chacun comme bon leur semble, ce qui conduit à des situations résolument contraires à l'éthique, tant dans leur pratique médicale que dans leur vie personnelle. Bien que l'un soit légèrement plus sensible et récalcitrant que l'autre, ils manquent tous les deux, comme de nombreux «héros» de Cronenberg, d'une intelligence émotionnelle de base, ce qui, couplé au domaine de gynécologie de leur choix, leur permet de tirer un avantage hideux des femmes au plus vulnérable . Ce n'est qu'une femme (Geneviève Bujold) s'interpose entre eux (symbolisé graphiquement dans un rêve vif de ladite femme essayant de mâcher le cordon ombilical charnu qui lie les jumeaux dans leur existence symbiotique) que les choses commencent à s'effondrer. Cronenberg était le plus restreint visuellement à prendre le dessus sur les prothèses grossières et les gore «Dead Ringers», bien servis par les fers aristocratiques, dont la double performance magistrale, rendue possible par des caméras de contrôle de mouvement, permet au public de distinguer les jumeaux identiques , la plupart du temps, uniquement par des manières. Et pourtant, il y a des moments de malaise complètement viscéral (Dieu ces instruments gynécologiques cauchemardesques) et au milieu de la photographie froide au toucher résultant de la première collaboration du réalisateur avec la future cohorte de longue date, directeur de la photographie Peter Suchitzky, l'inquiétante secousse des 'Dead Ringers' persiste longtemps après le générique. [UNE-]

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«Déjeuner nu» (1991)
Fait inhabituel, pour un cinéaste qui se lance dans une telle entreprise, Cronenberg lui-même était plus ou moins d'accord avec ceux qui ont suggéré que «Naked Lunch», de William S Burroughs, un écrivain à qui Cronenberg avait longtemps ressenti une parenté, était «non filmable». Ou plutôt, une interprétation directe «coûterait 400 millions de dollars à fabriquer et serait interdite dans tous les pays du monde». C'est pourquoi son adaptation n'est pas vraiment une l'adaptation du tout, c'est plus un palimpseste, fournissant plusieurs récits parallèles, qui se chevauchent parfois, qui tissent des événements fictifs de la propre vie de Burroughs avec les intrigues de son livre le plus célèbre. En fin de compte, de manière quelque peu surprenante, il devient une méditation sur le processus créatif, bien que celui-ci comporte plus d'insectes de machine à écrire parlants avec des trous du cul pour la bouche que la plupart des autres. Grotesque, dément et sombre, 'Naked Lunch' est aussi drôlement drôle, exploitant une veine de satire hallucinante exagérée au point d'absurdité, et montrant le sens de l'humour de Cronenberg toujours présent mais souvent profondément enfoui plus ouvertement que la plupart de sa mi-période titres. Le protagoniste Bill Lee (le substitut de Burroughs, joué par Peter Weller) est un exterminateur qui regorge de poudre de punaises, auquel sa femme (Judy Davis) est également accro. Ensemble, Davis et Weller livrent des performances drôles, jusqu'à ce que la célèbre scène de la vraie vie de William Tell soit rejouée et que Bill soit plongé dans le monde onirique de l'Interzone, et qu'une série d'aventures disjointes de science-fiction-noir s'ensuivent. Clark Nova, le bug de la machine à écrire susmentionné fournit une sorte de commentaire continu d'esprit vicieux abordant l'homosexualité latente de Lee et la folie de la créativité entre autres problèmes, et la collaboration entre le regretté Ornette Coleman et Howard Shore donne un score de pulpe excentrique. Peut-être inévitablement, le film ne se combine pas en quelque chose de cohérent ou de véritable type de manifeste, mais la portée de son ambition est stupéfiante et la maîtrise du ton remarquable étant donné que le ton est la partie la plus délicate de cet état hubristique, caustique et altéré illusion prolongée. [B]

'M. Papillon »(1993)
La beauté de période droite de “;Une méthode dangereuse”; semblait zoomer hors du champ de gauche pour ceux qui connaissaient le nom et la sortie de Cronenberg, mais nous parions que c'est parce qu'ils ont simplement oublié ou n'ont jamais vu “; M. Papillon, ”; à laquelle il présente quelques similitudes. Dans la Chine des années 1960, un diplomate français (joué par Jeremy Irons) tombe amoureux d'un chanteur d'opéra et le film se déroule essentiellement comme un drame romantique simple. Considéré dans le canon de Cronenberg, et comme le suivi de “; Naked Lunch ”; c'est peut-être l'un des films les plus étranges qu'il ait jamais réalisés, car il est relativement «normal». Bien sûr, il y a des connotations sexuellement transgressives, qui découlent d'une torsion de l'intrigue particulière, mais à part cela dans le thème et la forme, c'est en grande partie bizarre, et bizarrement pour un film de Cronenberg, également largement dépourvu d'éléments allégoriques ou satiriques. Peut-être à cause de cette spécificité, le temps n'a pas été tendre avec 'M.Butterfly' qui était aussi un peu vilipendé à la sortie, avec certains éléments qui ne fonctionnaient pas tout à fait (John Lone »Le chanteur d'opéra n'est pas très convaincant avant la révélation) et le sous-texte politique reste lourdement insuffisamment cuit. C'est une image étrangement difficile à prendre au sérieux, malgré ou peut-être à cause de la volonté évidente du réalisateur de faire un mélodrame rectiligne et rectiligne. Bien que l'image tente de transmettre une passion désespérée qui jette la prudence au vent et défie désastreusement les normes sociales et le bon jugement (le personnage de Irons finit par tout perdre à cause de ses indiscrétions), il reste peut-être l'échec le plus curieux de sa carrière: un « de bon goût ». [C-]

«Crash» (1996)
A jamais été un romancier plus parfaitement associé à un réalisateur que JG Ballard avec David Cronenberg? Il est difficile d'imaginer que quelqu'un d'autre aurait pu aborder l'histoire démente de l'auteur de 1973 sur le fétichisme des accidents de voiture et le culte effrayant des célébrités, et en fait aller plus loin, en le transformant en une représentation effrayante de l'angoisse prémilléniale qui se manifeste dans une technophilie érotisée. Mais l'instinct de Cronenberg pour ce matériau est inné, et il fait de cette histoire «uniquement de Ballard» un film incontestablement de Cronenberg. Insulté et banni dans certains territoires à sa sortie, avec ses représentations graphiques de la violence et du sexe, en particulier le peu où… comment mettre cela délicatement… où James Spader baise Rosanna Arquettela blessure à la jambe, 'Crash' n'est certainement pas pour tout le monde (et nous ne pouvons que sourire à la pensée d'une grande-tante louant le DVD quand ils voulaient le vainqueur du meilleur film du même nom - cela doit être arrivé , droite?). Mais pour les fans de Cronenberg et de Ballard, et vraiment pour toute personne intéressée par les adultes à ce que notre obsession sans cesse croissante de la technologie pourrait faire à nos relations et à notre psychisme (à nos âmes, peut-être), il est vital de rivaliser avec le cinéma. Holly Hunter et Elias Koteas, surtout, donnez de grands virages et Spader est parfait comme un autre des protagonistes froids et effrayants de Cronenberg (voir Woods, Irons, Weller, et plus récemment, Mortensen). Mais c'est un film d'idées, certaines laides, d'autres profondes, toutes inquiétantes, et le film vibre avec une intelligence si perverse que ces idées ne vous accompagnent pas tant que vous, hors du théâtre, à travers le parking … et dans votre voiture, qui peut ou non sembler tout à fait la même machine que c'était quelques heures avant. [UNE]

«EXistenZ» (1999)
Il est facile de rejeter cet effort de Cronenberg comme trop léger pour nous faire une grande impression maintenant, et trop facilement perdu dans la ruée vers des apparemment similaires fin de siecle des images de genre technophobes pour vraiment marquer des points en arrière lors de sa sortie. Mais «eXistenZ», bien qu'indéniablement vicié, est un délire prophétique délirant, qui a remarquablement bien vieilli, tout bien considéré, préfigurant avec précision et espièglerie l'ère de l'atomisation provoquée par Internet. Il est également traversé par une séquence autoréflexive désarmante: l'un des personnages a même soufflé “; Mort au réalisme! ”; avant de flamber une console de jeu vidéo. Willem Dafoe est demandé “; Don ’; t vous jamais aller au putain de films? ”; avant de se faire exploser la gorge avec un fusil à bestiaux. Et Jennifer Jason Leigh donne une performance de bienvenue en tant que concepteur de jeu Allegra Geller qui doit entrer dans son propre jeu, eXistenZ, pour empêcher sa “; méta-chair ”; de devenir contaminé. À portée de main est un contre-type martelé et mijotant Jude Law (lui-même un choix de rôle courageux pour un si joli acteur) jouant un stagiaire en marketing avec une phobie d'avoir son corps pénétré chirurgicalement, 'mais ce n'est guère une étude de personnage, ou même quelque chose que nous sommes censés prendre particulièrement au sérieux ( peut-être que son analogie récente la plus proche est en fait «Cartes vers les étoiles' à cet égard). C'est un film autant construit autour d'une conception de production minutieuse et minutieusement détaillée que d'un comportement humain reconnaissable ou particulièrement d'une vision sociale tranchante. Mais même cela n'est pas vraiment une critique lorsque le design est aussi fascinant, des pistolets greffés aux os aux références in-jokey, qui cannibalisent le propre catalogue de Cronenberg (en particulier 'Vidéodrome», Mais pour une nouvelle génération encore plus vide de sens accro à leurs divertissements) et incluent même un clin d'œil à Philip K Dick dans le restaurant de restauration rapide à partir duquel les personnages mangent sous le nom de 'Perky Pat's' en l'honneur d'une des nouvelles de Dick. Ce n'est pas son œuvre la plus résonnante ou provocante, mais «eXistenZ» vaut étonnamment la peine d'être revu. [B / B +]

«Araignée» (2002)
Nous sommes peu nombreux à invoquer 'eXistenZ' en tête lorsque nous pensons à Cronenberg, mais nous parierions même peu penser à 'Spider', la deuxième des deux images du réalisateur du millénaire qui a manqué au public et aux critiques. Mais 13 ans après sa sortie, un peu comme son prédécesseur immédiat, 'Spider' a l'impression d'avoir purgé sa peine dans cette zone grise oubliée, et mérite une réévaluation - une réévaluation à laquelle il peut résister en raison de sa très bonne qualité. Mettant en vedette un engagement comme jamais Ralph Fiennes en tant qu'homme récemment sorti d'une institution psychiatrique qui glisse à travers la vie sans parler, hanté par le passé, il a été décrit comme un film de détective où l'enquêteur, l'agresseur et la victime sont tous à l'intérieur de la tête de la même personne, ce qui ressemble à une précision et une sommation convaincante pour nous. Cronenberg, avec de fréquents collaborateurs, le compositeur Howard Shore et le directeur de la photographie Peter Suschitzky, crée une atmosphère riche de terreur et de malaise psychologique, et inhabituellement pour un réalisateur aussi froidement cérébral, on a vraiment l'impression qu'il met la main un peu sale ici, brouillant les frontières entre réalité et fantaisie, passées et présentes (Miranda Richardson et Gabriel Byrne apparaissent comme les parents de Fiennes), d’une manière qui rappelle «Naked Lunch» mais sans le sourire malicieux. Au lieu de cela, il y a une large série de mélancolie dans 'Spider' encore inhabituel d'un cinéaste aussi rigoureusement non sentimental, qui ajoute des couches à ce qui deviendra finalement l'un des refroidisseurs du réalisateur le plus inquiétant du monde réel. Bien qu'il ne se situe pas tout à fait confortablement dans aucune des catégories de Cronenberg, il mérite d'être considéré comme un bourreau que le réalisateur tourne au ralenti entre les grands films, son moteur tournant à peine. En tant que film de transition entre les préoccupations d'horreur corporelle de 'eXistenZ' et l'aube du prochain très accessible, Viggo Mortensenchapitre de la carrière de Cronenberg aux multiples splendeurs, c'est peut-être le titre sous-estimé du sien qui est le plus mûr pour la redécouverte. [B +]

«Une histoire de violence» (2005)
Considéré, sinon un «retour en forme» pour Cronenberg, puis la découverte d'une forme entièrement nouvelle, “; A History of Violence ”; est sa première équipe avec Viggo Mortenson, qui incarne Tom Stall, un père de famille d'une petite ville au passé caché. Le film, notamment dépouillé de tous les éléments d'un autre monde, surréalistes ou d'horreur schlock, mijote néanmoins de tension, éclatant en violence dans la seconde moitié, mais hanté par sa possibilité tout au long. Homme de famille Tom, marié avec Edie (Maria Bello) acquiert le statut indésirable de héros de la ville lorsqu'il réussit à défendre son restaurant contre les voleurs, qu'il tue avec une facilité effrayante. Les répercussions de cet événement soulèvent de vieux fantômes de la tombe du passé (Ed Harris et un nominé aux Oscars William Hurt sont formidables dans les rôles de soutien révélateurs respectivement de Némésis et frère de Tom - le film a vraiment rétabli les deux acteurs). Josh OlsonLe scénario de ’; basé sur le roman graphique de John Wagner joue vraiment le film B, aspect pulpeux mais c'est le spectacle de Mortensen: suggérant tant de choses sous une surface gelée, il fait même tonner les silences. Avant cela, Cronenberg était surtout connu pour ses films de science-fiction / horreur, mais ici, comme son protagoniste, il se détourne des excès de son passé, canalisant ses intérêts à la place dans une histoire tendue, mais résolument réelle. En tant qu'enquête psychologique, parfois mélodramatique, des effets de la violence sur ses victimes, ses auteurs et ceux qui, malgré les tentatives de s'en échapper, trouvent leur état naturel, il s'agit d'une pièce de performance incroyablement contrôlée et convaincante. Et la fin anticlimatique nous divise légèrement, avec la moitié d'entre nous se sentant insatisfaits et l'autre moitié soupirant 'c'est le but, doofus' même si c'est un petit problème. L’histoire a inauguré une nouvelle phase pour Cronenberg, mais elle est arrivée complètement formée. [UNE-]

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«Promesses orientales» (2007)
Après être entré provisoirement dans le territoire principal avec 'A History of Violence', Cronenberg a consolidé ce mouvement avec le thriller policier à nouveau presque simple 'Eastern Promises', mais ce qui est peut-être surprenant, c'est le succès du film selon ses propres termes. Alors que certaines des préoccupations de marque du réalisateur sont évidentes (les corps et leurs mutilations, toujours fascinants, que ce soit à travers les tatouages, l'étouffement d'une cigarette sur une langue, la dissection passionnée d'un cadavre ou le grondement, se tordant, démesurément charnu, nu combat dans le hammam), ils sont ici relégués au fond du personnage ou à une action fortuite; ils n'informent pas l'essentiel de l'intrigue. Au lieu de cela, nous obtenons un film mafieux discret et bien documenté, seulement ici, la ville est Londres et la mafia est russe. Et en Naomi Watts«La sage-femme, obstinée dans sa mission de résoudre le mystère d'une jeune fille décédée sous sa garde, nous donne peut-être le premier protagoniste de Cronenberg depuis« The Dead Zone », Christopher Walken que nous sommes activement encouragés à aimer. Mais c'est Mortensen qui vole la vedette (bien que Armin Mueller acier et Vincent Cassel les deux lui donnent une course pour son argent). Son Nikolai est une masse de contradictions et d'énigmes morales, rassemblées en un tueur en conflit mais terriblement discipliné: c'est un personnage que nous sommes heureux de voir plus, si la suite évoquée se produit. Oui, il y a eu ceux qui ont déploré l'évolution du film de Cronenberg, du schlock cérébral d'antan à l'accessibilité cérébrale caractérisée par «Eastern Promises», basée sur un scénario formidable et crépitant de Steven Knight, mais bien que sa forme puisse être classique, ses films de cette période ont une force de traction d'acier et de nerf qui, de droit, mérite d'être considérée autant comme une marque de Cronenberg que les viscères et les cassettes VHS. [UNE-]

“; Une méthode dangereuse ”; (2011)
David Cronenberg n'est pas seulement un auteur - c'est un conteur dynamique, quelque chose peut briller même lorsqu'il cloue des films qui, à première vue, ne semblent pas se trouver dans sa timonerie d'auteur. Dans «A Dangerous Method», il emploie tout ce flair, tordant et peaufinant la structure de ce curieux psychodrame d'une manière qu'aucun autre réalisateur ne pourrait approcher. Représentant les tensions professionnelles entre Carl Jung (Michael Fassbender) et son mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen) et le flirt de Jung avec l’étudiante / patiente Sabina Spielrein (Keira Knightley), il juxtapose la nervosité droite de Jung, l'audace de mâcher du cigare (natch) de Freud et le dysfonctionnement de la chambre du Spielrein véritablement torturé. Mais il se moque également de la procédure, décrivant Freud comme un tyran psychologique qui traite tout le monde comme ses sujets de test, et Jung comme le génie fantaisiste qui commence à attribuer ses propres pouvoirs mentaux presque comme une réponse réflexive à l'intimidation subtile de Freud. 'Une méthode dangereuse' a divisé les fans de Cronenberg qui ne pouvaient pas comprendre où il se situait dans le spectre entre un film d'époque féculent et bavard et un mélodrame sexuel Cronenbergien pervers. Mais encore une fois, il explore les horreurs du corps (Jung est presque repoussé par ses propres désirs) d'une manière à la fois subtile et perverse. Que cette synthèse pimente un drame conventionnel de la période parlante ou rende simplement le film moins réussi en tant que drame d'époque, est un débat permanent, tout comme la performance physique et tournoyante de Knightley. C'est un film difficile à adorer, mais impossible à écarter: peut-être apprécier ses forces à partir d'une suppression analytique appropriée est la seule bonne réponse. [B]

“; Cosmopolis ”; (2012)
Après le coup de poing un-deux relativement courant de “; A History of Violence ”; et “; Eastern Promises, ”; “; Cosmopolis ”; à la fois est et n'est pas un retour aux racines plus transgressives de l'auteur canadien d'horreur corporelle. Certes, cette adaptation opaque, parfois frustrante de Don DeLilloLe roman aux contours d'acier est tout sauf grand public, avec des examens de proctologie effectués dans des limousines, des manifestants irrités brandissant des rats morts dans les rues de la ville et, dans la dernière partie du film, une violence cronenbergienne vraiment horrible. Et pourtant, alors que le réalisateur a toujours employé une sorte de retrait clinique de ses personnages, sa vision du protagoniste central de ce film - Eric Packer, a joué avec un minimum d'affections et une pâleur désarmante et fantomatique par Robert Pattinson dans ce que beaucoup considèrent comme son premier rôle respectable - est pratiquement anémique, voire sans vie à certains moments. Packer passe le temps d'exécution du film à ramper à travers une ville de New York vaguement apocalyptique dans une limousine en route vers une coupe de cheveux, et le personnage s'intègre parfaitement avec l'anti-héros archétypique Cronenberg. Il est morose, cynique, fasciné par le sexe, la mort et la technologie. Pattinson s'engage admirablement dans la non-identité de son personnage, bien que l'univers alternatif hermétiquement figé dans lequel “; Cosmopolis ”; se déroule est en fin de compte plus éloigné que contraignant. Ce n'est pas avant le troisième acte obsédant du film, qui présente une scène envoûtante se déroulant dans le salon de coiffure préféré des enfants de Packer et les avances meurtrières d'un écrou à col bleu mécontent nommé Benno Levin (Paul Giamatti, grisonnant et criant un peu) que “; Cosmopolis ”; fait allusion à la grande satire audacieuse qu'elle aurait pu être. Les inconditionnels de DeLillo peuvent le creuser, et les fans de Cronenberg devraient essayer juste pour la curiosité, mais malheureusement, “; Cosmopolis ”; est loin de l'excellent travail précoce du réalisateur. [C]

“; Cartes vers les étoiles ”; (2014)
Tinseltown n'a jamais semblé plus rance que dans `` Maps to the Stars '', une histoire de fantôme diabolique, principalement brillante et profondément rebutante. La carrière de Cronenberg dans la création de films se déroule maintenant depuis quatre décennies, touchant tout, de l'horreur corporelle à petit budget aux pièces d'époque lyriques, aux adaptations de génération de beat et aux films de crime tout droit, et sa marque emblématique de mort extraterrestre effrayante reste l'une des plus des expériences cinématographiques singulièrement désorientantes auxquelles on peut être exposé. Il reste typiquement fasciné par le corps humain comme un spectacle d'horreur mais cette fois-ci, il est plus pris par les possibilités littérales de l'inceste et les aspects métaphysiques de la mort et de l'amour. “; Cartes ”; s'ouvre sur une jeune femme à l'allure de garçon (Mia Wasikowska) dans un bus Greyhound en direction d'Hollywood, en Californie. Elle porte un pull à capuche qui lit “; Bad Babysitter ”; et a des marques de brûlure horribles sur son cou et de longs gants noirs sveltes couvrant ses bras. Qui est-elle? Sans trop en dévoiler, elle est impliquée dans un enchevêtrement ouroborique entre des gens vraiment hideux et foutus, que nous connaîtrons tous trop bien. Julianne Moore prête sa propension à mâcher les décors au merveilleux rôle hideusement vécu de Havana Segrand, une starlette pathétique dont les épisodes d'abus de pilules de prescription et de sexe déviant sont alimentés par son désir infaillible d'incarner l'esprit de sa mère en mettant en vedette dans le film qui l'a rendue célèbre (la mère de La Havane a été brûlée dans un incendie, pas une coïncidence). Benji Weiss (Ethan Bird), un enfant vil et haineux acteur et la star du “; Bad Babysitter ”; franchise, un chauffeur à faible intensité avec des aspirations d'auteur mal orientées (Robert Pattinson) et un gourou de l'entraide nommé Stafford (John Cusack) qui mijote en privé dans le ressentiment et la rage cachés avant de les déguiser en double âge New Age. Il s'agit d'un film d'art avec l'âme d'un film de minuit, aussi drôlement drôle et troublant que Cronenberg était à son apogée. [B +]

Que pensez-vous des nombreuses phases de la carrière de Cronenberg? Faites le nous savoir dans les commentaires. - Jessica Kiang, Nicholas Laskin, l'équipe de la playlist.



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