Rétrospective: les films de Francis Ford Coppola

Sans aucun doute, l'un des cinéastes américains les plus importants de l'histoire du médium est Francis Ford Coppola. Italo-américain de troisième génération, Coppola a étudié à l'UCLA et a été l'un des nombreux réalisateurs de l'époque qui a vu le jour sous le maestro du film B Roger Corman avant d'être embrassé par l'establishment cinématographique après avoir remporté un Oscar pour la co-écriture 'Patton'Et diriger mégahit'Le parrain», Souvent cité comme l'un des plus grands films de tous les temps.

Avec cette réalisation, Coppola est devenu le premier parmi les gosses de cinéma, qui comprenait des copains comme George Lucas et Steven Spielberg, pour connaître un grand succès pour le reste des années 1970, avec deux Best Picture Oscars (plus une autre nomination), et deux trophées Palme D’or à Cannes. Les années 1980 ont été plus mitigées, et les années 1990 encore plus, avant que Coppola ne prenne une pause prolongée dans le cinéma (bien qu'il soit toujours le rejeton d'une famille de réalisateurs qui comprend des enfants). Sofia et Romain, neveux Nicolas Cage et Jason Schwartzmanet petite-fille Gia), avant de revenir à la fin des années 2000 avec des travaux expérimentaux audacieux.

Peu de réalisateurs ont eu des carrières aussi variées, tumultueuses et fascinantes, et avec Coppola qui aura 75 ans cette année et l'une de ses plus belles réalisations, 'Le parrain, partie II', À l'âge de 40 ans le mois prochain, cela semblait être le moment idéal pour faire quelque chose que nous voulions faire pour toujours: à savoir revenir sur son travail en détail. Vous trouverez ci-dessous notre cadeau pour le week-end de Thanksgiving: notre rétrospective des films de Francis Ford Coppola. Faites-nous savoir vos favoris dans la section des commentaires.



'Ce soir c'est sûr»(1962)

Chaque cinéaste doit commencer quelque part, et certains départs sont plus ignominieux que d'autres: pour chaque «Chiens de réservoir,' il y a un 'Piranha 2. 'Le premier crédit de direction officiel de Coppola, 1962'Ce soir c'est sûr'(Réalisé alors qu'il n'avait que 22 ans) est fermement dans la dernière catégorie, une image de sexo-exploitation bon marché d'une heure grinçante qui ne fait même pas vaguement allusion aux films à venir. Co-écrit, produit et réalisé par Coppola (avec son père Carmen marquant et futur favori de Tarantino Jack Hill, helmer de “Sœurs Switchblade,»Servant de DP), c'est une excuse pour montrer autant de seins que possible, encadrés autour d'un cow-boy et d'une société de haut niveau qui s'associent pour fermer un club burlesque, qui racontent des histoires de vice et de péché alors qu'ils sont assis dans le club et attendez que la bombe explose. Le cadrage d'une image softcore autour de deux héros de type Moral Majority est assez amusant, mais il s'agit certainement d'un réalisateur au début de sa carrière: les plans et les scènes durent plus longtemps qu'ils ne le devraient, la photographie est assez sombre et le le budget est minime au mieux. Faire preuve de fair-play envers Coppola pour avoir profité d'une opportunité et avoir fait quelque chose, mais cela n'a à peine aucune valeur de curiosité pour les fans inconditionnels de Coppola. [F]

'Démence 13»(1963)

Hammy, mal écrit et apparemment jeté un mardi humide quand il n'y avait rien à la télévision, même selon les normes de slipshod de la Roger Corman usine / atelier de misère / lieu de reproduction pour les auteurs des années 1970, “;Démence 13”; est un effort nettement intermédiaire. Mis à part sa séquence de titres éclaboussante, qui est assez géniale mais n'a rien à voir avec le film, même les plaisirs schlocky sont minces sur le terrain ici, et il faudrait des auteursistes plus déterminés que nous pour trouver trop de traces préfigurantes du style naissant de Coppola, sauf peut-être quelques fioritures atmosphériques soignées. Co-écrit par le futur directeur d'exploitation Jack Hill (“;Foxy Brown, ”; “;Coffy”; —Avez-vous lu notre article sur les héroïnes de films de cul-de-sac?), Ce film ressemble certainement plus à un morceau avec ce niveau de bon marché qu'avec “;Le parrain, ”; bien qu'il y ait quelques instants entre le dialogue maladroit et répétitif et les personnages redondants (il y a une deuxième blonde dont la fonction narrative est littéralement impossible à discerner) et l'intrigue permet quelques effrayements à mi-chemin. Détaillant le plan d'une femme rapace de s'incarner avec la famille riche de son mari décédé en Irlande et ses tentatives d'utiliser les circonstances effrayantes de la mort d'un enfant bien-aimé comme moyen à cette fin avant de découvrir qu'un tueur est toujours en liberté , nous supposons que vous pouvez admirer “; Dementia 13 ”; pour avoir les balles pour tuer son protagoniste apparent “;Psycho”; -style à mi-chemin, et pour la nouvelle façon dont il parvient à travailler dans une petite semi-nudité. Sinon, ce sont des trucs assez grinçants et en grande partie pour les finalistes de Coppola, les passionnés de Corman ou ceux qui s'intéressent aux techniques de marketing gimmicky uniquement (les clients ont été invités à passer le test D-13 “; test ”; et s'ils échouaient, on leur demanderait de quitter le théâtre). !!), mais à 75 minutes, il ne peut guère dépasser son accueil. [C-]

'Tu es un grand garçon maintenant' (1966)

Intitulé de manière appropriée pour un film qui a marqué l'entrée du réalisateur dans le courant dominant, 'Tu es un grand garçon maintenant»A une confiance gagnante qui le marque comme quelque chose de différent du travail précédent, même s'il reste encore beaucoup à faire. D'après le roman de l'auteur britannique David Benedict et à l'origine fait comme sa thèse UCLA avant d'être ramassé pour distribution par Warner bros, le film est une sorte de comédie sexuelle de passage à l'âge adulte sur Bernard (Peter Kastner), un jeune homme refoulé contrecarré par ses parents surprotecteurs (Déchirure déchirée et un nominé aux Oscars Geraldine Page), et déchirée entre une belle actrice (Elizabeth Hartman) et une jolie fille (Karen Black). Imprégné d'un esprit contre-culturel qui a précédé mais a été éclipsé par des films comme «Le diplômé», Notamment grâce à une poignée de chansons de La cuillère de Lovin, c'est un mélange intéressant de comédie à l'ancienne et de style influencé par la nouvelle vague britannique / française: même si Coppola n'avait pas encore trouvé sa propre voix de réalisateur, il y a un fanfaron dans le film, notamment dans un plan d'ouverture craquant qui présente Hartman dans une robe jaune vif. Les performances sont les plus gros plats à emporter: Kastner (un double pour la mascotte du magazine MAD Alfred E. Neumann) fait une piste attrayante, Page est névrosée mémorable, et Julie Harris est excellent en tant que propriétaire de Bernard. Loin d'un classique, mais certainement le début de la Coppola nous avons appris à connaître et à aimer. [C +]

«Rainbow de Finian» (1968)

Bons avis et buzz autour 'Tu es un grand garçon maintenant'A vu Warner Bros embaucher Coppola pour diriger leur adaptation du hit de 1947'Arc-en-ciel de Finian', Un film qui s'est avéré être l'un des derniers de l'après-'Son de la musique”Vague de comédies musicales onéreuses et trop longues. C'était un ajustement étrange (principalement parce qu'ils pensaient que Coppola serait bon marché), et le résultat est prévisible étrange et à peine un succès, surtout pas financièrement, mais vous pouvez certainement en tirer quelques plaisirs. L'intrigue compliquée, impliquant un combo père-fille d'immigrants irlandais (Fred Astaire, revenant aux comédies musicales pour la première fois en onze ans, et Petula Clark), un lutin appelé Og (Tommy Steele) poursuivant un pot d'or magique et un sénateur raciste (Keenan Wynn) transformé en homme noir pour le guérir de son racisme, est à la fois progressiste et malheureusement daté. Mais il y a une dichotomie mal à l'aise similaire au film dans son ensemble: Coppola voulait fusionner ses nouvelles sensibilités avec un hommage à Minnelli et Demy, Warners voulait juste qu'il monte et tourne la chose, et le résultat est extrêmement inégal, à au moins trente minutes de trop, et parfois mortellement ennuyeux - en particulier car il manque de chansons décentes. Il est décidément grinçant par endroits, en particulier lorsque le Steele éminemment smackable est à l'écran. Mais de temps en temps - avec la performance lumineuse de Clark, avec la chance de voir un Astaire de 69 ans briller encore, une vulnérabilité retrouvée dans ses mouvements autrefois super-héroïques grâce à son âge, avec la perception profondément ressentie de Coppola de l'immigration aux États-Unis, avec un ingénieux plan de train qui est l'un des préférés de cet écrivain - le film frôle la grandeur. Le réalisateur est assez déçu du film, du moins d'après ses commentaires sur DVD, mais il est dur avec lui-même. [C +]

adolescentes animées

“; The Rain People ”; (1969)

Un bon point de départ pour ceux qui souhaitent retracer les forces émergentes de la narration de Coppola, “;Le peuple de la pluie”; est visible comme le travail du même Coppola qui, quelques années plus tard, commencerait à écraser tous ceux qui se tenaient devant lui dans l'industrie cinématographique américaine avec une attaque de chefs-d'œuvre … la même Coppola que nous souhaitons désespérément était toujours là aujourd'hui. Les histoires en coulisses derrière cette image sont presque devenues plus grandes que l'image elle-même, notamment sur la façon dont George Lucas traînait sur le plateau et filmait un making-of documentaire intitulé “;Réalisateur”; (actuellement, malheureusement, indisponible) que Coppola appellera plus tard mieux que son propre film, il est donc facile d'oublier la taille de 'The Rain People' qui se tient réellement sur ses deux pieds. L'un des seuls scénarios originaux de Coppola, le film est une représentation perspicace d'une femme au foyer dévouée à l'engagement qui subit quelque chose d'une crise d'identité alors qu'elle est sur le point de devenir mère. Shirley Knight joue le protagoniste en question, Natalie, qui sur son chemin à travers la découverte de soi reprend James Caanauto-stoppeur endommagé au cerveau et est à son tour ramassé par un policier de la route tout simplement endommagé Robert Duvall. Sans aucun doute, il est rugueux sur les bords et la fin abrupte conclut l'arc de Natalie plutôt désinvolte, mais avec un casting affamé d'un tel calibre et un thème assez original pour l'époque, nous donnerons à 'The Rain People' deux pouces assurés vers le haut. Si pour rien d'autre, regardez-le comme un exemple de la seule façon d'utiliser les flashbacks dans les films et un exercice pour créer une atmosphère intime. [B]

'Le parrain»(1972)

Si Hollywood construisait une sorte de quasi-mont Rushmore de classiques de studio irréprochables, sûrement “;Citizen Kane, ”; “;Maison Blanche”; et ce mélodrame gangster épique à succès massif occuperait trois des quatre emplacements. Monter haut après avoir remporté son premier Oscar pour avoir coécrit en 1970 ’; s “;Patton, ”; Coppola avait suffisamment de cachet pour être considérée par Primordial - bien qu'il n'ait pas été le premier choix du studio - pour sa vision à gros budget Mario Puzobest-seller de ’ ;. Bien qu'un des premiers obstacles ait été la légère réticence du cinéaste: Coppola lui-même ne mourait pas d'envie de faire la photo, mais quand il a trouvé un point d'entrée thématique personnel, il l'a pris quand même. Et c'est ainsi qu'il a livré la saga épique des Corleones, qui resteront sans doute à jamais à la tête de la table des légendaires familles criminelles du cinéma. Et pour une bonne raison. Bien que certains critiques intelligents aient vaillamment plaidé pour une version révisionniste et beaucoup moins effusive de “;Le parrain, ”; son héritage perdurera pour de nombreuses raisons, dont la principale Marlon Brandoest une présence sans fin imitée, définissant la fin de carrière, mais aussi parce que c'est une rareté dans le cinéma de studio: conçue pour les adultes mais accessible à tous, astucieusement construite à chaque niveau de production, épique et pourtant profondément personnelle, les deux son temps (le temps où il a été fait et le temps où il est réglé) et tout à fait intemporel. Il est dommage que, à la fin des années 70, Hollywood ait commencé à se concentrer plus intensément sur la recherche du nouveau “;Guerres des étoiles”; au lieu de créer les conditions qui amèneraient le prochain ‘ parrain ’ ;, mais un succès à succès cependant 'Le parrain»Était, peu comparable à l'espace occidental de Lucas en termes de prise au box-office, et va donc l'histoire du cinéma. Quoi qu'il en soit, nous aurons toujours ce chef-d'œuvre, gravé dans le mont Rushmore de l'histoire du cinéma. [A +]

'La conversation»(1974)

Intelligent, électrique et profondément, profondément troublant, “;La conversation, ”; bien que ce soit rarement le premier titre que l'on mentionne à propos de Coppola, il est sûrement à égalité avec les deux premiers “;Le parrain”; films, ce qui en fait donc l'un des plus grands films américains des années 1970. Ce qui en fait l'un des plus grands films américains de tous les temps. Ce n'est pas seulement une pièce de performance extraordinaire, avec un virage central par Gene Hackman en tant que protagoniste paranoïaque (de plus en plus justifié) qui se classe parmi les meilleurs moments de l'acteur, mais un film de conspiration crépitant à haute tension a donné une résonance supplémentaire au scandale du Watergate alors récent, trouvant cette connexion insaisissable entre la bande magnétique, la moralité personnelle et le pouvoir politique -en jouant. C'est tellement d'autres choses aussi, notamment un hommage à Michelangelo Antonioni’; s “;Exploser”; (qui inspirerait plus tard l’une des Brian De Palmameilleurs films de ’; “;Éteindre”; qui a également pris une inclinaison sonore sur le puzzle visuel de l'original). Mais ce qui est étonnant et tout à fait intemporel à propos de “; The Conversation, ”; C'est comme ça que tout cela contient des couches et des subtilités et des étranges coins et recoins effrayants. Pourtant, c'est un film tellement clairsemé et élégant, dans tout, de son aspect, à sa distribution réduite, à son dialogue simpliste et utilitaire, qu'il équivaut à l'opposé de l'épopée mafieuse tentaculaire, texturée et multigénérationnelle avec laquelle Coppola venait de se faire un nom. Pourtant, parce que c'est tellement différent de “;Le parrain”; et sa suite et même de l'énorme ambition et échelle d'opéra de “;Apocalypse Now”; il ’; s “; La conversation ”; qui sous-tend vraiment la prétention à la grandeur de Coppola: seul un véritable visionnaire aurait peut-être pu transformer ces classiques absolus en des registres aussi disparates. Avec un formidable soutien de John Cazale, Harrison Ford et Robert Duvallet retouche d'image et de son stellaire à partir de l'éditeur principal Walter Murch, “; La conversation ”; a remporté la Palme d'Or, mais a perdu l'Oscar du meilleur film contre `` The Godfather II ''. ”; Mais en tant que méditation sur la relation tendue entre la technologie et la vérité, et un chef-d'œuvre superbement conçu de films contrôlés et furieux, il est inégalé dans le canon de Coppola, et dans à peu près tout le monde. [A +]

'Le parrain, partie II»(1974)

L'angoisse de suivre un énorme succès (et nous devons nous rappeler que cela est bien avant le moment où la séquestration d'un film à succès est devenue une pratique courante) ne semblait que nourrir les jus créatifs de Coppola, et donc après avoir déjà mis le premier film hors de portée le parc, il a ambitieusement doublé la portée et les scénarios pour son deuxième regard complètement définitif sur les Corleones. Un chef-d'œuvre aussi inattaquable que 'The Godfather' était, Coppola a conçu une suite encore meilleure, et a récupéré une brassée d'Oscars pour son problème. À bien des égards, ‘ Partie 2 ’; a été le précurseur du type d'approche préquelle qui est devenue beaucoup plus répandue depuis, mais Coppola a été assez intelligent pour se rendre compte qu'il ne suffit pas de donner au public une histoire d'origine. Et il en va de même, toujours le roi régnant des suites, que Vito Corleone (ici dépeint par un jeune, brillant Robert De Niro) se déroule en même temps que celle de son fils et héritier, Michael (toujours l'un des Al Pacino’; s), traçant en parallèle et parfois en contrepoint la descente de Michael dans les ténèbres et évoquant magistralement l'inéluctabilité du destin personnel, de la famille et de l'héritage. Il y a une belle qualité romanesque dans ce chapitre de l'éventuelle trilogie, sans doute encore plus que dans le livre original de Puzo, qui est plus un été pulpeux lu qu'une saga immersive. Une grande partie de cela vient de la structure, qui a permis à Coppola et à ses trois éditeurs de se déplacer de manière transparente entre différentes époques dans un seul montage, chaque séquence commentant le passé et préfigurant l'avenir. C'est un cinéma sérieux, audacieux et arty à grande échelle, sans peur de faire face aux conséquences réelles et concluant sans crainte sur une note extrêmement sombre. Cela fait quarante ans que le film est sorti dans les salles de cinéma, mais au cours de ces quatre décennies, rien, ni de Coppola ni de personne d'autre, ne s'est approché. [A +]

'Apocalypse Now»(1979)

Après son doublé en 1974, très probablement la plus grande année pour un seul réalisateur dans l'histoire du cinéma, Coppola est allé au fond de son propre cœur de ténèbres et il s'est avéré justement qu'il a créé le film définitif sur la guerre du Vietnam. Pourtant, cela a coûté très cher. “;Apocalypse Now, ”; malgré toute sa magie cinématographique, sa portée et son ambition massives, et sa folie hallucinatoire et batshit, semblait prendre quelque chose du cinéaste déjà légendaire. C'est un autre chef-d'œuvre, plus difficile à manier que ses trois précédents films, mais aussi une formidable union de thèmes sur et hors écran, de cinéaste se confondant avec le sujet et d'adversité forçant à la fois le compromis et l'expansion créative comme le cinéma hollywoodien l'a peut-être jamais donné nous. Avec le temps qui s'est écoulé depuis Martin SheenVoyage sans fin et suçant l'âme sur cette rivière interminable, lente et maléfique, nous pouvons dire maintenant qu'elle a marqué la fin de la génial Période Coppola, mais oh boy a-t-il fini avec un coup. À ce stade, Coppola établissait et enfreignait ses propres règles et découvrait que là-bas, si loin devant et indépendamment de tout le monde, la folie était. Le meurtre sacrificiel de Marlon BrandoKurtz au point culminant du film est encore plus obsédant aujourd'hui; une métaphore appropriée pour ce que Coppola a donné pour terminer le film. Et si vous pensez que nous sommes trop mélodramatiques, eh bien, bien sûr que nous le sommes, mais en tant que très grand making-of du documentaire “;Hearts of Darkness: A Filmmaker ’; s Apocalypse”; montre, le film est devenu cette entité presque vivante, un adversaire gigantesque qui a presque battu le réalisateur. Sa filmographie subséquente montre que, bien qu’il y ait du bon travail, parfois même impressionnant, à trouver, il n’a plus jamais approché les hauteurs vertigineuses des années 70. “; Apocalypse maintenant ”; est le dernier grand film que Coppola ait réalisé à ce jour. [UNE]

'Un du cœur»(1982)

Ce film s'est avéré être un gâchis si coûteux que Coppola a prétendu travailler une grande partie des deux décennies qui ont suivi la sortie du film en essayant simplement de rembourser les dettes qu'il avait contractées pendant la production du film. En ce qui concerne les énigmes, cependant, celui-ci est assez intéressant - un riff stylistiquement audacieux et richement imaginé sur les comédies musicales d'antan (Coppola a même tourné le film au format boxy Academy de 1,37: 1). C’est l’histoire d’une paire d’amants tumultueux (jouée par Teri Garr et Frédéric Forrest) qui se séparent et trouvent de nouveaux amants (joué par Raul Julia et Nastassja Kinski), pour se retrouver à nouveau. C'est littéralement tout le récit. Certains acteurs, en particulier Garr, qui est sexy et adorable (exemple de ligne de dialogue: 'Je veux sortir avec beaucoup de gars; je veux que des choses érotiques se produisent!'), Donnent à leurs performances le coup de fouet voûté délibérément de Coppola l'esthétique artificielle nécessite, tandis que d'autres, principalement Forrest, s'opposent à cette même esthétique de toutes sortes de manières inconfortables. Et bien qu'il y ait eu beaucoup de paroles sur le fait que le film était une comédie musicale honnête à Dieu, aucun des interprètes en fait chanter tout ça, et personne ne danse même jusqu'à près d'une heure dans le film (les chansons grincheuses de Tom attend ne sont pas exactement mémorables non plus). Bien que le film soit l'une des plus belles productions de Coppola, grâce en grande partie aux décors vertigineux (il a été entièrement tourné sur les scènes sonores de l'American Zoetrope à San Francisco) et à la cinématographie veloutée de Vittorio Storaro, qui capture l'action dans une série de prises longues et ininterrompues, cela n'ajoute pas grand-chose et la stylisation manifeste éloigne souvent le spectateur du centre émotionnel du film. Lorsque le film est sorti, c'était un désastre absolu, faisant moins d'un demi-million de dollars sur un budget de plus de 26 millions de dollars. Bien qu'il y ait eu des réévaluations timides au fil des ans, le film, oscillant entre frénétique et funèbre, reste un canard boiteux magnifiquement doré. Comme le dit Forrest, vers la fin du film, 'Si je pouvais chanter, je chanterais.' C'est un problème partagé par le film dans son ensemble. [C +]

'Les étrangers»(1983)

Le statut culte qu'il a gagné depuis sa sortie et son étonnante distribution de futures superstars se combinent maintenant pour obscurcir quelque peu l'évaluation de “;Les étrangers, ”; quelque chose qui n'a pas été aidé par sa réédition en 2005 dans une version substantiellement retravaillée qui a ajouté 22 minutes supplémentaires de séquences et remplacé des segments entiers de Carmine CoppolaLa partition originale de la chanson avec des chansons pop des années 50 dans lesquelles elle se déroule. Mais bien qu'il propose des performances très brillantes de sa jeune distribution exceptionnelle (C.Thomas Howell, Ralph Macchio, Rob Lowe, Matt Dillon, Diane Lane, Emilio Estevez, Tom Cruise et surtout, lors d'une récente ré-observation, la sous-évaluation pérenne Patrick Swayze), L'adaptation de Coppola S.E. HintonLe classique adoré des adolescents reste une affaire étrangement peu engageante, et cela s'explique en partie par une déconnexion fondamentale entre le contenu et la forme. Coppola a compris le grain de l'histoire, qui tourne autour d'un groupe d'enfants du mauvais côté des pistes s'emmêlant avec les enfants riches locaux avec des résultats tragiques, et a apparemment exigé une telle vraisemblance que la scène de l'incendie de l'église est devenue presque une véritable conflagration. Mais il laisse également libre cours à l'impulsion inverse. “; Les étrangers ”; est étonnamment magnifique (magnifique Stephen H Burum cinématographie) à regarder, et que ce soit la beauté juvénile exubérante de sa distribution ou les couchers de soleil spectaculaires et les grondements nocturnes stylisés, il ajoute un brillant évitable de glamour et un filtre de nostalgie à ce qui devrait être plus brut, plus affectant et immédiat récit. Exemple: la scène poétique entre Macchio et Howell qui est tournée pour faire délibérément référence à la version cinématographique de “;Emporté par le vent, ”; le livre qu'ils venaient de lire. De même, l'utilisation quasi-avant-gardiste de la musique par Coppola (partition dans l'original; chansons avec des paroles distrayantes sur le nez dans la réédition) signifie que des tronçons de dialogue entiers sont des scènes inaudibles et d'action, aussi désespérées et dramatiques que ils devraient être, prendre une qualité romantique et ballétique. Tout cela sert simplement à créer un coin de style entre le spectateur et les personnages. Vous pourriez penser après la catastrophe financière de “;Un du cœur”; Coppola serait sous une forme châtiée et modérée, mais “; The Outsiders ”; peut-être à première vue un projet moins ambitieux, mais le cinéaste est partout, parfois même sur son chemin. [B-]

“;Rumble Fish”; (1983)

Alors que “;Hunger Games”; et la science-fiction dystopique est à la mode, il est amusant de se rappeler que les romans pour jeunes adultes, bien que d'une rayure très différente, étaient également en vogue dans les années 1980. Et donc Coppola ceinturé deux E.T. Hinton les adaptations de la première moitié de la décennie qui ont toutes deux été publiées en 1983. Bien que moins appréciées que les étoiles, plus commerciales “;Les étrangers, ”; “;Rumble Fish”; est le travail beaucoup plus accompli. Beaucoup plus ouvertement expérimental, expressionniste et s'appuyant fortement sur la nouvelle vague française, le film est une exploration audacieuse, morose et tout en noir et blanc de l'angoisse et du désenchantement des adolescents. Et donc bien sûr, cela a commencé sérieusement la carrière de ne plus ultra acteur de la désillusion adolescente de cette époque: Matt Dillon qui avait déjà joué dans 'Sur le bord' et 'Texas»(Ce dernier également une adaptation de S.E. Hinton), ainsi que«Les étrangers.”Avec un score peu orthodoxe de Police le batteur Stewart Copeland (qui, en tant que compositeur pour la première fois, n'était peut-être pas encore complètement à l'écoute du médium), une stylisation du film noir assez avant-gardiste et une conception sonore frappante qui ont capitalisé sur l'intonation feutrée et chuchotée de Mickey Rourke, “; Rumble Fish ”; se concentre sur un chef de gang découragé qui cherche à changer ses habitudes (Rourke) et le jeune frère qui le vénère et veut l'imiter de toutes les manières possibles (Dillon). Co-vedette muse Coppola Diane Lane et Dennis Hopper avec des apparitions de Nicolas Cage, Laurence Fishburne et Tom Waits, Coppola a écrit le scénario avec Hinton pendant leurs jours de tournage “; The Outsiders ”; (comment ça pour le multitâche?). Le style menaçait de submerger la substance dans les films de Coppola à plusieurs reprises au cours de sa carrière (“; One From The Heart ”; étant un excellent exemple), et “; Rumble Fish ”; est un travail polarisant dans le canon de Coppola à cet égard. Le cinéaste lui-même a vu le film comme sa récompense artistique méritée pour offrir l'effort de studio plus conventionnel de “; The Outsiders ”; (Coppola était membre détenteur de cartes du club «un pour eux, un pour moi»). Élégant et impétueux, bénéficiant d'une atmosphère d'oppression en sueur et d'un traitement visuel d'une fraîcheur saisissante, “; Rumble Fish ”; est un grand mariage de poésie et de passion, offrant les deux dans une mesure égale et durable. [B +]

“;The Cotton Club”; (1984)

Il est facile de voir ce que “;The Cotton Club”; était censé être un drame policier tentaculaire, coloré et multibrins qui ferait pour la scène Harlem Jazz des années 1930 ce que “;Le parrain”; avait fait pour la mafia de New York d'après-guerre. Un projet passionné de superproducteur Robert Evans, qui avait conçu le film comme ses propres débuts de réalisateur, aucune dépense n'avait été épargnée pour la somptueuse préproduction, y compris l'embauche de Coppola, ainsi que William Kennedy, réécrire Mario PuzoScénario de ’ ;. Donc, quand Evans lui a demandé brusquement de prendre le relais quelques semaines avant le début du tournage, selon les mots de Coppola, Evans avait donné le ton pour le niveau d'extravagance bien avant que j'arrive là-bas. ”; Besoin d'un coup sûr de bonne foi après deux drames à petite échelle pour adolescents et l'échec de la faillite de 'One from the Heart', ”; Coppola ne devait pas le trouver avec ce film, qui révèle ce genre de déception curieuse dans laquelle des éléments individuels sont prometteurs, parfois même passionnants (en particulier les routines de tapotement sublimes de Gregory et Maurice Hines) mais est assortie (ironiquement) d'un manque de rythme déroutant. Passer beaucoup trop de temps sur le triangle amoureux vacant entre trois protagonistes blancs vides à peine dessinés (Richard GereJoueur de trompette ’; Diane Lanele moll ambitieux et James Remaret le gangster vicieux de Dutch Schultz), et reléguant les problèmes de race et de classe beaucoup plus intéressants au statut de sous-intrigue, de bruit de fond ou de «couleur locale», le film souffre d'un manque d'élan interne et semble curieusement non dramatique. Peut-être que c'est parce que tout le drame s'est passé hors écran: “;Apocalypse Now”; obtient la presse pour sa production cauchemardesque, mais “; The Cotton Club ”; (en plus de la condamnation d'Evans pour trafic de cocaïne, qui s'est produite quelques années avant le début du tournage), des dépassements de coûts massifs, dont Coppola et Evans se blâmeraient mutuellement dans les querelles juridiques acrimonieuses qui ont suivi la contre-performance du film. Et il y a même eu un meurtre, quand l'un des partisans du film (pas le marchand d'armes arabe, un autre!) A été abattu à plusieurs reprises à la tête puis explosé à la dynamite dans un contrat de meurtre commandé par un collègue en colère d'être évincé du rôle d'un producteur. Tout cela est malheureusement beaucoup plus intéressant que le film lui-même, bien que nous puissions regarder Gregory Hines tapdance à peu près pour toujours. [B-]

“;Peggy Sue s'est mariée”; (1986)

En tant qu'unité, nous à la Playlist sommes “;Jeunes sans jeunes”; apologistes, mais si quelqu'un cherche une approche infiniment moins indulgente, plus accessible, mousseuse et sucrée sur quelques-uns des mêmes sujets, Coppola en a fourni une depuis le milieu des années 80, à savoir “;Peggy Sue s'est mariée. ”; Avec Kathleen Turner comme Peggy Sue, le film est également remarquable pour être l'une des très rares occasions (“;Le peuple de la pluie”; étant probablement l'autre) lorsque Coppola, habituellement si sensible à l'examen de l'ego masculin, de l'orgueil et de la grande folie, raconte son histoire dans une perspective féminine. Et cela fonctionne étonnamment bien, car Peggy Sue se sent comme une vraie femme et reçoit une sorte d'agence qui n'est pas seulement due à sa modernité, quand elle est mystérieusement transportée dans son adolescence des années 1950, mais qui la caractérise comme une personne excentrique et individuelle personnage; une femme aux rêves déçus et au potentiel inexploité. Avec également le neveu de Coppola Nicolas Cage dans un rôle de définition précoce (l'année prochaine apporterait des rôles principaux dans “;Raising Arizona”; et “;Rêveur') et mettant en vedette Joan Allen, Helen Hunt et Jim Carrey dans les rôles de soutien, ‘ Peggy Sue ’; n'est certainement pas un film particulièrement profond, mais il a beaucoup de cœur et une sorte d'optimisme sincère sous sa “; deuxième chance ”; prémisse. Il peut également être considéré comme une correction de cap mineure de Coppola après une série d'échecs au box-office allant de sous-performants aux catastrophes: le film est devenu le premier vrai succès de Coppola depuis “; Apocalypse Now. ”; C'est aussi la première fois qu'il met vraiment en avant l'idée du passage du temps, de la cruauté qu'elle peut infliger et de la sagesse qu'elle peut favoriser, et ici Coppola trouve également le foyer parfait pour sa nostalgie affectueuse envers sa propre maturité des années 1950. Peut-être une valeur aberrante dans le canon de Coppola simplement parce qu'il est si peu exigeant, doux et si friand de tous ses personnages, “; Peggy Sue s'est mariée 'fait allusion à la façon dont Coppola devenait moins un auteur qu'un réalisateur pour compte mais avait encore assez de flair et de personnalité pour nous assurer que ce n'est personne d'autre qu'un compagnon derrière la caméra. [B]

«Jardins de pierre» (1987)

Oublié même par les normes de certains autres travaux de Coppola des années 80 et 90, 'Jardins de pierre'Voit le réalisateur retourner à la guerre du Vietnam huit ans après'Apocalypse Now», Mais d'un point de vue très différent. C'est une image sobre et digne avec une excellente distribution, mais la comparaison avec le chef-d'œuvre militaire précédent ne lui est certainement pas favorable. D'après le livre de Nicholas Proffitt et adapté par Ron Bass, il se concentre sur la relation père / fils de substitution entre le lieutenant de carrière fatigué (James Caan, qui est excellent ici), et le spécialiste assoiffé de combat Willow (D.B. Sweeney, moins), qui servent ensemble dans la «vieille garde», assurant les fonctions de cérémonie lors des funérailles des soldats tombés au cimetière d'Arlington. Willow est désespéré de servir au Vietnam malgré le mariage de sa petite amie d'enfance (Mary Stuart Masterson), mais Hazard, ayant servi là-bas, pense que c'est une guerre terrible et fait de son mieux pour garder le garçon en vie. C’est une image délicate et inhabituellement sombre de Coppola, réalisée sans grand effet et axée principalement sur les performances. Qui sont pour la plupart très solides: c'est probablement l'une des meilleures heures de Caan, et des interprètes de soutien fiables comme Angelica Huston, James Earl Jones, Dean Stockwell, Elias Koteas et anciens combattants «Apocalypse» Sam Bottoms et Laurence Fishburne tous font du bon travail. Le film ne tient pas tout à fait ensemble, mais c'est compréhensible: le réalisateur était en pré-production lorsque son fils de 22 ans, Gian-Carlo, a été tué dans un accident de bateau à moteur (Ryan O’Neal »le fils de Griffin, à l'origine incarné par Sweeney, était responsable de l'incident et a été refondu en conséquence). Cette connaissance donne la représentation du chagrin dans le film et des pères et des fils, a ajouté un pathos, mais cela explique peut-être aussi pourquoi le cœur de Coppola n’y était peut-être pas. [B-]

'Tucker: l'homme et son rêve»(1988)

équipages de Terry idiocratie

L’une des entrées les plus négligées de l’œuvre de Coppola, «Tucker: l’homme et son rêve» est un biopic audacieux et bruyant de Preston Tucker (interprété par un crépitement). Jeff Bridges), un concepteur de voitures d'après-guerre visionnaire dont l'histoire Coppola se transforme en un mythe américain de bien-être. Imaginé à l'origine comme une biographie musicale expérimentale (ces éléments ont été, heureusement, mis au rebut), `` Tucker '' est plutôt une exploration sérieuse d'un homme qui partage plus de quelques traits de caractère avec Coppola lui-même - un esprit tourné vers les nouvelles technologies, un anti-autoritaire séquence, un manque de responsabilité fiscale (vous ne pouvez pas vous empêcher de penser à Coppola quand quelqu'un prend Tucker, 'peu importe combien il gagne, il parvient à dépenser deux fois plus') et une profonde croyance dans le pouvoir de la famille. Et bien que certaines des idées les plus extravagantes que Coppola avait à l’esprit pour le film aient été abandonnées, «Tucker: l’homme et son rêve» a encore un certain nombre d’épanouissements stylistiques assez fous - Capra-un cadre et une narration de films éducatifs, quelques transitions astucieuses (après Preston déplore qu'il puisse avoir «des sièges au bord de votre propre crucifixion», Coppola coupe immédiatement un T géant hissé dans le ciel), et une grande utilisation du plateau «Écran partagé» (avec deux acteurs qui se parlent au téléphone, depuis différents endroits sur la même scène sonore). C’était une histoire que Coppola mourait d'envie de raconter depuis son jeune âge (son père était l'un des premiers investisseurs dans la voiture de Tucker) mais il n'a pu obtenir le financement du film que lorsque George Lucas, sur le tournage de 'Captain EO»(Voir ci-dessous), a proposé de financer lui-même l'intégralité de la production. Plus tard, Coppola a déploré que le film n'ait pas été ce qu'il aurait pu accomplir pendant son pic artistique, mais cela n'a pas vraiment d'importance: 'Tucker: The Man and His Dream' est un classique mineur, plein de performances exceptionnelles (des goûts de Martin Landau, Joan Allen, Elias Koteas, et dans la séquence la plus obsédante du film, Dean Stockwell comme Howard Hughes), musique jazzy (gracieuseté de Joe Jackson) et une folie zippée singulièrement irrévérencieuse qui est positivement contagieuse. [B +]

'Histoires de New York' - segment: 'La vie sans Zoé»(1989)
L'anthologie “Histoires de New York'Était une perspective alléchante lors de sa première à Cannes en 1989, en associant comme pour la première (et la dernière) fois trois des figures les plus vénérées du cinéma américain, avec Coppola comme remplisseur d'un sandwich de courts métrages entre Martin Scorsese'Leçons de vie' et Woody Allen«S»Épaves d'Œdipe. 'La charge peut être le terme le plus approprié pour' Coppola 'La vie sans Zoé'- le film est facilement le plus faible des trois mini-films (en effet, seul Scorsese vaut vraiment le prix d'entrée), et l'une des choses les plus jetables que le réalisateur ait jamais faites. Le film se concentre sur une jeune fille riche gâtée (Heather McComb) dont les parents rivaux (Giancarlo Giannini et Talia Shire) se séparent et qui, après le vol de son appartement, se propose de rendre un bijou à une princesse arabe. Il est sans doute devenu plus intéressant maintenant qu'il ne l'était à l'époque: dans son étude de l'ennui et du privilège, il sert de précurseur au travail de la fille du réalisateur Sofia. En tant que tels, les fans de 'Quelque part' ou 'The Bling Ring'Pourrait trouver quelque chose à aimer. Nous trouvons le film assez vide et ennuyeux, particulièrement mal servi en suivant l'entrée de Scorsese, avec Don Novello la seule véritable étincelle de vie en tant que majordome de McComb. [RÉ]

'Le parrain, partie III»(1990)

Peu de films dans l'histoire ont été aussi vivement attendus que 'Le parrain, partie III. »Venant seize ans après la« Partie II », le troisquel devait certainement décevoir beaucoup de gens et a la réputation d'être un raté, mais près d'un quart de siècle plus tard est plus que digne d'être réévalué, même s'il ne le fait pas. atteint les sommets de ses prédécesseurs. Dans le cadre des années 1970 qui se transforment en années 1980, dans le contexte des derniers jours du pape Paul VI (et de la courte vie de Jean-Paul I), il voit Michael Corleone (Al Pacino) toujours culpabilisé par la mort de Fredo et essayant d'aller de l'avant avec un énorme accord foncier impliquant le Vatican. Mais de manière célèbre, juste au moment où il pensait qu'il était sorti, ils l'ont ramené à l'intérieur et le complot du policier Joey Zasa (Joe Mantegna) et Don Altobello (Eli Wallach), ainsi que l'arrivée du fils bâtard de Sonny, Vincent (Andy Garcia), cherche à saboter le plan et à conduire à la tragédie. Le film (monté à la hâte quand une Coppola semi-réticente a rencontré des difficultés financières, ainsi que Primordial ayant besoin d'un blockbuster de vacances pour 1990) fait sans aucun doute des faux pas: l'intrigue du Pape et certaines séquences d'action sont farfelues d'une manière que les films précédents n'ont jamais été, le script ne trouve jamais de moyen satisfaisant de réintégrer Diane Keaton'S Kay, qui se sent superflue, et oui, Sofia Coppola est trompé en tant que fille Mary. Mais c'est toujours une image de crime musclée et moelleuse, imprégnée de manière satisfaisante et substantielle de culpabilité catholique, et avec des performances (Pacino, Garcia et Mantegna sont particulièrement bonnes) et des scènes qui peuvent résister à quoi que ce soit dans la trilogie. Peut-être que nous avons ramolli à l'image grâce à la sérialisation des films et à la montée du drame câblé, ce qui sert de précurseur. Mais nous maintiendrons que 'The Godfather Part III' n'est pas la fesse que beaucoup l'accusent d'être. [B]

“; Bram Stoker ’; s Dracula ”; (1992)

Bordant le kitsch et basculant occasionnellement, il y a deux choses principales qui s'arrêtent »Dracula de Bram Stoker»De la dévolution vers le camp all-all qui menace d'engloutir l'effort: Gary Oldmanest follement au-dessus de la performance mais toujours d'une manière ou d'une autre terriblement agréable en tant que prince assoiffé de sang des ténèbres, et l'esthétique somptueuse, brillante et sans frais qui donne un nouveau sens au mot somptueux. Nous sommes en 1992 et vous venez de ternir la réputation irréprochable de l'une des franchises cinématographiques les plus respectées de tous les temps, et votre propre gloire, en réalisant “;Parrain III.”; Que faire? Rencontrer Winona ryder, apparemment (Ryder devait jouer un rôle dans le troisième opus 'Parrain' qui est ensuite allé à Sofia Coppola, dont la performance est venue pour la part du lion de la désapprobation accumulée sur le film). C'est Ryder qui lui a donné le script, et il y avait clairement une sorte d'étincelle, car Coppola a accepté de s'aventurer là où beaucoup avaient déjà marché. Mais Coppola a juré de faire une adaptation fidèle de Bram StokerL'histoire, et le résultat est une fusion cauchemardesque très divertissante, mais indéniablement inégale, du sexe, de la peur, de l'amour et du contrôle, et une expérience visuellement hypnotique. En optant notoirement pour que tous les effets spéciaux du film soient une combinaison de perspectives forcées, de peintures mates et d'accessoires construits spécifiquement pour certaines scènes, Coppola a veillé à ce que l'élément visuel soit une priorité dès le départ. Avec ses costumes spectaculaires et primés aux Oscars et une approche à l'ancienne du tournage, ‘ Dracula ’; quels que soient ses défauts narratifs, reste un spécimen visuel intemporel. Le making-of du documentaire, dans lequel vous pouvez voir à quel point Coppola a mis l'accent sur les costumes, est également recommandé. Mais l'inconvénient de se démarquer dans les services techniques est qu'il présente les éléments les moins convaincants du film, notamment médiocres Keanu Reeves et un script qui vire très près de l'idiot. Oldman et un Ryder lumineux, cependant, sont mieux soutenus par Anthony Hopkins et Tom attend (comme Renfield dans un coup de casting génial) et, finalement, Coppola livre un film bien en deçà de ses points forts réels, mais néanmoins un divertissement plus grand que beaucoup de ses films de cette période pourraient probablement prétendre l'être. [B]

“;Jack”; (1996)

Coppola est le type de cinéaste vénéré qui inspirera quelqu'un, quelque part pour lancer une campagne vigoureuse pour réhabiliter même ses pires erreurs, mais essayons comme nous le pouvons de ne trouver aucune défense pour “;Jack, ”; sans doute parce que cela pourrait impliquer de revoir la fichue chose et la vie (qui est ironiquement la morale de cette très fable) est courte. Le silence assourdissant où l'on pourrait s'attendre à un refrain de “; mérite un second regard ”; ou “; plus pour lui que sa réputation ne le suggère ”; est sans aucun doute le résultat de plusieurs facteurs, mais il se peut surtout que même parmi la galerie des coquins des moments moins brillants du réalisateur, “; Jack ”; prend la cuillère en bois - ce n'est même pas un échec intéressant comme les autres mauvais virages de Coppola le sont presque toujours. L'insoutenable mawkish ‘Benjamin Button’; -lite histoire d'un garçon né avec une maladie rare qui le fait vieillir physiquement à quatre fois le taux d'un enfant normal, c'est un film qui occupe un seul registre de schmaltz potentiel et plangent, et un rôle qui joue pour les pires impulsions de la fin, grande Robin Williams’; personnage manchild. En effet, la littéralisation du concept manchild était probablement ce qui a attiré Coppola, lui donnant l'opportunité (avec les écrivains James DeMonaco et Gary Nadeau) pour enquêter sur les problèmes de vieillissement et de mortalité qui sont évidemment des préoccupations récurrentes pour le cinéaste, en particulier à partir de cette période de sa carrière. Mais c'est déprimant de voir à quel point il en fait peu, préférant retomber dans un mode déconcertant, anonyme et discret pour la famille, qui s'oppose mal à l'aise avec les implications plus sombres de l'histoire. L'ooginess du problème de la sexualité est patiné maladroitement, notamment par le film qui avance dans le temps de sept ans dans un seul de ses exemples de malhonnêteté narrative, et Coppola semble s'éloigner activement de tout ce qui est provocateur ou perspicace (tout en le regardant correctement) donne maintenant un frisson supplémentaire d'inconfort avec Bill Cosby ’;la présence de Jack en tant que tuteur sage, avunculaire, de même enfant de cœur). Si cette pile fumante de sentiment ersatz a une fonction de rachat pour le réalisateur, c'est que “; Jack ”; est conçu comme s'il était dans le programme de protection des témoins sous une couverture exceptionnellement crédible en tant que réalisateur compagnon - c'est tellement anonyme qu'il est difficile de se souvenir que Coppola était jamais derrière, quand vous vous souvenez du film. [RÉ]

“; Le Rainmaker ”; (1997)

Re-regarder 'The Rainmaker«Ces jours-ci, en particulier pour ceux d'entre nous qui ne l'ont peut-être pas vu depuis une décennie ou plus, peuvent être l'une de ces expériences où les prédilections actuelles se heurtent à des souvenirs gonflés pour créer une conduite décevante mais toujours nostalgique. Basé sur un roman de maestro John Grisham, qui était au bord du gouffre au milieu des années 90 avec Sept des adaptations de ses œuvres qui sortent entre 93 et ​​98, c'est beaucoup plus moelleux que la mémoire ne sert, au point de la lenteur. Sur le plan artistique, Coppola était apparemment déjà presque passé à ce stade du jeu, et les preuves sont là; tout sur cette image a l'air simple, ordinaire et encore anonyme. Sans une trace du caractère audacieux que nous avions vu pour la dernière fois respirer une vie visuelle splendide dans 'Bram Stoker’s Dracula ”; (sauf si vous comptez les titres du film), cela ressemble plus à une mission qu'à un projet inspiré. Le sentiment de Coppola foulant l'eau essayant de maintenir son propre intérêt, encore moins le nôtre, est inévitable. Matt Damon joue un jeune avocat zélé qui est déterminé à faire tomber une compagnie d'assurance corrompue tout en jonglant avec un million d'autres choses comme étudier pour l'examen du barreau pour la moitié du film, Danny Devitopartenaire désagréable de poursuite d'ambulance, ou tomber amoureux Claire aujourd'hui’; femme maltraitée. Il y a un peu trop de mélodrame en cours et pas assez de moments intenses dans la salle d'audience comparables à ceux d'autres adaptations de Grisham comme “;Un temps pour tuer. ”; Mais alors, Grisham lui-même pense que c'est la meilleure adaptation cinématographique de toutes les autres, alors peut-être que le problème est que Coppola est resté coincé aussi proche du matériel source ici, qui n'a pas le genre de viande et le potentiel pour des feux d'artifice de cinéma dignes des talents de Coppola. Mais bon, ce n'est jamais ennuyeux à voir Jon Voight jouer un méchant et Mickey Rourke jouer un patron, et c'est loin d'être aussi mauvais que ce qui l'a immédiatement précédé, bien que vous puissiez vous rendre fou en essayant de localiser n'importe quel vestige de Coppola de l'ère dorée à travers ses 135 minutes résolument sans inspiration. [C +]

'Jeunes sans jeunes»(2007)

Il est impossible qu'un événement comme le premier film de Francis Ford Coppola en 10 ans puisse aller et venir avec un haussement d'indifférence, sans créer de vagues, mais est-ce juste nous, ou la plupart des critiques semblaient-ils un peu hyperboliques dans leur haine totale pour ce conte de science-fiction étrange mais parfois fascinant? Récoltant certaines des critiques les plus sournoises de sa carrière, peut-être à cause de l'envie de déchirer une idole déchue qui a osé se transformer en quelque chose d'aussi indulgent et indulgent que lui-même et opaque, “;Jeunes sans jeunes”; était la tentative de Coppola de revenir à un idéal antérieur de faire des films plus petits et plus personnels, et pourtant il est alourdi à chaque point avec les impulsions lourdes, inquiétantes et parfois déroutantes d'un vieil homme, craignant la mort et laissant un incomplet héritage. Cela ne fonctionne certainement pas entièrement, et il est sans aucun doute presque honteusement absorbé, mais il est aussi parfois fascinant et, dans ses moments de tristesse et de nostalgie, a un sentiment plus réel que Coppola n'avait géré pendant des décennies. Et il y a souvent une exubérance dans le cinéma et une volonté audacieuse d'être aussi ésotérique et bizarre que le récit l'exige, ce qui, dans le contexte de sa filmographie, est certainement un changement rafraîchissant, sinon diviseur, de l'aspect et de la sensation fades de ses deux derniers Caractéristiques. Au fond, le film s'intéresse aux agrafes Coppola du temps, de l'héritage et de la mortalité (que vous pouvez voir dans tout, de «Peggy Sue» à «The Godfather Part III» à «Dracula», à «Jack» et au-delà, même jusqu'à à «Twixt»), mais tant de choses sont jetées contre le mur dans ‘ Youth ’; - une intrigue nazie d'espionnage, des romances, traitant des super pouvoirs nouvellement découverts, de la Seconde Guerre mondiale, et bien plus encore - que tout cela ne peut peut-être pas coller ou même s'imbriquer. Parfois difficile à manier, cela peut être l'histoire centrale d'un vieil homme, " Benjamin Button ’;Tim Roth) frappé par la foudre qui se régénère miraculeusement dans son jeune moi est une hypothèse métaphysique ambitieuse et toujours intéressante, et bien que Coppola ait du mal à mélanger des genres disparates, il est assez évident de voir pourquoi il serait intéressé par cette histoire, et pourquoi il pourrait l'investir avec tant de cœur. C'est l'histoire d'un homme qui a essentiellement accordé l'impossible souhait de plus de temps pour achever le travail de sa vie et faire face aux erreurs et aux regrets de son passé. [B-]

'Tetro»(2009)

Deux ans après son retour très décrié avec «Youth Without Youth», Coppola a poursuivi sa nouvelle ère avec cette histoire principalement autofinancée (ah, l'argent du vin!) Et très personnelle sur deux frères séparés et les rivalités familiales issues de générations différentes . “;Tetro”; est à ce jour l’œuvre la plus appréciée du réalisateur. La cinématographie numérique à contraste élevé en noir et blanc de Mihai Mălaimare, Jr. (qui a continué à tirer “;Le maître”; en 70 mm) est absolument magnifique, et il y a une bonne raison pour laquelle l'un des premiers clips promotionnels sortis pour le film était l'incroyable ouverture de trois minutes, dans laquelle nous sommes introduits au superbe aspect net du film et de son cadre urbain argentin. On ne peut pas en dire assez pour le brillant casting de Vincent Gallo dans le rôle titulaire, le frère aîné de Alden EhrenreichBennie (également très bon). Gallo est un goût acquis, mais quelqu'un peut-il prétendre qu'il a une présence devant la caméra à brûler? Sa glisse, son agressivité à la bouche motrice, sa trame raide et sa beauté atypique sont parfaitement synchronisés avec les intentions de Coppola ici et couplé avec le traitement visuel lisse et pulpeux, qui passe brusquement à la couleur pour certains flashbacks et l'étrange surréaliste Powell et Pressburger-séquence de ballet de style, aide à faire “; Tetro ”; Coppola est l’œuvre la meilleure et la plus complète de sa période crépusculaire. Et peut-être que nous étions également à ce stade en train d'apprendre un peu à quoi s'attendre du cinéaste vieillissant, ou du moins ce qu'il ne fallait pas: avec 'Tetro', Coppola fait valoir de manière convaincante qu'il n'est pas épuisé sur le plan créatif, mais s'il a un autre chef-d'œuvre dans lui, cela ne ressemblera en rien à 'Le Parrain' et nous devrions tous arrêter de le tenir même à la norme impossible de son jeune moi. Parfois, c'est trop sur le nez et c'est évidemment personnel, ce qui peut être tonifiant mais aussi aliénant et indulgent. Quoi qu'il en soit, il n'y a pas beaucoup de cinéastes légendaires de 70 ans avec plusieurs Oscars réalisant des films comme «Tetro», et cela seul devrait être félicité. [B]

'Twixt»(2011)

S'il avait l'impression que Coppola remontait lentement dans nos bonnes grâces à la fin des années 00, il devait avoir raté un pied parce qu'il avait glissé un peu loin en arrière avec ce film d'horreur turgesque, idiot et parfois inaccessible, qui était positionné comme le retard de Coppola retour de carrière mais en jouant plutôt comme une curiosité pour les purs et durs. Val Kilmer joue Hall Baltimore, un «sous-sol Stephen King»Dont l'imagination est enflammée lorsqu'il s'arrête dans une petite ville effrayante et se fait raconter des histoires sur une série de meurtres rituels d'enfants qui se sont produits il y a longtemps (les corps sont enterrés, soi-disant, sous l'hôtel où Kilmer réside). Le mystère principal, concernant un tueur en série que le shérif local (incarné par un Bruce Dern) dub 'The Vampire Executioner', est sérieusement obsolète - il y a littéralement une scène où Kilmer, Dern, l'adjoint de Dern, et un petit enfant demandent de l'aide à une planche Ouija. Et le tout est tourné de manière si fade que vous ne pouvez pas dire si Coppola enregistre à quel point le tableau est drôle (le manque de style du film est étrange compte tenu du directeur de la photographie) Mihai Malaimare, Jr. a également tourné le somptueux «Tetro»). Les choses deviennent un peu plus vivantes lorsque Kilmer se glisse dans un monde de rêve, où il s'entretient avec Edgar Allen Poe (Ben Chaplin) et un chatoyant Elle Fanning, qui peut être ou non l’un des enfants assassinés de la ville. Mais même ces séquences ne s'enregistrent pas comme «rêveuses» autant qu'elles sont «peu meublées» (à un moment donné, ces séquences étaient censées être exposées en 3D, mais cela, avec une «partition en direct» par le co-compositeur Et diacre, n'est jamais allé beaucoup plus loin qu'une poignée de projections). Il y a un certain nombre de choses qui font de «Twixt» une montre digne, du moins pour les finisseurs intrigués de Coppola - les véritables performances de batshit de Dern et Kilmer (à un moment donné, il fait des impressions de Marlon Brando, Peter O’Toole, et 'un joueur de basket-ball gay noir des années 60'), quelques astucieuses stylistiques s'épanouissent, le fait que la femme de Haridan à l'écran de Kilmer est jouée par son ex-femme réelle Joanne Whalley et l'explosion occasionnelle de film du film, en particulier quand Coppola recrée perversement la mort tragique de son fils Gian-Carlo Coppola. Mais rien de cet intérêt emprunté, salace ou autre, ne peut animer ce qui est principalement un raté ennuyeux, triste et comploté que même pour ceux entièrement désenchantés de Coppola de la fin de la période, il se sent juste si loin sous lui. [C-]

vous êtes la pire saison 5

Shorts, spéciaux et autres curiosités

“;Bataille au-delà du soleil”; (1959)

Un brillant exemple de Roger CormanLe génie de prendre une oreille de truie et de la transformer en oreille de truie légèrement plus commercialisable, l'impresario a acquis un bon marché de science-fiction appelé “;Ou Zovyot”; réalisé par des réalisateurs soviétiques Mikhail Karzhukov et Aleksandr Kozyr et mettre Coppola à travailler sur un script de doublage qui exciserait le message de propagande anti-américain du film. Coppola est allé plus loin, filmant des images supplémentaires de deux monstres spatiaux se battant (collaborateur Jack Hill a ensuite affirmé que l'un était censé ressembler à un pénis et l'autre à un vagin) et en ajoutant d'autres morceaux de séquences trouvées et tournées pour livrer un film qui, sur le plan de l'histoire, ne ressemble guère à l'original, qui était un récit assez simple de la course pour Mars. Cet hommage au gaspillage de Corman, pas à la philosophie n'aurait pas été le premier crédit de réalisateur de Coppola - sauf qu'il a utilisé un pseudonyme, Thomas Colchart pour le travail.

“;La terreur”; (1963)

Juste un des quatre noms bien connus qui auraient effectué des travaux de mise en scène non crédités sur le fil de château hanté de Corman en 1963, pavé ensemble (futur directeur de la blaxploitation Jack Hill, Monte Hellman et la star du film Jack Nicholson étant les autres), Coppola a été envoyé à Big Sur pour tourner des images supplémentaires. le Boris Karloff le film n'avait été écrit à l'origine que pour tirer parti des décors préexistants qui étaient sur le point d'être démolis, et le résultat est à nouveau l'un de ces films de Corman qu'il est plus facile d'admirer dans l'esprit que dans les faits. Maintenant, il est mieux connu sous le nom de matériel source qui, avec les services de Karloff, un autre protégé de Corman, Peter Bogdanovich pillerait profondément pour son formidable film de 1968 “;Cibles. ”;

'Le Bellboy et les Playgirls»(1962) - coréalisé avec Fritz Umgelter
Tout
nos meilleurs efforts ont échoué en essayant de retrouver ce début
entrée dans le canon de Coppola, donc nous ne pouvons ni le noter ni vous en dire beaucoup
à ce sujet, à part le fait que c'est une comédie qui s'appelle 'le
Bellboy et les Playgirls
'Et il a été initialement tourné entièrement en noir
et blanc et en allemand. Coppola a été embauché pour tirer quelques autres impertinents
scènes pour augmenter sa commercialisation sur le marché des mac sales aux États-Unis, en ajoutant des images en couleur de femmes dont le groom titulaire espionne
littéralement à travers les trous de serrure de leurs chambres d'hôtel. On ne peut qu'imaginer
tout cela est aussi hilarant que cela puisse paraître, mais pour être sûr, étant
en charge des scènes de nu supplémentaires pour un film de charbon allemand semble
un peu comme un travail de rêve pour tout gars de 23 ans.

'Captain EO»(1986)
Au début de l'automne 1986, George Lucas, dans le cadre de son partenariat avec le Walt Disney Company, a fait ses débuts une attraction 3D révolutionnaire qui a joué Michael Jackson, le plus grand interprète musical de la planète. C'était une extravagance musicale de 17 minutes intitulée 'Captain EO' … réalisé par Francis Ford Coppola. Le film est assez simple, avec Jackson incarnant «l'infâme» Captain EO, qui dirige un «groupe hétéroclite» d'étrangers étranges et de robots dans un voyage intergalactique. Quand ils répondent à un signal de détresse sur un mécanicien dingily, Gigerplanétaire, EO se heurte au chef suprême de l'araignée (Anjelica Huston), qui, après les commentaires d'EO sur sa beauté intérieure, siffle: «Vous trouvez meeee belle? »EO procède ensuite à la libération de la planète opprimée grâce au pouvoir de la danse chorégraphiée et des étincelles 3D; les ombres deviennent légères et les piliers de la malbouffe maladroite deviennent des colonnes romaines néoclassiques (la meilleure partie, surtout rétrospectivement, est quand EO transforme l'un des gardes de robot vêtus de noir en un fop des années quatre-vingt, complet avec un mulet blond bopping). Coppola savait comment chorégraphier des numéros de danse («Un du cœur'Être damné) et a réussi à canaliser le charisme écrasant de Jackson au sommet de ses pouvoirs dans une merveilleuse petite performance. Mais lorsque le film est revenu dans plusieurs parcs Disney après la mort prématurée de Jackson en 2009 (il avait été remplacé par le profondément boiteux 'Chérie, j'ai rétréci le public”À la fin des années 90), les coutures étaient vraiment visibles: les personnages non humains étaient maladroits, la technologie 3D était incertaine même après un nouveau polissage et le scénario était pratiquement inexistant (aussi: genre de sexiste). Mais c'est toujours Coppola dans sa forme la plus joyeuse, la plus imaginative et la plus dérangeante, du côté d'un cinéaste traditionnellement sérieux, voire sombre que nous ne voyons que rarement.

“;Théâtre de conte de fées”; Épisode TV “;Rip Van Winkle”; (1987)
À peu près au moment où il jouait avec des manigances de voyage dans le temps avec le poids plume “;Peggy Sue s'est mariée, ”; Coppola a pris un concert télévisé très rare, et a tourné dans ce Harry Dean Stanton- avec une version d'une heure du conte de fées classique. Il s'agit selon tous les témoignages d'une œuvre assez anonyme, apparemment tournée en 1984 et qui n'a été diffusée qu'en 1987, et elle était suffisamment irréprochable pour être montrée dans les salles de classe, avec le reste de la Shelley DuvalPar la suite série l.

Donc, sur cette note légèrement dégonflante, c'est notre évaluation de la carrière à ce jour de l'un des grands maîtres du cinéma américain. Se mettre d'accord? Être en désaccord? Imaginez-vous que Coppola a un autre grand film en lui ou sa gloire est-elle du passé maintenant? Faites-le nous savoir ci-dessous.

- Jessica Kiang, Oli Lyttelton, Erik McClanahan, Drew Taylor, Nikola Grozdanovic & Rodrigo Perez

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