The Spoils: Tom Hooper, le réalisateur des Misérables, répond à ses critiques

À peu près à partir du moment où il a été annoncé que Tom Hooper, qui venait de remporter l'Oscar pour la réalisation du meilleur lauréat de 2010 'The King's Speech', allait diriger une nouvelle adaptation cinématographique de 'Les Misérables' pour Universal bourré de stars Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Amanda Seyfried et Sacha Baron Cohen, le projet était attendu sur les bulletins de vote aux Oscars. Mais un fossé étrange s'est matérialisé depuis que les cinéphiles ont finalement commencé à voir la comédie musicale épique ces dernières semaines - comme si une barricade était érigée entre le public et la critique, entre le film et son destin rempli de prix.

Malgré les quatre nominations récentes de la Golden Globes and Screen Actors Guild - et les discussions excitées sur la performance de Hathaway à la dynamite de 'I Dreamed a Dream' - 'Les Miserables' a une concurrence incroyablement forte pour les cinq meilleures machines à sous dans chaque catégorie d'Oscar. Le vote est ouvert jusqu'au 3 janvier et «Lincoln», «Zero Dark Thirty», «Life of Pi», «Argo» et «Silver Linings Playbook» continuent de prospérer à la fois auprès de leur public et de leurs électeurs d'une manière qui «Les Mis »ne l'a pas fait. Et Hooper a été encore moins en jeu pour le réalisateur noms ces dernières semaines.

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Alors que le matériel nuement émotionnel a sans aucun doute été en contact avec le public - une propriété mondialement connue, 'Les Mis' a rapporté 18,2 millions de dollars le jour de Noël, la deuxième meilleure ouverture de vacances de tous les temps - les critiques ont été beaucoup plus critiques, avec une condamnation spéciale réservée à certains Hooper's plus grands choix de mise en scène. Très tôt, Hooper et les autres cinéastes ont décidé de jouer le film entièrement en chanson et d'enregistrer ces chansons entièrement en direct sur la caméra, et tout le reste en a découlé: la conception de la production, le travail de la caméra, le cadrage, le montage.

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Le lendemain de la première australienne du film, le vendredi 21 décembre, Hooper a téléphoné à Indiewire pour répondre à bon nombre de ces critiques et expliquer la réflexion et les stratégies qui ont accompagné chaque décision. Il serait difficile de mesurer si cet examen approfondi de son processus de création changera les esprits dans les rangs critiques - ou à l'Académie, mais cela fournit des détails exceptionnels sur la façon dont lui et son équipe ont abordé le défi de taille de transformer l'un des les plus grands succès de la scène en une expérience grand écran émotionnellement satisfaisante.

Comment s'est passée la première hier soir '>

Y a-t-il un vrai lever de soleil en Angleterre?

Parfois. Cela a été écrit. Alors, la grande chose est que cela signifiait que nous pouvions également créer un design pour la rue qui était ce dont nous avions besoin. Et Eve Stewart, qui est un concepteur de production si extraordinaire, est venu avec ce merveilleux plan où le café étudiant était comme une sorte de mini-Flatiron Building, qui se repliait sur lui-même de sorte que le bâtiment tombait structurellement vers la droite et le toit est en quelque sorte penché, vous avez donc le sentiment que les étudiants ’; le bâtiment a une sorte de précarité. Il est mince et vulnérable et sur le point de basculer. Et cela a également créé un point de focalisation central pour un grand nombre de scènes larges dans ce genre de scène. Donc, par moi-même, ”; qui se dirige vers l'endroit où vit Marius, vous avez ce genre de photo emblématique de ce café. Cela lui a donc donné un excellent point de focalisation. Cela m'a aussi rappelé, la façon dont il est situé, un navire, qui est un grand thème du film, un thème récurrent de la mer et des navires. Vous avez Hugh transportant le navire de guerre au début qui a été endommagé, puis Hugh est libéré de prison sous la proue d'un navire de guerre, puis Fantine redescend sur un navire. Donc [le design Flatiron] était un moyen de rappeler aux gens ce thème visuel.

Mais alors, tout sur les toits est CGI?

Ouais. Le meilleur exemple est probablement “; Stars, ”; où nous avons construit cette aire sur le toit pour Russell, et nous voyons l'aigle et y avons construit tout le sommet. Et puis en gros quand on regarde au-delà de lui, c'est le CG. Mais ce que nous avons fait est quelque chose de très crédible. Nous avons fait un scan LIDAR de Notre Dame, ce qui signifie que nous avons fait un scan géométrique complet du bâtiment de tous les côtés, qui est précis jusqu'au centième de millimètre ou quelque chose. C'est très précis. Nous avons donc scanné Notre-Dame, puis nous avons fait une cartographie photographique très complète de Notre-Dame sous différents types de lumières. Ensuite, fondamentalement, vous construisez un modèle de fil de Notre Dame en 3D en utilisant le scan LIDAR, en prenant des informations sur l'objectif que vous avez choisi afin d'obtenir le bon angle et la bonne distance de Russell. Et puis vous projetez dessus toutes les différentes photos de Notre Dame que vous avez prises. Les textures que vous voyez ne sont pas générées par un ordinateur, elles sont en réalité prises à partir de centaines de photos différentes sous l'angle et la lumière appropriés. Et puis pour la façade de Notre-Dame, de nos jours il y a un grand centre touristique, alors qu'à l'époque il y avait des bâtiments médiévaux à forte piggledy. Alors là, nous avons photographié tous les vieux bâtiments médiévaux de Paris qui existent encore et nous avons également photographié et pris des scans de la rue que nous avons construite, différents types de bâtiments. Nous n'avons donc pas tourné à Paris, mais une quantité incroyable de clichés lorsque vous voyez Paris impliquent une cartographie photographique et une cartographie géométrique du Paris réel afin de le créer. Mais cela nous a également permis de faire des choses comme: lorsque Russell se suicide, lorsque nous avons commencé à tirer, nous avons d'abord filmé les gros plans et que la caméra principale était sur une grue, et ce que cela a permis à Russell de faire à chaque fois qu'il arrivait au À la fin de la chanson, il se jetait hors du plateau que nous avions construit pour le pont. Donc, 20 pieds vers le bas pour écumer au fond, afin qu'il puisse faire la chanson entière, même le saut, à chaque fois, ce qu'il voulait faire.

remorque polka king

L'avez-vous obligé à le faire quelques fois de plus, juste pour se foutre de lui?

Je pense qu'il a probablement chanté et sauté 20 fois. Peut-être que ce n'était pas 20 pieds. C'était suffisant pour vider le plateau, donc c'était dramatique. Et Russell a eu cette idée très intéressante que dans le spectacle, Javert chante et saute sur la note de la musique. Russell a pensé qu'il était intéressant de finir de chanter et d'avoir en fait un moment de connexion humaine et de silence avant de sauter, ce qui, je pense, est très efficace car cela le rend beaucoup moins mélodramatique que de sauter et chanter, qui est un appareil de théâtre musical.

Les visuels m'ont semblé être une sorte d'hybride censé tirer parti de certaines des choses que vous pouvez faire avec le cinéma, mais vous vous sentez toujours un peu comme une scène?

Eve Stewart, la créatrice de production, et moi avons eu de nombreuses conversations. Nous avons reconnu dès le début que nous étions en train de créer un univers alternatif où les gens communiquent à travers la chanson, et nous avons dû le rendre réellement convaincant. L'un des grands débats est, aidez-vous cet univers alternatif s'il ressemble et se sent exactement comme le nôtre, ce que nous appelons le réalisme des éviers de cuisine, ”; ou est-ce que ça vous aide si c'est comme le nôtre mais juste un peu rehaussé, ou un peu de réalisme magique, un peu différent du nôtre? Et à la fin, nous avons senti qu'une surélévation très subtile dans certaines séquences aiderait le public à être transporté de la réalité, qui ressemble beaucoup à la nôtre mais n'est pas identique à la nôtre. Nous avons navigué les deux. Je ne suis pas sûr que je dirais nécessairement qu'il s'efforçait d'être théâtral, plus d'efforts pour avoir un peu de licence avec la façon dont nous avons repensé ce monde afin de faire des choses avec le langage visuel qui a aidé la narration de manière réellement ne le ferait pas si vous faisiez un drame historique totalement réaliste.

À titre de comparaison, lorsque je faisais 'John Adams', je n'aurais jamais été en contradiction avec la façon dont Philadelphie a été conçue pour ce premier congrès afin de créer un moment où, je ne sais pas, John Adams se sent dépassé par Philadelphie ou John Adams se sent comme s'il avait échoué et soudain Philadelphie se profile et le détruit. J'ai essentiellement construit Philadelphie absolument comme nous le savons. Je pense que j'ai grandi dans une école de cinéma assez réaliste, avec des cinéastes londoniens comme Mike Leigh et Ken Loach, qui ont fait une mise en scène extraordinaire au Royaume-Uni, et puis vous avez des Australiens que j'admire comme Peter Weir. Ils sont très réalistes en termes de monde physique. Et j'ai continué à penser, eh bien, jusqu'à ce point, la mesure de ce qui est vrai est ce qui est réel. Mais quand vous faites une comédie musicale, la mesure de ce qui est vrai n'est pas si simple, car ils chantent, ce qui n'est pas réel. Ainsi, la mesure ne devient pas ce qui est réel mais devient ce qui est émotionnellement vrai, et elle devient un autre type de mesure. J'ai donc pensé qu'il était très sain pour moi en tant que cinéaste de rompre certains des liens qui vous unissent à un certain type de tyrannie du réalisme, où le réalisme est toujours le juge. Me laisser aller dans un endroit plus expressionniste au cinéma. Et pour profiter d'être expressionniste, pour profiter de la liberté d'être un peu opératique.

Et en fait, à certains égards, il y avait de l'inspiration dans le livre, car dans le livre, Victor Hugo joue avec beaucoup de motifs. Ainsi, même les noms, Jean Valjean, Javert, J-V, l'un des noms est contenu dans un autre. Il a cette conscience des modèles et de la symétrie, ce qui est également vrai dans la vie. Il y a des niveaux de réalisme presque documentaire dans la façon dont il décrit les pauvres à Paris et à quoi ressemblait Paris avec ces schémas assez évidents, où vous avez l'impression que le monde a été organisé d'une certaine manière. Il écrit également du point de vue de l'existence absolue de Dieu. Et quand Dieu existe, Dieu peut affecter de manière bénigne ou autrement la façon dont les choses se déroulent et cela peut être un guide pour la manière dont les histoires se déroulent dans notre univers.

Presque comme un réalisateur. Cela revient toujours à Dieu avec vous.

[rires] Je vais vous donner un exemple de ce type de motifs: le thème des hauteurs, des descentes et des ascensions. Ainsi, la caméra commence littéralement à se noyer dans la mer avec un drapeau français noyé, et elle finit par regarder le ciel au sommet d'une très haute barricade. Il passe de l'eau sombre à la lumière et à la hauteur. Victor Hugo a parlé de la mer comme d'une `` misère incommensurable ''. Et puis vous avez eu Hugh debout dans la mer, et quand il est relâché, il est à l'ombre de cette figure de proue d'hydre, et il monte des marches vers la liberté en laissant Javert bas encore sous lui. Et puis il gravit une montagne, et au sommet de cette montagne il y a un petit village où il trouve Dieu, donc il y a cette ascension vers l'illumination. Et puis Fantine, quand sa vie commence à mal tourner, elle descend des marches et elle passe sous un bateau où elle est donnée à son premier client et elle est forcée de se prostituer dans les entrailles aqueuses d'un bateau pourri et ment dans un lit de cercueil, qui est l'ancien type de lits que les officiers utilisaient à bord des navires, qui est à moitié noyé dans l'eau. Et puis, quand Hugh la sauve, il la soulève et la fait monter en liberté, laissant Javert à nouveau en dessous et en dessous, et vous voyez à nouveau l'hydre se reproduire. Donc, toute cette organisation qui s'engageait dans le langage du symbolisme dans le film était quelque chose que je pouvais faire parce que je construisais des décors et parce que j'avais l'aide de CGI.

Jusqu'à présent, une critique constante a été le choix de rester proche de chaque acteur pendant une grande partie de chaque chanson. Dans quelle mesure était-ce une fonction de l'enregistrement de l'audio en direct '>

Et un jour, Eddie Redmayne est entré dans la salle de coupe, et je lui ai montré l'ouverture et je lui ai montré " I Dreamed a Dream ”; parce qu'il claquait la porte pour voir quelque chose. Et il l'a vu et il a mentionné le fait que dans la bande-annonce que nous avons éditée, nous avons utilisé ce gros plan serré d'Anne et il a parlé de la façon dont vous voyez la musculature de son cou lorsqu'elle lève les yeux. Et il a dit: «N'avez-vous pas raté un truc en n'utilisant pas le gros plan?» Nous en avions essayé un peu avec quelques retouches. Et j'ai dit: Eh bien, pourquoi n'essayons-nous pas de tout exécuter? Et je ne peux pas vous dire, la toute prochaine fois que nous l'avons projetée, l'impact émotionnel de cette chanson a augmenté d'environ 200%. C'était toujours fantastique, mais ce qu'il a débloqué la prochaine fois que nous avons projeté, c'était un niveau d'émotion qui était complètement au-delà de ce que nous avions auparavant.

Quiconque s'assoit pour le voir une seule fois n'entend pas la progression du montage. Je pense que tout le monde a supposé que c'était juste votre approche dès le départ, que vous alliez juste filmer deux heures et demie en gros plan …

Ouais, je pense qu'ils pensent que je suis en quelque sorte allé, “; OK, Anne, c'est une seule caméra, c'est un peu gros plan, c'est tout d'un coup - action! ”; Je n'ai pas mis cette pression sur eux et je n'ai pas présumé que les chansons tiendraient nécessairement comme ça.

Ce n'était donc pas une fonction de l'audio non plus?

La façon dont nous avons obtenu l'audio si bien était que nous avions les micros réguliers à l'extérieur des costumes des gens. Et la plupart du temps avec les acteurs principaux, nous en avions deux, l'un vers l'épaule droite et l'autre vers l'épaule gauche, de sorte que, quelle que soit la façon dont ils se tournaient ou favorisaient, ils étaient toujours bien captés. Et puis, lorsque le film a été monté, nous avons supprimé numériquement les choses. La possibilité de faire tourner ces microphones et de les retirer numériquement était le secret de notre succès et la chose qui nous différencie de ce que les gens faisaient à l'apogée des comédies musicales. Dans les années 60, il y a même dix ans, cela aurait été prohibitif et maintenant, c'est vraiment assez simple.

Et en fait, si vous regardez la construction des chansons, dans les chansons de Russell, les deux “; Stars ”; et “; Suicide, ”; il y a pas mal de coupures où on le place dans le contexte de son environnement, où on va large. Et la raison en est qu'il y a tout ce thème qu'il a inconsciemment traversé le bord du bâtiment et qu'il flirte avec le bord. Et nous ne pouvions l'obtenir qu'en le mettant en contexte. Et, évidemment, dans le suicide il y a toute l'attraction de la goutte et de l'eau, qui ne se traduirait pas en gros plan tout le temps. Ce que je dirais aussi, c'est que dans “; I Dreamed a Dream, ”; Je suppose que l'autre chose que j'ai apprise du processus de fabrication est de lui couper large, aussi dramatique soit-elle visuellement, un bateau en détresse, un bateau en décomposition, ne vous aiderait pas avec ce sur quoi elle chante. Elle chante un homme qui l'a trahie, elle chante l'extinction de ses espoirs - tout ce dont elle chante n'est pas autour d'elle, tout est dans son esprit par le passé. Et finalement, le meilleur guide de cette émotion est son visage.

Vous avez ajouté une chanson, non?

Oui. Je ne pense pas que les gens aient une idée de combien nous avons changé la musique. Ce qui s'est passé, c'est qu'une fois que nous nous sommes engagés à le faire chanter, vous vous rendez compte que tous les changements que vous devrez apporter devront être apportés à travers les livres et la musique. Donc, chaque changement que j'ai fait était dans la forme musicale, en écrivant des paroles. Mais parce que j'avais l'équipe d'origine, le parolier et compositeur d'origine, beaucoup de changements sont invisibles. Les gens ne sont même pas en train de commenter, ils ne savent même pas qu'ils sont là. Il y a une légère impression que nous venons de prendre le livret et de le tourner, et cela est vrai pour une bonne partie de celui-ci. Mais nous avons fait de nombreuses interventions lorsque nous l'avons converti à l'écran qui visaient simplement à améliorer la narration.

Certains n'étaient même pas sur les paroles. Un très bon exemple de quelque chose qui m'a encore frappé la nuit dernière, qui était un changement, a été dans la première bataille, Eddie Redmayne se précipite pour obtenir un baril de poudre à canon puis le faire incendier pour faire exploser le tout, et un soldat s'entraîne son arme sur Marius. Dans la comédie musicale, Eponine délivre un message à Marius, et elle arrive à la barricade, elle est déjà été elle a été abattue et elle s'est juste fait tirer dessus alors qu'elle marchait dans la rue.

Sensationnel. Cela le rend motivant, cela change tout son arc. Et puis toute la chanson après ça est approfondie.

Et c'est un changement que personne n'a littéralement remarqué, en termes de savoir que ce n'était pas dans l'émission. Mais cela le change complètement, et pour moi le grand thème du film est ce que nous sacrifierons pour l'amour, ce que nous ferons pour l'amour. Vous avez Fantine, qui est prête à tout perdre, son corps, sa vie, pour tenter de sauver son enfant. Vous avez Valjean, qui change tout par amour. Vous avez eu Eponine, qui se sacrifie physiquement par amour. Cela fait résonner la beauté de ce que les gens feront au nom de l'amour.

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